Led Bib: "Sensible Shoes" (2009)

Tenía pensado dejar como cierre anual lo último de Magma, que como bien mencioné, está entre lo mejor de lo mejor del año. Sin embargo, era injusto dejar inactivo el blog hasta el 2010, así que aquí les presento otro muy buen disco de fin de década, para despedirnos definitivamente del 2009.

Tomando inspiración de gente como Ornette Coleman, John Zorn o Peter Brotzmann, Led Bib se presenta y se erige como uno de los fuertes representantes de la escena del Jazz Británico moderno, y su primer álbum, Arboretum, recibió el premio Peter Whittingham Jazz Award, además de otros reconocimientos en el mundo del Jazz. La instrumentación prefiere la esencia del Jazz de antaño, empleando dos saxofones, batería, piano, bajo acústico y bajo eléctrico. Un grupo libre de guitarra o teclado, y más cercano al Free Jazz que al estilo Fusion, tiene por consiguiente una propuesta sumamente interesante, diferente y si es posible, también algo de inovación. Sensible Shoes es el tercer álbum que ha lanzado Led Bib, y continúa con la labor de composiciones inusuales y vanguardistas, en esta ocasión incluye improvisaciones virtuosas, algunas distorsiones del bajo, múltiples usos de los saxos (melodías, improvs, ambientación), algún efecto electrónico y predominantes momentos enérgicos en todos los instrumentos. Sin embargo, puede igualmente mostrar secciones más amables, calmas o elegantes, identificables con el jazz más tradicional. Sensible Shoes, a pesar de que tener pocas partes melódicas y variadas disonancias con poca armonía, tampoco se identifica mucho con el estilo jazzístico insano y agresivo, sino que se muestra bastante más audible.

Esto ha sido todo, se espera que lo disfruten, y les deseo a todos una mejor década, llena de mejores vivencias y valiosas lecciones, pero sobre todo, que encuentren paz, armonía, bienestar y felicidad. De mi parte, espero seguir compartiendo la mejor y más rara música que encuentre, que es el alimento de este blog, junto con los comentarios y sugerencias que ustedes me dejan.

Hasta luego, y no se olviden de visitar en 2010, porque vamos a iniciar con una de las discografías que quedaron pendientes (habrá FLAC Audio) y otros discos no menos importantes del 2009.

Track List
1. Yes, Again (4:55)
2. Squirrel Carnage (7:10)
3. Early Morning (7:10)
4. Sweet Chili (5:22)
5. 2.4:1 (still equals none) (5:56)
6. Call Centre Labyrinth (7:00)
7. Water Shortage (7:11)
8. Flat Pack Fantasy (4:49)
9. Zone 4 (9:07)

Line-up
- Mark Holub / drums
- Liran Donin / Stand up bass, electric bass
- Tony McLaren / Rhodes piano
- Chris Williams / saxophone
- Pete Grogan / saxophone

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Magma: "Ëmëhntëhtt-Ré" (2009)

Cuando se habla de Magma lo mínimo que se puede esperar es un disco que tenga cierta calidad, pero Ëmëhntëhtt-Ré no se queda en lo mínimo, sino que compite con lo mejor del año y de la década que se está terminando. Es por esto que con él cerramos este ciclo, y nos despedimos de éstos 10 años de mucha buena música y grandes avances para el rock progresivo. El álbum ha estado encabezando la lista de los álbums Top 2009 de Progarchives, colocado en su merecidísimo primer lugar. Como la mayoría de la música de Magma, Ëmëhntëhtt-Ré tiene todo un trasfondo conceptual místico, simbólico y espiritual que logra cohesionar perfectamente cada track del álbum, convirtiéndose en uno de esos discos que preferentemente se deben escuchar de corrido, debido a su continuidad y su marcada unidad. Ëmëhntëhtt-Ré se coloca como el final de una de las trilogías narrativas de Magma, sucedida tras los acontecimientos mencionados en Köhntarkösz, y éste último a su vez funciona como continuación de K.A.
Christian Vander y compañía comenzaron a trabajar en las composiciones y la respectiva puesta en ejecución de Ëmëhntëhtt-Ré desde hace más de 30 años, y tras muchos cambios en la alineación, múltiples ensayos y semblanzas previamente documentadas de lo que sería éste disco, finalmente lograron terminarlo en 2009. Este hecho viene completamente ligado a que ciertas secciones del álbum sean muy similares a lo que encontramos en producciones pasadas, por ejemplo, escucharemos extractos fácilmente reconocibles de Live/Hhaï, Üdü Wüdü y Attahk, pero aquí entran en juego dichas composiciones y se fusionan de manera que existe un seguimiento y una congruencia entre éstas piezas. Gracias a que las antiguas composiciones fueron puliéndose al máximo y estableciendo conexión con otras, tanto Ëmëhntëhtt-Ré como K.A, son álbums en donde permaneció la esencia del Magma setentero, elemento que pocos o ningún otro grupo veterano del rock progresivo ha logrado: mantener su esencia, tener un poco de lo que eran antes.

Adentrándonos en materia musical, Ëmëhntëhtt-Ré es un álbum de arreglos super-refinados, abre con una ópera suave y melódica, un introductorio no muy intenso pero emotivo que dará paso a mi canción favorita del año: "Ëmëhntëhtt-Rê II". Subdivido en al menos tres movimientos principales, éste tema comprende versiones previas de trabajos anteriores: iniciamos con la parte operática de "Ëmëhntëhtt-Rë (extrait no.2)" que se incluyó como bonus track en Üdü Wüdü, luego escuchamos una elegantísima nueva versión de "Hhaï" (Live/Hhaï), con juegos vocales de excelentes proporciones, bellas melodías de piano, dualidades de vibráfono y guitarra suave, y cambios rítmicos impredecibles pero profesionalmente medidos. Finalmente, un clásico de Magma del que incluso se han hecho covers: "Zombies (Ghost Dance)", con su característico y envolvente poder hipnótico, gracias a la comunicación en la reiteración de los sonidos del binomio guitarra-piano, los cuales llevan como soporte un bajeo poderoso, igualmente reiterativo. Algunas variaciones rítmicas permiten escuchar otros componentes, como técnicas muy habilidosas en la batería, coros más graves y algún efecto sónico complementario. Ésta última parte se hace cada vez más intensa, se acelera poco a poco y su extraño dinamismo culmina en una sección de voces que van cambiando de tono, que servirán de entrada a "Ëméhntëhtt-Ré III". Aquí la parte vocal es ligeramente más inusual o experimental, de vez en cuando usadas como instrumentos con predominantes voces femeninas, que establecen nexos comunes con el piano. Vander se presenta igualmente enérgico e igualmente preciso en la mayor parte de éste tema, el bajeo es notablemente más virtuoso y la guitarra y vibráfono pasan a un segundo plano. Existen dinamismos imposibles de ignorar, pero la rítmica sigue un curso mucho más fijo o constante, y se siguen disfrutando los detalles hiptónicos, pero se hace evidente una preferencia en la mayor parte de la canción por secciones de mucha energía en todos los instrumentos y voces, que desarrollos instrumentales calmos o melódicos. Cerca del final del tema, hay explosiones sónicas más intensas, algunos cambios fuertes y cierta atmósfera insana, similar a lo escuchado en "Ëmëhntëhtt-Ré II", pero con un final definitivamente tranquilo que nos permite descansar el oído y nos instroduce al cuarto "Ë-Ré". Ésta continuación es más melódica, agradable y accesible en todo sentido, protagonizada por suaves voces femeninas, apenas acompañadas por batería, piano y bajo.
"Funëhrarïum Kanht" es decorado con motivos oscuros, un tema calmo pero definitivamente de ultratumba con un posible significado simbólico-narrativo para el álbum conceptual en general. El piano es punsante, insistente y las voces moderadamente demoníacas, contraste con todo el resto del disco. La batería de Vander sigue siendo complementaria al igual en el E-Ré IV, y aporta un extraño ritmo muy atípico para cualquier género musical. "Sëhë" mantiene esa misma vibra y una voz masculina parece hacer algún conjuro o invocación extraña, un cierre extraño y sombrío pero seguramente necesario para un álbum tan magnífico como Ëmëhntëhtt-Ré.

Track List
1. Ëmëhntëhtt-Rê I (6:53)
2. Ëmëhntëhtt-Rê II (22:25)
3. Ëmëhntëhtt-Rê III (13:06)
4. Ëmëhntëhtt-Rê IV (3:54)
5. Funëhrarïum Kanht (4:19)
6. Sëhë (0:27)

Line-up
Christian Vander / drums, voices, piano, Fender Rhodes, clavinet, percussions
Stella Vander / voices, percussions
Isabelle Feuillebois / voices
Hervé Aknin / voices
Benoît Alziary / vibraphone
James Mac Gaw / guitar
Bruno Ruder / Fender Rhodes
Philippe Bussonnet / bass

with:
Emmanuel Borghi / piano
Himiko Paganotti, Antoine Paganotti, Claude Lamamy, Marcus Linon and Pierre-Michel Sivadier / voices

-->Links en comentarios, disponible también en FLAC.

