Chick Corea: "Now He Sings, Now He Sobs" (1968)

Previo a Return To Forever y a otros proyectos de Chick Corea, existió una faceta muy interesante y sobresaliente de este célebre pianista y tecladista, y el disco que se publica a continuación es nada menos que una de sus más grandes obras. Acompañado por otro músico de cierto renombre en el Jazz, el bajista Miroslav Vitous y del baterista Roy Haynes, Corea logra crear un disco bastante inspirador y amigable, que juega con virtuosismos, veloces ejecuciones, pero que tampoco abandona composiciones más calmas y emotivas. A lo largo de este clásico, nos encontraremos con excelentes temas, la mayoría de autoría de Corea, aunque también abarca una versión de "Pannonica" de Thelonious Monk, e incluso, el famoso "My One And Only Love", un bello tema que desde tiempos inmemorables, han grabado un sinnúmero de músicos del mundo del jazz. Podemos hablar de este disco como una especie de hard-bop avanzado, pero con la mentalidad abierta del free jazz, que incluso puede dar lugar a majestuosos solos de parte de cada miembro del trío.
En conclusión, Now He Sings, Now He Sobs tiene que formar parte de toda colección de jazz, y es una de las obras más esenciales del músico Chick Corea.

Track List
1. Matrix
2. My One And Only Love
3. Now He Beats The Drum - Now He Stops
4. Bossa
5. Now He Sings, Now He Sobs
6. Steps - What Was
7. Fragments
8. Windows
9. Pannonica
10. Samba Yantra
11. I Don't Know
12. The Law Of Falling And Catching Up
13. Gemini

Line-up
Chick Corea, piano
Miroslav Vitous, bass
Roy Haynes, drums

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Blue Efffect & Jazz Q Praha: "Conjunctio" (1970)

Blue Effect (más tarde Modrý Efekt) se hizo acompañar de otra argupación de la República Checa, Jazz Q Praha, para lograr cohesionar de manera equilibrada, inteligente y adelantada a su época, una especie de jazz muy insano y desenfrenado, con enérgicos guitarreos y ritmos rockeros, y algunos momentos más calmos, dedicados a la experimentación con la música contemporánea o de cámara. El resultado es uno de los primeros registros sobre el cual se puede hablar de RIO, y nos confirma que dicha vertiente es tan antigua como otros estilos progresivos.
Entonces, a partir de una gran instrumentación, veloces y disonantes ejecuciones, armonías organizadas, ritmos variables que aceleran y desaceleran, composiciones muy complejas, desarrollos instrumentales libres pero muy cuidadosos y ciertas muestras de virtuosismo, Conjuctio se colocó como una de las bases más fuertes de lo que fuera todo el RIO y el Avant Progressive. Definitivamente, no es un álbum de fácil escucha para quienes no se han adentrado lo suficiente en el rock contracultural, pero para quienes esten muy inmersos, quedarán encantados de conocer a los dos verdaderos pioneros del género, provenientes de un país con tan buenos músicos, la República Checa.
Desafortunadamente, ni Blue Effect ni Jazz Q han sido lo suficientemente conocidos (ya no hablemos de reconocimientos) como para ser citados como progenitores del RIO, y peor aún: Conjuctio no está entre los discos favoritos de ninguna de las dos bandas (por los fans, para mí es su punto más alto). Pero para efectos de la investigación de este blog, ya saben que pueden citar tanto a Blue Effect y Jazz Q, como a Lard Free, como algunos de los verdaderos iniciadores del rock contracultural y vanguardista.

Tracks List
1. Coniunctio I (19:15)
2. Návstěva u tety Markéty, vypití šálku čaje / A visit to aunty Margaret for a cup of tea (6:00)
3. Asi půjdem se psem ven / Perhaps we'll probably take the dog out (7:15)
4. Coniunctio II (7:15)

Line-up
Blue Effect
- Vlado Čech / drums
- Radim Hladík / guitar, file, siren
- Jiří Kozel / bass, bells

Jazz Q Praha
- Martin Kratochvil / piano, organ, trumpet-bassoon
- Jiří Pellant / bass
- Jiří Stivín / flute, piccolo, alto saxophone, chain, siren, pristofon, wood blocks, Hawaiian guitar
- Milan Vitoch / drums, harness bells

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Horizont: "The Portrait Of A Boy" (1989)