John Patitucci: "Now" (1998)

Now es para mí el mejor disco solista de Patitucci. Fue también el regreso de Patitucci a las formas mas tradicionales del jazz, después de una larga etapa dedicado a la fusión. Por si fuera poco, es el disco donde descubrí a Bill Stewart, el increíble baterista que suele también tocar con John Scofield.

Nacido en Nueva York, Patitucci estudió música en la Universidad de San Francisco y luego se trasladó a Los Ángeles , donde se consolidó sun carrera y comenzó a relacionarse con los músicos de jazz más vanguardistas. "Chick Corea, Wayne Shorter… Para mí esa época fue muy importante. Conocí a mucha gente y permanecí allí durante catorce años. Con el tiempo asumí que era músico de jazz y que necesitaba volver a Nueva York".
En Now, Patitucci es acompañado nada más y nada menos que por Michael Brecker, Chris Potter, y los ya mencionados Bill Stewart y John Scofield.
"Michael es un amigo de siempre y juntos hemos colaborado en muchas cosas. En un momento me dijo que podíamos hacer un álbum entero en lugar de coincidir solamente en un tema o participar en una sesión con otros músicos, por lo que cuando me planteé Now, enseguida conté con él. Bill Stewart es un baterista que ha trabajado mucho con Michael y que es realmente bueno y versátil. A Chris le conozco hace seis años y también le aprecio mucho como músico. En cuanto a John, es uno de mis músicos favoritos; me encanta tocar con él y siempre le he admirado mucho".

"Además de intérprete, soy compositor y me gusta presentar mis piezas en mis álbumes. Cuando toco en un disco de otro toco lo de otro, pero en los míos se toca lo mío", dice John Patitucci. Los temas de Now son casi todos composiciones de Patitucci, con excepción de Search for Peace, de Mc Coy Tyner, y Giant Steps el revolucionario tema de John Coltrane que cambió para siempre la forma de componer jazz. Casualmente es en Giant Steps y en Miya, dos de los temas mas calmos del disco, donde Patitucci deja el contrabajo para volver al bajo eléctrico.

Extraído de: Bienvenidos a la Monga!

Track List
01. Now
02. Grace
03. Out of the Mouths of Babes
04. Hope
05. Labor Day
06. Espresso
07. Forgotton But Not Gone
08. Search For Peace
09. Giant Steps
10. Miya

Line-up
John Patitucci: Acoustic Bass
Michael Brecker: Saxophone
John Scofield: Guitar
Bill Stewart: Drums
Chris Potter: Saxophone

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Present: "Barbaro (ma non troppo)" (2009)

El año 2009 se está terminando y quise dejar lo mejor de lo mejor para el final, para cerrar con broche de oro este año que nos ha regalado tantísimia buena música. Uno de los discos que merecen mención especial por su extrema elaboración en ejecución, complejidad compositiva, virtuosismo y excelente instrumentación, además de una producción por demás envidiable, es lo nuevo de los músicos belgas de Present. Otra notable característica del álbum es que permite apreciar el trabajo individual pero a la vez en conjunto de cada uno de los miembros de Present, y nunca se pasa por alto la participación de guitarra, batería, bajo, chelo, saxofón, teclado o piano, existiendo además una gran congruencia y cohesión entre el aporte de cada músico.

"Vertiges" abre el disco de manera magnífica, con riffs de guitarra desgarradores y pianos y teclados punsantes, los intérpretes aquí juegan con una armonía super pulida, pero añaden dinamismos, cambios de tiempos, cambios rítmicos, y todo dentro de una atmósfera insana de desbordes sonoros que transmiten ira y mucha energía. La parte sinfónica y calma se destaca, sobre todo porque le dan su respectivo lugar a guitarreos suaves, partes melódicas de teclado y mayor énfasis en el trabajo del chelista, convirtiéndose en toda una aventura musical gozadora para quien le escucha. El tema sigue una estructura muy impredecible pero pulidísima en todo sentido, que lo convierte en uno de los mejores temas progresivos de todo el 2009.

"A Last Drop" también tiene un inicio muy explosivo, sobre todo en el teclado, pero seguido de ésto, ya podemos disfrutar más melodías de saxofón, ritmos más constantes, bajos más potentes y baterías insistentes, gran parte de este tema se convierte en un trance de hipnósis que nos deja a la espera de algún cambio impredecible, típico del mejor RIO de antaño. Ese cambio nos agarra por ahí de los 4 minutos, el teclado agarra protagonismo, luego la batería acompaña y entonces ocurre una explosión musical veloz y agresiva que rompe con el ritmo constante, en seguida nos adentramos en territorios sinfónicos de arreglos muy bien trabajados, que dan mayor peso al chelo. A partir de aquí el tema es más dinámico pero también más calmo, de un momento a otro nos deja apreciar a plenitud otro instrumento más: la tuba, con una extraña melodía envuelta dentro de un ambiente siniestro de terror. Finalmente, la guitarra y el saxofón se fusionan e intercalan, el teclado los acompaña y nos dejan a la espera de algo más oscuro: el último tema.

"Jack The Ripper" es un cierre fantástico, no es un cover propiamente dicho, sino una nueva versión que originalmente compuso Roger Trigaux al lado de Daniel Denis para el clásico álbum Heresie (1979) de Univers Zero, que ya tuve el honor de traer a este blog.
Aquí, el piano es quien da inicio, con esa melodía sombría y mística, que poco a poco será acompañada por otros instrumentos, primero el chelo, y luego entran el teclado y el saxofón. Éste principio es definitivamente sinfónico, un rock de cámara del más elegante y refinado jamás creado. Casi llegando a los tres minutos, Trigaux imita con su guitarra de tonalidad particular la melodía del chelo pero se mantiene la calma. Después, se vienen inevitables cambios sonoros y rítmicos, y la batería también empieza a entrar en juego. Algunas melodías y ritmos fijos nos introducen a lo que más tarde será un caos, donde se llega a un rock más enérgico e intenso, pero la armonía y congruencia instrumental permanecen intactas. Más adelante, se viene una improvisación insana del chelo, acompañada por melodías repetitivas de teclado y batería agresiva, donde se alcanza la parte menos accesible y poco audible del disco. De repente, esto llega a su fin, y una breve parte rockera nos adentra a lo que será el final del tema, una atmósfera hipnótica de melodías insistentes en los teclados y distorsiones de guitarra que definitivamente se regresan a la parte experimental, en donde más adelante el chelo vuelve a improvisar. Nuevamente, esto se detendrá y una sección de corte magníficamente armónico, más consistente en su estructura y de mayor fuerza en guitarra y batería, será la culminación definitiva de este temazo, y al mismo tiempo, de éste disco de excelentes magnitudes y extremadamente ensayado.

-->Información en Progarchives.com
-->Link en comentarios (reparado)

Guapo: "Great Sage, Equal of Haven" (2001)

Guapo es una banda británica que lanzó sus primeros discos a finales de la década de los noventas, comenzando como una banda de hardcore, que más adelante evolucionó y estableció conexiones con el RIO más complejo y el Zeuhl más virtuoso. Great Sage, Equal of Haven es su cuarto álbum de estudio, se trata de un disco que habla muy bien de ésta banda, posiblemente no el mejor, pero al menos se sitúa y se revela al oído como un trabajo bastante elaborado en ejecución, pulido en composición, inovador, pero sobre todo es, potente e insano. El bajo y la batería son dominantes, virtuosos y la mayoría de las veces, extremadamente poderosos. Los momentos en que el disco no presenta su carácter agresivo, los deja para secciones de corte más ambiental y calma, del tipo post-rock, o para riffs reiterativos que recordarán a Magma, con ese toque hipnótico. El uso del saxofón es bastante complementario, de hecho no se usa en todos los tracks, pero cuando lo hace, acompaña bastante bien, con algunas melodías suaves y raras, que no necesariamente agregan jazz al predominante binomio de RIO-Zeuhl.
El cierre del disco no pudiera ser mejor, con El Topo, de inicios de herencia magmática y excelentes líneas de bajo que poco a poco nos sumergen en trances instrumentales que van aumentando su intensidad hasta desplegar cambios rítmicos bien medidos, o haciendo uso de sintetizador para generar un ambiente de ultratumba, del mejor estilo del RIO o Zeuhl de antaño.
Great Sage, Equal of Haven es un disco ampliamente recomendado y hasta esencial tanto para quienes gustan de virtuosismo, como para quienes buscan experimentos musicales complejos, raros, y dignos de pertenecer al mejor Avant-Garde, RIO o Zeuhl de los últimos años.

Track List
1. Mountain Of The Five Elements (4:14)
2. Blessed Albania (2:42)
3. Zero For Conduct (3:30)
4. Five Cornered Square (3:44)
5. Ten Years Of Heisei (1:14)
6. Sakura (4:22)
7. Perfect Blue (5:07)
8. El Topo (16:01)

Line-up
- Matt Thompson / bass, guitar, electronics
- Dave Smith / drums, percussion
- Caroline Kraabel / saxophone (2, 4, 6, 7)
- John Edwards / double bass (7)
- Andy Thompson / MiniMoog

-->Links en comentarios (reparado)

AKA Moon: Akasha Vol.1 & Akasha Vol. 2

Vol. 1 (1994)

Track List
01 As Known As Venus - Part 1 [14'00"]
02 Danse Pour Un Ange [6'06"]
03 Alaknanda [9'00"]
04 Tiruvanamalaï - Part 1 [4'22"]
05 Galileo Galilei - Part 1 [4'54"]
06 Namaste [2'30"]
07 Tiruvanamalaï - Part 2 [7'08"]

Vol. 2 (1996)

Track List
1. Bagherathi (7:15)
2. First Tchaï (13:42)
3. Rebirth (Part 6) (5:48)
4. Galileo Galilei (Part 2) (3:13)
5. Tiruvanamalaï (6:12)
6. Eclipse In Mahabalipuram (5:57)
7. As Known As Venus (Part 2) (4:02)

Line-up
- Fabrizio Cassol / Alto saxophone & composer
- Michel Hatzigeogiou / bass
- Stéphane Galland / drums
- Raghunath Seth / flute
- Aneesh Pradhan / tablas
- Shankaranarayanan / Mrudangam

La filosofía y música de AKA Moon puede que tenga similitudes con el movimiento del M-Base, y de hecho, más allá de la música, ellos son verdaderos investigadores. La razón que explica esto es que en una de sus búsquedas más importantes, han ido estudiando las costumbres y cultura de la tribu de los AKA pygmies de África. Este hecho obviamente viene ligado en que en discos como los dos volúmenes de Akasha, el trío belga se permitiera experimentar con música de la India, usando percusión tribal y ciertas melodías de flauta que fácilmente se identifican con la música étnica. El primer volumen comienza como un jazz bastante suavizado protagonizado por el saxo que poco a poco va agarrando fuerza, de repente llegan algunos momentos enérgicos en la batería, o de rímticas apoyadas en percusión acústica, haciendo algunos duetos interesantes. El bajo se presenta más secundario, pero de vez en cuando se sigue notando la inspiración en Jaco Pastorious.
El segundo volumen es un poco más melódico en el saxofón y en el bajo, las percusiones siguen con el papel dual entre rítmicas fuertes y otras más calmas, pero siguen en pie las improvisaciones, la libre expresión musical y el cuidado de las texturas, donde encontramos la misma buena vibra del jazz de antaño, sólo que desde una perpectiva definitivamente vanguardista que también homenajea a la música étnica.
AKA Moon y en especial, sus discos como los Akasha, van recomendados a todo aquel que quiera escuchar un jazz moderno y experimental, donde el principal interés es llevar el género a otros territorios de la música.

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Koenjihyakkei **Discografía**

Koenjihyakkei

Koenjihyakkei nace en Japón por iniciativa del baterista Tatsuya Yoshida, siendo uno de sus proyectos más conocidos y de mayor calidad. Éstos japoneses nacen y se erigen como la banda que está a la cabeza del zeuhl de la modernidad. Sus comparaciones y semejanzas con Magma han sido bastantes, pero no conformes con las bases sentadas por Christian Vander y compañía, Koenjihyakkei las destruye y las recrea a su forma, desde una perspectiva rebelde, insana y definitivamente moderna. Su propuesta siempre es completamente aventurada, y sus composiciones muy inusuales, que inteligenteme mezclan finas óperas, con algunos teclados del tipo ELP o de jazz fusión, y no menos importante, manejos complejos en los cambios rítmicos, de tiempos y de escalas. La forma de tocar de Yoshida no es un elemento que se queda atrás, y al contrario de Vander, éste suele imprimir mucha más fuerza, velocidad y locura, con una técnicas impresionantes que lo han colocado como uno de los mejores bateristas de la actualidad. Si bien es cierto que la música de Koenji es casi completamente explosiva y destructiva, nunca dejan de lado ciertos coros reiterativos o riffs y melodías fuertemente enfatizadas, o selectos momentos más calmos. Contrariamente a Magma, la puesta en ejecución de las composiciones de Koenji puede hacer uso de armonía o de improvisación, según se requiera, y esto lo encontramos sobre todo en sus conciertos y en ciertas partes del álbum Nivraym.
El mejor disco de Koenji seleccionado por los usuarios de progarchives está competido entre los dos primeros, pero existen muchos que alaban más a Angherr Shisspa, y yo personalmente disfruto plenamente de Nivraym, ya sea en versión original o la regrabada que salió en 2009.
Lo cierto es que de un álbum a otro hay cambios notorios, las ideas se modifican y las mentes enfermas y macabras de los intérpretes también lo hacen, por lo que cada álbum es una experiencia distinta, pero siempre una gran muestra de calidad.
Koenjihyakkei y cualquier grupo en el que haya participado Tatsuya Yoshida (Ruins, Sax Ruins, Daimonji) solamente se recomiendan a quienes puedan aguantar una música inquietante y desgarradora, pero al mismo tiempo novedosa y fuera de lo común.

Hundred Sights Of Koenji (1994)

Viva Koenji! (1997)


Nivraym (2001)


Angherr Shisspa (2005)

Bonus:

Nivraym (2009-regrabación)

Live At The Star Pine's Cafe (2002 DVD Audio-Rip)

-->>Notas<<---

1. Créditos: Kobaïan, Progarchives.
2. La información de cada disco está en el hyperlink de su título.
3. Los hyperlinks de discos previamente posteados, apuntan a la entrada correspondiente.
4. Como discos de Bonus, se encuentran la regrabación del 2009 de Nivraym y el Audio Rip del DVD Live At The Star Pine's Cafe.
   
5. Los links para todos los discos estan en el archivo txt, adjuntado en los comentarios.
6. Los archivos se encuentran alojados en mediafire y rapidshare.
   

Von Zamla **Discografía**

Von Zamla

Otro grupo que puede presumir de tener una discografía de pura calidad y ventajosa inovación es Von Zamla, proyecto alterno de Samla Mammas Manna, mucho más serio, más interesado en cuestiones vanguarditsas y sin la característica guitarra jazzística que definía al SMM temprano.
Lars Hollmer fue líder de todas estas magníficas bandas del Rock In Oposittion, y lamentablemente este músico murió de una enfermedad a sus sesenta años, a finales del año 2008. Hollmer fue el primero o al menos uno de los primeros en incluir el acordeón para fines de rock progresivo, de manera siempre atinada, además saber controlar el teclado y las percusiones, entre otros instrumentos. Von Zamla va casi completamente enfocado a lo instrumental, y su importancia radica en que rompe de cierto modo, con las características propias del RIO de fines de los años setentas, y en conjunción con otras bandas, ayudaron a reinventar el género, estando a la cabeza del género en los años ochentas, junto con selectas bandas como Birdsongs Of The Mezozoic o Thinking Plague.

Los escasos pero muy buenos dos trabajos de estudio de Von Zamla, recorren la parte amable de la vanguardia progresiva, incluyendo acercamientos con el folklore nórdico, pero nunca olvidando la mezcla (muy novedosa en su momento) de rock de cámara decorada con una moderna capa de sonoridades electrónicas, muy afines a las necesidades musicales de su época. El resultado son composiciones únicas, mayormente melódicas y de arreglos y texturas delicadas, que se aventuran a explorar diversos horizontes de la buena música.

Zamlaranamma es un excelente disco que ya he tenido el honor de publicar aquí, y No Make Up! no es de menor calidad, agradable por sus marcadas líneas de bajo, sus diversas ambientaciones, su uso casual de guitarreo del tipo Roger Trigaux (Present), o sus amables secciones relajantes, tanto acústicas como electrónicas. No obstante, el álbum no se queda sólo en una música de ambientación o tranquilización, sino que abarca algunos surcos de rock levemente más intenso y enérgico, comparable con lo que hacía Univers Zero por esos años.
Es importante mencionar que el crédito por la interepretación de fagot y oboe quedó a cargo en este disco por nada menos que Michel Berkcmans de Univers Zero, lo cual no debe extrañarnos si recordamos la amistad y camaradería que había entre las bandas pioneras del RIO.

Finalmente, Von Zamla 1983 es un álbum que salío a la venta en 1999 y recoge cortes de dos conciertos de la banda en Alemania en el año 1983, como parte de su tour por Europa. Evidentemente, se interpretaron profesionalmente temas de sus dos álbums de estudio.

Zamlaranamma (1982)


No Make Up! (1983)

Von Zamla "1983" (1999)

-->>Notas<<---

1. Créditos: Kobaïan, Progarchives.
2. La información de cada disco está en el hyperlink de su título.
3. Los hyperlinks de discos previamente posteados, apuntan a la entrada correspondiente.
4. El disco debút, Zamlaranamma, también está disponible en formato FLAC.
   
5. Los links para todos los discos estan en el archivo txt, adjuntado en los comentarios.
6. Los archivos se encuentran alojados en mediafire y rapidshare.
   

OHMphrey: "OHMphrey" (2009)

OHMphrey es una banda proyecto formada por miembros de la banda de jazz fusion Ohm (Chris Poland en la guitarra y Robertino Pagliari en el bajo) y de la banda de rock progresivo Umphrey’s McGee (Jake Cinninger en la guitarra, Kris Myers en la batería y Joel Cummins en los teclados).

El disco fue lanzado en mayo de este año (2009) bajo el sello Magna Carta, sello en el cual han surgido proyectos como Liquid Tension Experiment, Bozzio Levin Stevens, Explorer’s Club, por nombrar algunos. Según el sitio oficial del disco, este fue grabado en apenas dos días, tiempo sorpendentemente corto, el cual al compararlo con el resultado final resulta ser mucho más sorprendente.