La carrera musical de la argupación rusa de Horizont tiene fin con su segundo álbum: The Portrait Of A Boy, un álbum quizás contrastante con su disco debút. Generalmente se le trata como un disco más complejo que el primero, y más cercano al RIO que al rock sinfónico. Personalmente, no comparto del todo la misma visión sobre el disco, pero lo que es un hecho, es que es un trabajo que bombardea en todo momento, con composiciones y detalles musicales vanguardistas, muy diferentes a aquello que se veía en los 70's, y con una originalidad mucho mayor que en su primer trabajo. Si el primer disco era plenamente rock sinfónico con elementos de la vanguardia progresiva, aquí puede hablarse justo de lo opuesto, un Avant-Progressive con elementos sinfónicos.
Aún con el gran soporte del teclado, la música podrá tener un seguimiento mucho más impredecible y con cambios más intensos, ejemplo de esto será el primer tema, una suite en tres movimientos, que es el mero reflejo de un excelente y pulido trabajo armónico y compositivo.
La suite es un recorrido alucinante muy cercano al RIO y cierto aire folklórico en determinadas partes, pero con una estructura que no llega a volverse inquietante, además de un uso, aún vanguardista, de teclados aportando extrañas sonoridades electrónicas.
Afortunadamente, para quienes no aguantan la ola musical de la vanguardia progresiva, el disco tendrá momentos mucho más amables, sinfónicos y melódicos, como el excelente instrumental Prelude Fis Moll, ahora con un teclado emulando el sonido de piano, dentro de un ambiente calmo y ligeramente melancólico.
En conclusión, estamos ante una brillante obra llena de variedades y atinadas experimentaciones, pero manteniendo o elevando la calidad de la joya que fue su disco debút.

Tracks List
1. The Portrait Of A Boy, Suite In 3 Movements (19:50)
2. Prelude Fis Moll (4:06)
3. Guy's Solo (The Fragment Of The Ballet "Fahrenheit 451") (3:36)
4. The Final Of The Ballet "Fahrenheit 451" (8:21)
5. Vocalise (3:49)

Line-up
- Sergey Kornilov / keyboards
- Vladimir Lutoshkin / guitar, flute
- Andrey Krivilev / vocal, keyboards
- Igor Pokrovsky / vocal, guitar
- Alexey Eremenko / bass guitar
- A Pavlenko / drums

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Les Projectionnistes: "Copie Zéro" (1999)

De Canadá es Les Projectionnistes, grupo contemporánero que interpreta una música diversa, mezclando estilos como el jazz, jazz-rock, brass band, cierta improvisación y empleo de algunos motivos vanguardistas. El líder es Claude St-Jean, compositor, trombonista y director de la brass band L'Orkestre des Pas Perdus y ha hecho colaboraciones con otros músicos y agrupaciones como Miriodor.
A la fecha han publicado dos álbums de estudio, siendo Copie Zéro el primero de ellos. La propuesta logra establecer un nexo del estándar del jazz de antaño, con un rock muy enérgico, de trabajo rítmico constante, y para el final guarda, una especie de improvisación altamente experimental y duradera, con el soporte de otros instrumentos como flauta y armónica.
A lo largo de Copie Zéro, serán disfrutables las secciones veloces de batería y saxofón, las fusiones de instrumentos de viento para generar melodías intensas, el acompañamiento de un fuerte bajo eléctrico, las distorsiones y solos de guitarra, un solo de saxo y algún pasaje dedicado al exclusivo uso de bajo acústico. Se puede decir que es magnífico el resultado de este disco tan bien instrumentado, y es inteligente la manera en que le dan a cada componente su lugar, y sin dejar de lado a ningún instrumento. Es recomenble que lo escuchen quienes se interesen en escuchar una fórmula original de Jazz, que presenta diversas variaciones y elementos que le dan su carácter único.

Track List
1. Hiboux (5:10)
2. Laic Laiton(5:49)
3. Jeu De Bloc (6:48)
4. Circulez! (4:06)
5. Pour Toi Ma Cherie. (4:55)
6. Cacao Chaos (5:15)
7. 7e Balcon (4:24)
8. Vacances (6:16)
9. Les Petits Matins (5:57)
10. Nuit Blanche (5:30)
11. Ballet Mecanique (11:31)

Line-up
- Claude St-Jean / trombone
- Pierre Labbé / tenor saxophone
- Roberto Murray / alto saxophone
- Rémi Leclerc / drums
- Bernard Falaise / electric guitar
- Tommy Babin / bass

Guest musician:
- Nicolas Masino / bass (11)

Cos: "Postaeolian Train Robbery" (1974)

Cos fue una banda originaria de Bélgica, y son considerados como la respuesta belga de ZAO (Francia), aunque en su música también encontramos semejanzas con Hatfield And The North, National Health, y en menor medida, Magma. Ésta banda también desvanece y desmiente el supuesto de que el rock progresivo de escena canterbury es exclusivamente inglés, pues su estilo está muy apegado al género, aunque de forma más Avant-Garde y mucho menos psicodélica. Cada disco de Cos es una aventura musical diferente, aunque tienen ciertas tendencias notables a un jazz muy elegante, un rock suave y muy calmo, y mucho espacio para experimentación, a través de la incorporación de detalles muy modernos y vanguardistas para su época, como ciertos trances electrónicos, algunos ritmos muy atípicos y la delicada pero a la vez extraña forma de canto de la vocalista, Pascale Son. Su esposo, y al mismo tiempo, líder de Cos, es el flautista y guitarrista Daniel Schell.
Postaeolian Train Robbery es el debút de estos músicos belgas, y es frecuentemente citado como uno de sus puntos más altos, es un disco de guitarreo suave y melódico, con grandioso papel vocal y un teclado multi-propósitos, que es empleado para ambientación, para manejos electrónicos, o con tonos atribuibles de jazz o blues. La propuesta es original en todo momento, y sumado a su carácter audible, se presenta como una inteligente mezcla estilística, inovadora, completa y bastante refinada. Recomendado no sólo si les gusta la música canterbury, sino para cualquiera que tenga ganas de escuchar uno de los mejores grupos que ha dado Bélgica.