Por: Full Rock Prog

Contrario a lo que se podría pensar, OHMPhrey no es tanto una mezcla de estilos, sino de talentos, y por fortuna para quienes preferimos la banda de Chris Poland, este disco comparte más similitudes con Ohm. De hecho, al igual que los discos de Ohm, este álbum también tiene como protagonista la multifacética guitarra de Poland, que como siempre, es usada con gran habilidad y para propósitos tan distintos: algunos riffs metaleros demoledores, solos perfeccionados o rasgeos leves de Jazz Fusion que recordarán un poco a alguien como Allan Holdsworth. Se hacen evidentes dinamismos, texturas diversas, algunas melodías marcadas de guitarra y teclado, y rítmicas variables. El baterista Kris Myers se alcanza a lucir perfectamente en el tema Shrooms 'n Cheese, donde sus técnicas y atinados golpes aportan una fuerte y dominante base rítmica, que se convierte completamente, en un elemento a favor del disco en cuestión. De hecho, es en este mismo corte, que el bajista Robertino Pagliari también hace una excelente aportación, convirtiéndose en un juego virtuoso entre los músicos, altamente experimental e incluso con algo de improvisación. En conclusión, otro disco destacable e intenso de la genial discografía de Ohm.

Track List
1. Someone Said You Were Dead (5:00)
2. The Girl From Chi Town (6:21)
3. Denny's By The Jail (8:42)
4. Ice Cream (3:26)
5. Lake Shore Drive (8:19)
6. Not Afraid Of The Dark (5:20)
7. Shrooms 'n Cheese (15:04)
8. What's The Word, Thunderbird (11:54)

Line-up
-Chris Poland/ guitars
-Robertino Pagliari/ bass
-Jake Cinninger/ guitars
-Joel Cummins/ keyboards
-Kris Myers/ drums

Sax Ruins: "Yawiquo" (2009)

Antes de formar su talentosa, impactante y cuidadosamente insana banda de zeuhl, Koenjihyakkei, el baterista Tatsuya Yoshida se hacía acompañar del bajista Hisashi Sasaki, para formar Ruins, duo moderno que apareció a principio de los noventas como una especie de hardcore enérgico pero con elementos típicos del rock progresivo, por ejemplo los cambios rápidos, las múltiples texturas y el manejo tan profesional de los rtimos y tiempos. Este año Yoshida regresó a la escena musical al lado del saxofonista Ono Ryoko, dándole un giro necesario a la trayectoria de Ruins, incluso grabado bajo el nombre de Sax Ruins, dando a entender el poder y vitalidad que aporta el saxofón a esta banda. El resultado sigue siendo una música extrema, poderosa, siempre veloz y enérgica en todos los puntos, que conserva la esencia de Ruins: el virtuosismo elevado, la complejidad en la estructura de cada tema, pero que ahora abarca definitivamente un acercamiento al jazz, más específicamente, el jazz de un tipo parecido a Naked City (John Zorn). Por otro lado, existen escasos pero notables momentos de calma, a veces protagonizados por músicos invitados que interpretan instrumentos sinfónicos.
Entonces, entíendase este disco como una amalgama extraña y desgarradora que mezcla la libertad improvisatoria del free-jazz, la energía del hardcore y por supuesto, el fuerte componente contracultural del RIO. Al igual que todos los discos de Ruins, va recomendado sólo para oídos que sean capaces de aguantar el lado más inquietante e hiperactivo de la música.

Track list
1. Korromda Peimm (2:19)
2. Zurna Taksim (0:36)
3. Hyderomastgroningem (1:27)
4. Czerudmuntzail (3:38)
5. Snare (1:17)
6. Pallaschtom (2:08)
7. Zworrisdeh (5:26)
8. Komnigriss (2:01)
9. Nivaftopoftz (1:14)
10. Gravestone (3:19)
11. Znohjmo (2:53)
12. Jallamjikko (1:16)
13. Bupphairodazz (3:54)
14. Epigonen (1:43)
15. Pig Brag Crack (2:22)
16. Djubatczegromm (2:07)
17. Yawiquo (6:40)

Line Up
-Tatsuya Yoshida (drums)
-Ono Ryoko (alto sax)

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Russian Circles: "Geneva" (2009)

Russian Circles es una banda norteamericana formada en Chicago, por el guitarrista Mike Sullivan, el bajista Colin DeKuiper (reemplazado más tarde por Brian Cook) y el baterista Dave Turncrantz. El trío pertenece a la vertiente progresiva del post-rock, sólo que con más energía en guitarra que la mayoría de las bandas del género, aportando cierta originalidad y un sello personal que los distingue. Es decir, lejos han estado de los estándares comunes del género, y nunca han intentado imitar la fórmula usada por los grandes exponentes como Sigür Ros o GY! BE, esto lo recalco para quienes tengan una errónea y vaga imagen de lo que es el movimiento post-rock.
Volviendo con Russian Circles, lo cierto es que este año han llegado con un álbum magnífico y diverso, de corte atmosférico pero se permite hacer ciertas experimentaciones. Si bien el álbum trata de mantener la calma en la mayoría de los temas que lo conforman, tampoco hace a un lado las distorsiones en la guitarra y en el bajo, o los momentos enérgicos que elevan la intensidad musical. Se hace evidente también, cierto componente vanguardista-sinfónico, que a través de bellas melodías y suaves texturas sonoras, complementan bastante bien el apartado dedicado al rock más enérgico. Geneva es un disco que no queda a deber nada, sino que al contrario, continúa en esa exploración musical, al mismo tiempo que nos regala amables e inspirados pasajes atmosféricos, con sus consecuentes efectos tranquilizantes en quien le escucha.

Track List
1. Fathom (4:55)
2. Geneva (5:49)
3. Melee (7:39)
4. Hexed All (4:29)
5. Malko (4:43)
6. When The Mountain Comes To Muhammad (8:00)
7. Philos (10:26)

Line-up
- Mike Sullivan / guitar
- Dave Turncrantz / drums
- Brian Cook / bass

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Pekka Pohjola: "Harakka Bialoipokku" (1974)

Pekka Pohjola desde sus comienzos se colocó como un músico importante en el desarrollo y evolución del Jazz Fusion, siendo uno de los primeros en establecer inteligente y elegantemente, el nexo de esta vertiente con la más refinada música clásica y el folk escandinavo. Su segundo trabajo de estudio es Harakka Bialoipokku, considerado como una de sus más grandes obras, por la belleza de todas sus composiciones, la gran calidad interpretativa de cada músico que participa, y las variedades sonoras que ofrecen --entre otras cosas--suaves pianos que llevan el control del detalle sinfónico, atinados solos de saxofón, e las impecables bases rítmicas excelsamente desarrolladas. La instrumentación es perfecta, y los arreglos y texturas están más que pulidos, y se convierte en una experiencia auditiva muy disfrutable, escuchar completo un disco como éste, el cual sabe conservar el carácter tan accesible del álbum debút. El estilo también sigue prefiriendo cierto enfoque en desarrollos instrumentales definidos, y no en improvisaciones que han llevado a cabo otros músicos del Jazz Fusion.
Es a través de esta grandísima obra de arte, que resalto y enfatizo el talento compositivo e interpretativo de Pekka Pohjola, músico finlandés que siempre ha estado a la altura de los más grandes intérpretes y agrupaciones del Jazz Fusion.

Track List
1. Alku ~ The beginning (2:10)
2. Ensimmäinen aamu ~ The first morning (5:35)
3. Huono sää / Se tanssii... ~ Bad weather / Bialoipokku dances (6:55)
4. ...ja näkee unta ~ Bialoipokku's war dream (4:35)
5. Hereilläkin uni jatkuu ~ Bialoipokku's war (4:42)
6. Sekoilu seestyy ~ The madness subsides (4:18)
7. Elämä jatkuu ~ Life goes on (6:42)

Line-up
- Pekka Pohjola / bass, piano
+ Coste Apetrea / guitar (6)
- Eero Koivistoinen / soprano, tenor & sopranino saxes
- Bertil Löfgren / trumpet (2-5)
- Paroni Paakkunainen / Alto & baritone saxes, piccolo
- Tomi Parkkonen / drums, percussion (1 to 4)
- Pekka Pöyry / alto & soprano saxes

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Pekka Pohjola: "Pihkasilmä Kaarnakorva" (1972)

Hablar de Pekka Pohjola no sólo implica referirse al más grande exponente del Jazz Fusion finlandés, sino que significa hablar de un gran genio de la música en general, un compositor y músico con dominio en diversos instrumentos, siendo el bajo su favorito y principal herramienta de expresión musical. Pekka Pohjola lleva las tendencias y elementos del jazz fusion a explorar horizontes de la música clásica, el rock progresivo y el folklore escandivano, siendo el resultado una tremenda mezcla de brillantes arreglos, virtuosismo y técnicas profesionales y pulidos, pero sobre todo: una música dotada de gran belleza, que agradará a cualquiera que le escuche. El multi-instrumentista finlandés tiene una larga trayectoria musical, siempre destacada y respetable, abarcando una discografía en solitario y algunas aportaciones importantes al grupo Wigwam, donde fue miembro a inicios de los años setentas.
Pihkasilmä Kaarnakorva es el debút de Pekka Pohjola, se trata de una excelentísima obra artística que sobresale por donde quiera que se mire, original, diversa, compleja y llena de calidad interpretiva a lo máximo en todos los instrumentos. El comportamiento dual o multifacético de las ejecuciones que comprende el disco, recorrerán los lados más amables de la música clásica, con disfrutables secciones de vientos; existe además un habilidoso, enérgico y veloz sólo de batería al inicio del álbum, o el órgano suave con agradables melodías de carácter sinfónico. No menos importante es el cierre del disco, dedicado por completo a las experimentaciones del bajo que ofrece el mismo Pohjola, haciendo uso de habilidades y técnicas que en su momento debieron ser un completo factor de inovación, además del respectivo disfrute que proporciona a quien le escucha.
Concluyendo, no es necesario que les guste el Jazz Fusion ni el rock progresivo para disfrutar de trabajos tan esforzados como es este, sino que puede agradar al público común, por el carácter tan accesible e inspirado que ofrece.

Tracks List
1. Metsonpeliä ~ Capercaillie games (10:33)
2. Virtojen kiharat ~ Curls of streams (5:28)
3. Armoton idylli ~ Merciless idyll (3:47)
4. Nipistys ~ Pinch (3:32)
5. Valittaja ~ Complainer (10:22)

Line-up
- Pekka Pohjola / bass, violins, piano, final organ (5)
+ Jukka Gustavson / organ, piano (4)
- Reino Laine / drums
- Risto Pensola / clarinet
- Pekka Pöyry / soprano sax, flute

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Art Zoyd: "Phase IV" (1982)

Phase IV es el cuarto trabajo en estudio de Art Zoyd, y sin duda también una de sus más grandes obras. Este álbum sabe conservar las características de trabajos anteriores como el carácter sombrío y siniestro en las composiciones, o los momentos de locura y desborde sonoro. Sin embargo, se trata de un trabajo que se enfoca en mejorar la armonía grupal, y además trata de mantener cierta belleza y estética, abarcando ciertos ritmos más definidos o el énfasis en las melodías. Sin embargo, la experimentación continúa, aquí se emplea algo como un chelo sintetizado en ciertas partes, que serían los primeros acercamientos de Art Zoyd con la música electrónica de vanguardia. El bajo se muestra más protagónico en Phase IV que en otros álbums, y se alcanza a disfrutar más su gran participación, con inteligentes técnicas casi propias del multi-instrumentista y compositor Thierry Zaboitzeff. El piano es el instrumento selecto para la parte melódica y también juega un papel brillante a lo largo del disco.
En su totalidad, es un trabajo muy bien desarrollado y completo que va involucrando ciertos contrastes y variedades musicales, entre los momentos de energía y las partes enteramente dedicadas al sinfonismo refinado al que nos tiene acostumbrado este talentoso ensamble.

Tracks List
1. État D'Urgence (14:38)
2. Naufrage (6:41)
3. Dernière Danse (4:33)
4. Deux Préludes (2:05)
5. La Musique D'Erich Faes (Collective Improvisation) (0:14)
6. Et Avec Votre Esprit (5:14)
7. Ballade (4:03)
8. Chemins De Lumière (15:09)
9. Du Sang Sur La Neige (4:16)
10. Vue D'Un Manège (4:08)
11. La Nuit (13:00)
12. Les Larmes De Christina (3:44)

Line-up
- Gérard Hourbette / violin, keyboards, saxophone, viola
- Didier Pietton / percussion, saxophone, sax (Alto), sax (Tenor)
- Jean Pierre Soarez / percussion, trumpet, cornet
- Thierry Willems / piano, piano (electric), piano (Grand)
- Thierry Zaboitzeff / bass, guitar, cello, guitar (bass), vocals, voices, tapes

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Guru Guru: "UFO" (1970)

UFO es el debút de los alemanes Guru Guru, intérpretes de un krautrock con sello distintivo, que a veces se enfoca en los riffs fuertemente distorsionados de la guitarra, siendo el instrumento más predominante a lo largo de varios de sus álbums. Es cierto que se puede citar a este disco como uno de los más extravagantes y experimentales del krautrock (para el año en que salió), pero en realidad es muy notable que también tiene acercamientos con el Hard Rock o incluso el Heavy Metal setentero, lo cual se hace posible gracias a un potente guitarreo. Mientras que las ejecuciones en los temas 1-3 van encaminadas al excelso trabajo del guitarrista, son en realidad los dos cortes restantes los que presentan mayor experimentación y rarezas sonoras, que para efectos de la vertiente krautrockera, es lo que lo hace verdaderamente valioso. El tema que da título al álbum es un buen síntoma de que este disco es krautrock, donde hacen uso de extraños efectos y distorsiones, olvidando la composición pero obteniendo mayor libertad, a través de extensos diez minutos de indefinición y sonidos impredecibles que resultan indescriptibles.
El track titulado "Der LSD / Marsch" es un poco más instrumentado, pero se mantiene en esa misma línea de libertad musical, una mezcla de rarezas sónicas al incio, que poco a poco nos adentran en pasajes instrumentales más compositivos de rock enérgico, y que darán paso a un solo de batería, seguido de marcados y bien ejecutados solos de guitarra.
UFO es un disco que seguro agradará tanto a quienes buscan experimentación, como a quienes prefieren guitarreo virtuoso con riffs enfatizafos. Se trata de un gran clásico del krautrock y un imperdible de toda la trayectoria de Guru Guru.

Tracks List
1. Stone In (5:43)
2. Girl Call (6:21)
3. Next Time See You At The Dalai Lhama (5:59)
4. Ufo (10:25)
5. Der LSD / Marsch (8:28)

Line-up
- Mani Neumeier / percussion, drums, voice, tapes
- Uli Trepte / bass, sounds
- Ax Genrich / guitars

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Ohm: "Circus Of Sound" (2008)

Finalmente, el último y bien trabajado disco de Ohm, es Circus Of Sound. Se había mencionado que con este disco, Ohm entraría en un trance metalero, pero nunca es por completo, en realidad es la energía con que interpretan la mayoría de los temas y la ejecucuión de algunos riffs, lo que lo convierte hasta cierto punto, en un disco de la vertiente moderna de fusión/metal. También es cierto que el guitarrista Chris Poland demuestra mejor en este disco que viene de la escuela del Heavy Metal, y que además sabe como establecer inteligentemente ese nexo moderno del metal y el jazz fusion, que han puesto en práctica muchas bandas de la actualidad. Como en discos pasados, el guitarreo es un elemento a favor, siempre virtuoso, siempre cambiante entre riffs potentes y otros más suaves, y con varios solos impresionantemente ejecutados. La batería en Circus Of Sound no queda completamente a cargo de Kofi Baker, sino que hay dos bateristas invitados: Joel Taylor y Frank Briggs, cada uno interpretando temas distintos, lo cual le agrega al disco cierta variedad. Se echa de menos en este disco la participación fuerte del bajo, tan sólo destacable en selectos temas como Mr. Brown (un excelente homenaje a James Brown). Sigue vigente en este álbum los jams e improvisaciones del Amino Acid Flashback, al igual que la complejidad de la estructura que siguen los temas, manteniendo la esencia y el sello característico de Ohm.

Por cierto, con este se completan los primeros 100 discos del blog, gracias por leer y por todas sus sugerencias y comentarios. Esto es sólo el principio....

Track List
1. Fun House (4:11)
2. System Of A Clown (3:26)
3. Photograph (2:38)
4. Circus Of Sound (4:20)
5. Point Omega (3:26)
6. Abracadabra (3:49)
7. The Shortest Straw (3:10)
8. The Black Hand (3:38)
9. You Don’t Know (4:28)
10. Steps From Home (3:13)
11. Mr. Brown (4:34)
12. DD214 (3:42)
13. Leap Of Faith (4:24)
14. Pan’s Plan (3:53)

Line-up
- Chris Poland (Guitarras)
- Robby Pagliari (Bajo)
- Joel Taylor (Batería en tracks 1 a 3)
- Frank Briggs (Batería en tracks 4 a 7)
- Kofi Baker (Batería en tracks 8 a 14)

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John Zorn: "Femina" (2009)

El músico vaguardista John Zorn ha lanzado 5 álbums en estudio este año, y al menos dos de ellos van completamente enfocados a la faceta compositiva y no interpretativa de Zorn. En O'o tuvimos un excelente disco de jazz instrumental, apoyado en vibráfono y órgano, de carácter agradable y melódico. Del mismo tipo se puede decir que es Femina, con la gran diferencia que este disco va encaminado a la música clásica contemporánea. El estilo puede resultar similar a la música de John Cage o Pierre Boulez, pero en realidad se trata de un álbum conceptual que homenajea a algunas mujeres en las artes, por ejemplo: Hildegard von Bingen, Louis Bourgeois, Gertrude Stein, Sylvia Plath, Meredith Monk y Yoko Ono, entre otras. El ensamble acústico que interpreta la obra de Zorn está compuesto sólo por instrumentistas femeninas, de aquí viene el otro hecho que nos explica el título del álbum, además del homenaje.
La música en sí misma, tiene un papel dual, por un lado predominan los momentos de calma a través de excelsos y refinados arreglos orquestales, con bellas melodías tanto de cuerdas como harpa o piano. Por otro lado, existe cierta experimentación sonora que imprime modernidad, con algunos momentos enérgicos que rompen con la paz y la tranquilidad pero permiten la participación de las percusiones o el manejo de electrónicos, esto último quedando a cargo de la talentosa instrumentista japonesa Ikue Mori.
Un álbum de grandísima calidad es de lo que se trata, donde nuevamente John Zorn nos demuestra que sigue sobresaliendo a nivel compositivo, y que sin importar el género o estilo que maneje, es capaz de brindar buena música. A nivel global, lo considero uno de los mejores y más elaborados lanzamientos de todo el 2009.

Tracklist
1. Femina: Part 1 (11:42)
2. Femina: Part 2 (10:11)
3. Femina: Part 3 (10:15)
4. Femina: Part 4 (3:16)

Line-up
John Zorn Conductor, Producer, Arranger
Carol Emanuel / Harp
Jennifer Choi / Violin
Sylvie Courvoisier / Piano
Shayna Dunkelman / Percussion
Okkyung Lee / Cello
Ikue Mori / Electronics
Laurie Anderson / Narrator

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French TV: "You-Hoo!!! French TV Live" (1997)

Este disco de caricaturesca portada es el único oficial publicado hasta la fecha de un concierto de los estadounidenses French TV, lideriados por el bajista Mike Sary. Un puente perfecto es de lo que se trata este álbum, pues se ubica en el punto más crítico de la discografía de French TV, es decir, antes de este disco había una banda con tendencias de rock sinfónico y jazz-rockeras, pero a partir de su siguiente trabajo explorarían territorios del RIO, el canterbury y el Avant-Garde, dando un giro musical importante. Temas de rock enérgico e improvisatorio son el que da inicio al concierto y "The Tingler", con guitarra y bajo potentes. Luego pasamos a un trance cómico y humorísitico, característico de French TV, en temas como "Clanghonktweet" y su inolvidable e inconfundible melodía de teclado. En contraparte, la faceta sensible y seria de la banda se deja ver en "The Artist's House", un tema bastante calmo y bello con melodías de teclado que emulan el sonido un piano, de carácter casi melancólico. El lado más experimental del álbum lo alcanzan con la excelente versión extendida de "Hey! Real Executives..", un tema que en principio puede aparentar el rock enérgico con virtuoso guitarreo de otros temas, pero que de repente nos toma por sorpresa y se mete en una atmósfera completa de rock espacial, que tiene como protagonistas al sintetizador y la batería, una sección altamente disfrutable que mucho más adelante se regresa a la parte enérgica.
Destacables y finas ejecuciones, no menos importantes son "Friendly Enzymes" y "And The Dead Dog..", donde sólo se echa de menos la instrumentación con que cuentan las versiones de estudio, pero la vibra que transmiten y la emoción con que interpretan son las mismas, la esencia queda también intacta.
En completo, es un conciertazo que demuestra bastante bien que French TV es una banda muy multifacética que incluso puede saltarse de un estilo musical a otro, y por tanto su música está dotada de muchas variedades sonoras y rítmicas.

Track List
1. Happy Armies Fight in Their Sleep (5:45)
2. The Tingler (6:16)
3. Clanghonktweet (6:43)
4. Friendly Enzymes (7:04)
5. The Souls of the Damned Live in Failed Works (9:52)
6. The Family That Oonts Together Groonts Together (7:19)
7. And The Dead Dog Lept Up And Flew Around the Room! (7:45)
8. The Artist's House (6:12)
9. Hey! Real Executives Jump From the Fiftieth Floor! (12:34)

Line-up
- Mike Sary / bass
- John Robinson / keyboards
- Bob Douglas / drums
- Dean Zigoris / guitars, guitars synthesizers

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Ohm: "Amino Acid Flashback" (2005)

Segundo álbum de los estadounidenses intérpretes de Jazz Rock, Ohm. El cambio de baterista le vino bastante bien a esta banda, ahora con Kofi Baker reemplazando a David Eagle. Y esto es porque la participación de Baker, si bien no llega a ser completamente dominante, al menos ya se hace notable un trabajado destacado de la batería, sobre todo en temas como "Icarus Falls" y "Skint". Un guitarreo por momentos experimental y con marcadas tendencias al metal progresivo se empieza a hacer evidente, sin llegar a convertirse en ningún momento en un disco de metal/fusion. El bajo sigue aún las enseñanzas de la técnica de Jaco Pastorious, y aquí se vuelve un elemento mucho más a favor que en el primer disco, por asumir un papel menos secundario que la guitarra. De hecho, es en este disco que el trío se organiza para dar paso a desarrollos instrumentales de mayor improvisación, pero sin poner especial énfasis en ningún instrumento, sino que ahora cada uno tendría su lugar y haría su respectiva y admirable participación virtuosa. Otro giro interesante, es que los temas estarían menos dirigidos a secciones melódicas, y en cambio realzaron su componente improvisatorio con mucha energía y usando bases rítmicas por lo general complejas.

Tracklist
1. DaVinci (2:57)
2. Tara (3:58)
3. William’s Amino Acid Flashback (3:32)
4. What If… (3:47)
5. Joog in da Boot (3:13)
6. Compass of the Heart (4:04)
7. Icarus Falls (3:44)
8. Rooms of Telemetry (4:32)
9. Skint (3:16)
10. Spun (6:44)
11. Tattoo (3:32)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertino Pagliari (Bajo)
- Kofi Baker (Batería)

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Ohm: "Ohm" (2003)

Ohm es una banda estadounidense formada en el 2002 por Chris Poland (guitarrista), Robertino Pagliari (bajista) y David Eagle (baterista), este último sería reemplazado en 2005 por Kofi Baker, hijo de Ginger Baker, baterista del grupo Cream (mítica banda sesentera, en la cual participaba Eric Clapton). Chris Poland es un ex-miembro de la banda de Heavy y Thrash Metal, Megadeth, de aquí viene el hecho de que el último trabajo de Ohm tenga marcadas tendencias al metal. Pero antes de la etapa del Ohm metalero, tuvieron dos primeros discos dedicados a crear un Jazz Rock muy melódico, con ciertos momentos de improvisación, armonía perfecta entre el trío e influencias en el bajo de Jaco Pastorious. Su primer disco es el homónimo que se presenta a contiunación, se trata, principalmente, de un guitarreo espectacular, de hecho, casi todos los temas tienen al guitarrista de protagnista, tocando riffs suaves, solos moderadamente virtuosos y siempre llevados a ejecución con gran emoción. El bajista no se comforma con sólo acompañar y su interpretación en los temas "Iguana" o "Bastille Day" es bastante notable, de hecho es parte sustancial y si demuestra inspiración en la gran técnica del maestro Jaco Pastorious. La batería, al menos yo la percibo más secundaria en este disco, no es floja pero no le hayo momentos donde se destaque al 100% y sobresalga entre los otros dos instrumentos.
Un disco con un sonido fresco, melódico, enérgico y agradable es de lo que se trata el debút de Ohm, recomendado si prefieren la pureza del Jazz Rock que las mezclas modernas de este género con Metal Progresivo, lo cual si existe en el último álbum de esta banda norteamericana.

Tracklist
1. Peanut Buddha (3:34)
2. Where’s My Hat? (3:12)
3. Id (3:31)
4. Love Song (4:27)
5. Came To Believe (3:08)
6. Between Us (3:59)
7. Iguana (3:15)
8. Sister Cheryl (4:36)
9. Brandenberg Gate (5:37)
10. Bastille Day (4:07)
11. Mountain (4:20)
12. Search For The Suicide King (5:49)
13. Ohmage (4:21)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertion Pagliari (Bajo)
- David Eagle (Bateria)

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Astro Can Caravan: "21st Century Drifting Episode" (2004)

Hasta aquí llega la naciente discografía de Astro Can Caravan, la orquesta jazzística de origen finlandés cuyo primer disco ya he publicado. 21st Century Drifting Episode es apenas su segundo álbum de estudio y nuevamente presenta más variaciones y novedades compositivas interesantes. Como buenos músicos del Avant-Garde Jazz, no se conforman con los estilos y esquemas típicos del género, sino que se dedican a la exploración continua de sonidos y composiciones que hagan al jazz evolucionar. El primer disco ya incluía un poco de efectos raros de sintetizador, pero aquí ya lo usan con más habilidad, donde generan ciertos trances musicales de una especie de ambient/space rock, beats modernos de electrónica y ésto lo conjugan con maestría con las melodías que interpretan los metales: saxos y trompetas se pueden fundir para funcionar como si fueran uno sólo. Temas principalmente impresionantes son el primero: "Tungar Tudu", en donde de repente entra en juego una improvisación completa de la orquesta pero más tarde y de forma impredecible se regresan al ritmo y melodía principal, esto nos demuestra la perfecta organización de los músicos que involuca tener cierto nivel de perfeccionismo interpretativo. No menos importante es la energía tan extrema con que interpretan "Moon Boots", las percusiones agarran poder y golpean fuertemente y un breve pero bien ejecutado sólo de guitarra nos toma por sorpresa, para más tarde dar paso unos saxos insanos de free-jazz, increíble para ser un tema de poco menos de dos minutos. Otro de mis favoritos es "Meteor Shower Geel", ahora con protagonismo de una fina melodía de clarinete, en donde quedan muy bien plasmados los juegos y experimentos con el sintetizador.
Al escuchar estos dos primeros álbums de Astro Can Caravan, ya no debe quedarnos duda que estos finlandeses tienen demasiado talento y un futuro brillante asegurado en el mundo del jazz y la vanguardia.

Track List
1. Tungar Tudu (6:21)
2. Mad Oracle (2:56)
3. De Revolutionibus Orbium Coelestium (6:17)
4. Beef Jeans (4:27)
5. Dark Bravos (4:16)
6. Moon Boots (1:40)
7. Tapernaakkeli (4:23)
8. The Scale of Anubis (5:11)
9. Meteor Shower Geel (4:17)
10. Kohoutek (9:47)

Line-up
- Otto Eskelinen / piano, organ, accordion, synthesizer, bandoneón
- Pharaoh Pirttikangas / synthesizer, guitar
- Joonas Hytti / trumpet, euphonium
- Tuomas Eriksson / trombone
- Joakim Berghall / soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone, baritone saxophone
- Tomi Kosonen / tenor saxophone, baritone saxophone
- Veli-Pekka Parkkinen / clarinet
- Suvi Pappi / bass clarinet, flute
- Arvi Hasu / bass
- Niko Votkin / drums
- Jari-Pekka Hautalampi / drums, percussion
- Torsti Tuovinen / percussion
- Jarkko Pellikka / trumpet
- Samuli Peltoniemi / trumpet
- Artturi Taira / alto saxophone, baritone saxophone
- Tapani Varis / baritone saxophone, bass
- Henna Karhunen / oboe
- Emil Luukkonen / electric piano, synthesizer
- Pentti Dassum / guitar, mandolin
- Jape Karjalainen / percussion, bass
- Teemu Mäenpää / percussion
- Rasmus Pailos / percussion

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Igor Wakhevitch: "Docteur Faust" (1971)

Igor Wakhevitch es un compositor y músico francés cuya carrera despegó en 1970 y va mucho más allá de los límites del rock progresivo, de hecho, el estilo al que pertenece se define como música concreta, pero sobre todo, es un grandísimo exponente de todo el movimiento avant-garde. Esto significa que hace tratamientos electro-acústicos demasiado avanzados y futuristas para su época, donde tampoco está obstaculizado por el uso de elementos comunes en la música como instrumentos, voces, melodías, armonías o ritmos. Igor rompe completamente con esto y hace un parteaguas muy importante dentro y fuera de su país, pero como llega a pasar la mayoría de las veces, este señor es relativamente desconocido por la mayoría y no ha recibido la suficiente atención que merece su obra. Ahora, en términos de rock progresivo, ¿a quienes impacta la música de Igor Wakhevitch? Si bien es cierto que los músicos que voy a mencionar son de su época, lo que también lo es, es que la idea de hacer estas fusiones raras inicialmente fue de Igor. Art Zoyd lo retoma (indirectamente) a partir de álbums como Les Espaces Inquiets, donde empezaron a fusionar electrónica con RIO y su inquietante y escalofriante música de cámara.. Los alemanes de Popol Vuh tampoco se salvan, si bien es cierto que esta banda nunca tuvo un estilo tan definido, si llegaron a hacer esa mezcla de orquestaciones con el vanguardismo electrónico y algunos cantos operáticos. Finalmente, llegando a la modernidad, en Italia los músicos también talentosos de Runaway Totem, hacen uso del sintetizador con fines ambientales que aparentan ser sonidos sinfónicos, además de involucrar voces operáticas, otra mezcla que nos remite a Igor y su espectacular música concreta con rock electrónico altamente experimental.

Ya hablamos de Igor y de su papel en la música y en el rock progresivo, pero sobre Docteur Faust, su segundo álbum de estudio, es lo que apenas intentaré describir. Primero que nada, deben saber que no es música hecha para el oido flojo y común, hay que educarse en las artes de la música elevadamente experimental y rompe-estándares para poder escuchar y valorar como se debe, la obra de este genio. De hecho, la misma portada del disco nos mira y nos advierte que esto es algo difícil de digerir, y que por tanto es preferible irnos con cuidado.
El uso de discursos sampleados, percusiones tribales, riffs de guitarra distorsionados, algo de psicodelia, segmentos orquestales completamente inusuales e insanos, sumados a un fuerte componente oscuro, bizarro y excéntrico en varios momentos; conforman todo un collage sonoro único, impredecible y cambiante a lo largo de todo el álbum. Las partes vocales también van muy orientadas a la experimentación, entre discursos sampleados y voces demoníacas que parecen rezos, se intersectan perfectamente con las atmósferas instrumentales, a veces lúgubres, que se generan.
Cuando escucho este disco me suelo acordar un poco del Phallus Dei de Amon Düül II, ahora imaginen que ese disco lo eleváramos a la centésima potencia de experimentación y locura, y tenemos como resultado a Docteur Faust. Así que si les gusta la música avant-garde muy experimental, este disco es infaltable en su colección.

Track List
1. Aimantation (0:25)
2. Materia Prima (10:12)
3. Eau Ardente (4:24)
4. Tenebres (Walpurgis) (4:52)
5. Matines (3:53)
6. Licornes (2:33)
7. Sang Pourpre (3:55)

Line-up:
Igor Wakhevitch/keyboards, synthesizers

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Aranis: "Aranis" (2005)

Aranis es un septeto de Bélgica que interpreta música clásica contemporánea o música de cámara, con algunos pocos elementos folklóricos. También se les ubica dentro de la vertiente del RIO pero en realidad se trata de un caso bastante particular, ya que de rock propiamente dicho tienen muy poco, y sin embargo es un hecho que se han llegado a presentar en festivales de RIO en algunas locaciones de Europa. Pero no se espanten, muy poco tiene que ver Aranis con grupos de su país como Univers Zero y Present, o a nivel general, tampoco se relacionan mucho con Art Zoyd, Henry Cow ni ninguno de los pilares del género. Más bien, se puede decir que tiene más en común con el álbum Ainsi De Nous del tecladista Jean-Philippe Goude que ya he tenido el gusto de compartirles o con el grupo, también belga, Cro-Magnon.
El compositor es principalmente el bajista Joris Vanvinckenroye pero la ejecución de la música queda a cargo de casi puras mujeres, siendo en su totalidad, un conjunto musical dotado de conocimiento y experiencia en el arte de la música clásica, y la sensibilidad que el estilo requiere. Entonces, la música de Aranis es un estilo del RIO muy refinado con muchos arreglos de música de cámara suave y melódica, con selectos momentos enérgicos que, en gran contraste con otras bandas del género, nunca llega a ser una experiencia molesta (las bandas citadas no son audibles por el público común) ni exige tener un oído entrenado en en el género, sino que es completamente accesible, como si se tratase de cualquier obra de la música clásica tradicional. De esta manera, todo el detalle compositivo e interpretativo está dentro de un contexto de belleza musical pura, a través de temas calmos bastante agradables e inspiradores, mismos que van teniendo como protagonista a los violines. El aspecto vocal es bastante complementario tratándose de la propuesta de la banda, pero los cantos --sólo usados en dos temas-- van muy bien conjugados con el predominante componente instrumental.

Tracks Listing
1. Indrigo (6:02)
2. Jona (4:16)
3. Vuur (6:52)
4. Yosu (5:27)
5. Oyma (6:07)
6. Zilezi (15:13)
7. Questosteron (4:29)
8. Pantra (5:36)
9. Labyrinth (4:02)
10. Wespengraf (4:49)

Line-up
- Jana Arns / flute
- Liesbeth Lambrecht / violin
- Linde de Groof / violin
- Marjolein Cools / accordion
- Axelle Kennes / piano
- Stijn Denys / guitar
- Joris Vanvinckenroye / double bass

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Magma: "Concert 1971, Bruxelles - Théâtre 140" (1996)

El día de hoy no tenía planeado publicar más, sin embargo hay varias buenas razones por las cuales debo traerles este disco en vivo. Una de ellas es que Magma está celebrando, junto con Henry Cow, King Crimson, y varios más, cuarenta años transcurridos desde que se formaran. Pero lo que realmente me mueve a publicar este disco es que, precisamente el día de hoy, 12 de noviembre, pero de hace 38 años, en 1971, fue cuando Magma diera este concierto en Bruselas, Bélgica. Es difícil de creer pero es 100% verídico, son 38 años exactitos desde aquel concierto suyo, puede que ellos ni se acuerden, pero para los más fanáticos es muy significativo por varios motivos. El primero de ellos es que es la primera publicación oficial en su discografía de un concierto tan antiguo, con la alineación del álbum 1001° Centigrades que incluye entre otros músicos, a Klaus Blasquiz, Yochk'O Seffer y Francois Cahen, ¿les suenan los nombres? El vocalista Blasquiz fue uno de los miembros de Magma que perteneció más tiempo con ellos, desde el primer álbum hasta Attahk (1978). Seffer y Cahen son los instrumentistas del proyecto post-magmático ZAO, que ya publiqué hace algún tiempo.
Regresando con el disco, otra razón que hace este concierto muy valioso, es que es la primera vez que interpretaron en vivo la canción Mekanïk Kommandöh, tema que sirvió como base para el desarrollo de la que se considerara su obra cumbre, Mekanïk Destructuïw. Kommandöh.
El único punto bajo de esta reliquia, es que la calidad de audio con que fue grabada no es muy buena, y sin embargo vale muchísimo la pena hacerse de ella por lo que contiene en sí: dos canciones del álbum Kobaïa, los tres temas completos que conforman 1001° Centigrades y la versión preliminar de Mekanïk Kommandöh, en ese orden.
Pero, más allá del valor histórico de esta antigua grabación, se trata de música realmente buena y los padres del zeuhl no nos quedan a deber nada, todos los temas, como siempre, los llevan a ejecución con maestría y fluidez, con el nivel de profesionalismo característico de ellos.
Hay mucho jazz fino, de secciones suaves y otras de mayor intensidad, esto se ve sobre todo en los tracks 3-6, que involucran desarrollos instrumentales largos y complejos que por consiguiente requieren de una habilidad compositiva de alto nivel. Cahen, Seffer y Vander se destacan muy bien en esta parte del concierto.
Los momentos dedicados a la ya entonces entrenada voz de Blasquiz son en las canciones de Kobaïa que abren el concierto, y luego más tarde en "Mekanik Kommandoh".
Entonces, no importa si no somos fans de Magma, pero si les gusta aunque sea un poquito el zeuhl, es vital escuchar y conocer esta pieza histórica de la banda que hizo nacer el estilo musical que ya muchos músicos alrededor del mundo han seguido y han ido moldeando a su gusto a través de las décadas.

Tracks Listing
1. Stoah (5:23)
2. Kobaia (7:24)
3. Aina (6:17)
4. Riah Sahiltaahk (19:09)
5. Iss Lansei Doia (11:20)
6. Ki Iahl O Liahk (9:36)
7. Sowiloi (Soi Soi) (6:58)
8. Mekanik Kommandoh (for the very first time live) (17:19)

Line-up
- Christian Vander / drums, vocals, organ, percussion
- Francis Moze / bass
- Klaus Basquiz / vocals, percussion
- Teddy Lasry / clarinet, sax, flute, vocals
- Jeff Seffer / sax, bass clarinet
- Louis Toesca / trumpet
- Francois Cahen / acoustic & electric piano

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Henry Cow: "The Road: Volumes 1-5 (40th Anniversary Box Set)" (2009)

Henry Cow celebra los cuarenta años desde su formación con dos cajas de 5 discos cada una, que incluyen material grabado en vivo de buena calidad de audio, y ayudan a entender principalmente dos aspectos: la habilidad improvisatoria e interpretativa de la banda a mayor escala y la evolución desde antes de que grabaran Legend (álbum debút) en 1971, hasta sus etapas finales en 1978.
La primera caja abarca conciertos desde el año 1971 hasta 1976, y difiere mucho un volumen del otro por ciertos cambios en la alineación (la salida de John Greaves y la entrada de Lindsay Cooper, por ejemplo), además de que no se trata de las mismas locaciones ni las mismas tendencias musicales. El Volumen 1: Beginings contiene algunos ensayos previos a Legend, con temas aún no terminados como "Tennbeat" y "Amygdala". Este primer disco del boxset tiene cierta influencia canterburyana de Soft Machine y nos muestra el interés de Fred Frith por escribir letras de canciones y además cantarlas, se trata de canciones que ya no incluyeron en sus álbums de estudio como "Rapt in a Blanket".
El Volumen 2: Early, son tomas de conciertos de origen aún desconocido, de los años 1974 y 1975. Aquí ya contaban con la presencia de Lindsay Cooper, una intérprete de oboe y fagot con un buen entrenamiento en música clásica. Lindsay le dió un buen giro a la música de Henry Cow al acercarlos más a la vanguardia contemporánea que al jazz. El voumen 2 refleja bastante bien esto e incluye algunos temas del álbum Unrest, pero con ciertas variaciones interesantes.
El Volumen 3: Hamburg, como su nombre sugiere, es un concierto en Hamburg, Alemania, del año 1976, pero además trae dos canciones extra tomadas en 1975 en las ciudades de Paris y Roma, con la colaboración de nada menos que Robert Wyatt. En estos años Henry Cow contaba con la cantante Dagmar Krausse, la cual nuevamente ayudó a reinventarlos y a incluir canciones como tal en su repertorio, además de los complejos desarrollos instrumentales que ya venían haciendo.
Finalmente, los Volúmenes 4 y 5 consisten en un concierto en Trondheim, Noruega, del año 1976. En este tour Greaves ya estaba fuera de la agrupación y Krausse estaba enferma, por lo que la banda tuvo que seguir como un cuarteto conformado por Fred Frith, Chris Cutler, Lindsay Cooper y Tim Hodgkingson. Este par de volúmenes son la más grande rareza de la primer caja, al tratarse de puras improvisaciones ejecutadas en la oscuridad (apenas se alumbraba con velas); de extrañas sonoridades y alto nivel de experimentación.
Hasta aquí llegamos con la primera caja de volúmenes por la conmemoración de los 40 años desde la formación de Henry Cow, espero que la disfruten y le encuentren los detalles musicales interesantes que tanto nos ofrece.

Volume 1: Beginnings

Track List
1. Pre-Teenbeat I (1:44)
2. Pre-Teenbeat II (1:28)
3. Rapt in a Blanket (5:06)
4. Came to See You (6:43)
5. Amygdala [pre-Legend demo] (3:35)
6. Teenbeat (10:19)
7. Citizen King (5:21)
8. Nirvana for Moles (4:09)

With the Yellow half Moon and Blue Star

9. Introduction (0:46)
10. Invocation (2:08)
11. Demi-lune jaune (2:10)
12. Three Little Steps (2:13)
13. Red Riff (1:50)
14. Chorale flautando (1:51)
15. Cycling over the cliff (4:08)
16. First Light (0:51)

Guider tells of Silent Airborne Machine

17. Olwyn Grainger (2:24)
18. Betty McGowan (6:12)
19. Lottie Hare (1:24)

Line-up
- Chris Cutler / drums, piano (start of 18)
- Fred Frith / guitar, violin, voice (3, 4)
- John Greaves / bass, piano (end of 18, 19), voice (7, 18)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax, melodica, clarinet, voice (7)
- Geoff Leigh / tenor sax, flute, voice (7, 9, 16 - not on tracks 3 & 4)

Volume 2: 1974-5

Track List
1. Introduction (1:52)
2. Ruins I (6:35)
3. Half Asleep, Half Awake (4:11)
4. Ruins II (0:59)
5. Heron Shower Over Hamburg (2:29)
6. Nix (0.06)
7. Halsteren 1 (1:08)
8. Solo 1 (1:08)
9. Solo Extension 1 (2:21)
10. Halsteren 2 (1:24)
11. Extension 1 (0:17)
12. Halsteren 3 (0:52)
13. First Suspension (4:28)
14. Extension 2 (2:58)
15. Extension 3 (1:19)
16. Solo 2 (1:20)
17. Solo Extension 2 (2:32)
18. Halsteren 4 (0:17)
19. Second Suspension (2:34)
20. Extension 4 (1:58)
21. Solo 3 (0:49)
22. Solo Extension 3 (3:17)
23. Hasteren 5 (1:21)
24-32 Living in the Heart of the Beast (13:46)

Lineup
Tracks 1-5:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, piano (1)
- John Greaves / bass, piano (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax

Tracks 7-23:
- Chris Cutler / drums, glass bowls, clatter
- Fred Frith / electric guitar, acoustic guitar, prism
- John Greaves / bass, clothes pegs
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, also sax

Tracks 24-32:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, xylophone
- John Greaves / bass
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Guest:
Robert Wyatt / voice (28, 32)

Volume 3: Hamburg

Track List
1. Fair as the Moon (6:01)
2. Nirvana for Rabbits (4:48)
3. Ottawa Song (3:41)
4. Twilight bridge (2:04)
5. Gloria Gloom (2:17)
6. Hamburg 1 (4:15)
7. Hamburg 2 (3:27)
8. Red Noise10 (3:16)
9. Hamburg 3 (5:30)
10. Hamburg 4 (2:40)
11. Hamburg 5 (5:25)
12. Terrible as an army with Banners (3:34)
13. A Heart (9:03)
14. Little Red Riding Hood Hit the Road (5:12)
15. We Did It Again (6:31)

Line-up
- Chris Cutler / drums
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano (8, 9, 10, 11)
- Fred Frith / guitar, piano (1, 4, 12, 13)
- John Greaves / bass, voice (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Volume 4 & 5: Trondheim

Track List
CD 1
1-10. Trondheim I (48:25)

CD 2
1-6. Trondheim II (31:54)
7. The March (6:25)

Line-up
CD 1
- Lindsay Cooper / recorder, oboe, bassoon, flute, piano (7, 8, 9), tapes, voice
- Chris Cutler / drums, flotsam, telephone mouthpieces, amplification, voice
- Fred Frith / guitar, violin, 6-string bass, xylophone, tubular bells, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, voice, tapes

CD 2
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, jaw harp, voice, tapes
- Chris Cutler / drums, jetsam, telephone mouthpieces, amplification, piano
- Fred Frith / guitar, 6-string bass, xylophone, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, alto sax, mbira, voice, tapes

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