Track List
1. Postaeolian train robbery (4:13)
2. Cocalnut (7:20)
3. Amafam (8:24)
4. Populi (3:30)
5. Halucal (3:50)
6. Coloc (9:47)
CLASSROOM
7. La partie d'Echecs (2:42)
8. Sur deux (4:32)
9. Achille (10:05)
10. L'Admirable Amas Cellulaire Orange (2:13)

Line-up
- Pascale Son / vocals, oboe
- Daniel Schell / guitar, flute, sound effects
- Charles Loos / keyboards (1-7)
- Alain Goutier / bass (1-6)
- Robert Dartsch / drums (1-6)
- Steve Leduc / percussion (1-6)
- Adrian Stoop / introduction on "Postaeolian Train Robbery"
- Jean-Paul Musette / bass (7-10)
- Jean-Luc Van Lommel / drums (7)
- Jean-Pierre Destree / vibes (8-10)
- Roberto Pernet / drums (8-10)

Lard Free **Discografía**

Lard Free

Gilbert Artman es un multi-instrumentista y compositor, líder de la agrupación francesa Lard Free. Tanto Lard Free como Heldon, apoyaron la teoría del desarrollo del krautrock fuera de Alemania, con algunos elementos musicales comunes con bandas de aquel país. De esta manera, Lard Free fue una banda con similitudes tanto con Heldon, como con el sonido de grupos alemanes como Tangerine Dream, Neu! o Guru Guru. Por otro lado, las primeras grabaciones de Lard Free, que datan de los años 1971 y 1972, recopiladas en el álbum Unnamed, hablan de una propuesta musical radicalmente distinta. Dichas grabaciones pueden considerarse como un espécimen preliminar a las primeras formas de RIO, creadas a partir de insanas improvisaciones, ritmos identificables con el Jazz, y las disonancias clave del género.
Así es, Lard Free pueden ser considerados como un progenitor muy underground del RIO y el Avant Progressive, y a la vez, ser citados como uno de los experimentos más interesantes y raros del krautrock.
En realidad, es Unnamed la contraparte, o la complementación de sus tres discos de estudio, enfocado en composiciones vanguardistas para su época, muy enérgico, con ritmos jazzísticos marcados, y fuertemente apoyado en saxofón, batería y vibráfono. Si dicha instrumentación y composición no bastaran para hablar de un grupo original y adelantado a su época, el agregado casual pero muy atinado del clarinete da a entender que Lard Free llegó para inovar. En mi opinón personal, este disco también puede entenderse como uno de los primeros en establecer la conexión de Free Jazz con instrumenación eléctrica, pero el hecho es que tiene poco que ver con lo que se escucha en sus álbums de estudio propiamente dichos.

El álbum debút lleva el mismo nombre de la banda, y de alguna manera ayuda a entender el vínculo de Unnamed con sus álbums sucesores. Se trata de un trabajo más accesible y por momentos ambiental, y va más dedicado a la experimentación electrónica, con algunos beats extraños. Sin embargo, no se deja de lado por completo el trabajo del saxofón (aunque es mucho más complementario) y pone mayor énfasis en guitarra eléctrica, con algunas distorsiones, y solos virtuosos. La faceta más ecléctica de Lard Free se da en este debút, y haciendo uso tanto de secciones electrónicas como de otras más rockeras con suaves fondos de bajo, logra transmitir la mayoría de las veces, cierta tranquilidad, sin dejar de lado cierta experimentación.

En I'm Around About Midnight acompaña en el sintetizador y en la guitarra la mente maestra detrás de Heldon, Richard Pinhas. La presencia de este músico en un disco de Lard Free se hace evidente, usando su guitarra de tonalidades influenciadas por Robert Fripp, y su marcado gusto por el uso de la técnica de sintetizador percusivo. En realidad, Pinhas toma mucho protagonismo en este álbum, aunque no en términos de composición, sino en la puesta en ejecución. La atmósfera creada sigue siendo pacífica, como en el álbum debút, aunque todavía más enfocada en soundscapes, manejo de capas sonoras y otros tratamientos de origen electrónico. El saxofón, apenas usado en este disco, ya es claramente secundario, y el componente rítmico se debilita, dando mayor peso a la fase electrónica. Cerca del final del disco, se escucha un fantástico y agradable solo de piano de parte de Artman.

El último álbum, Spirale Malax, es un trabajo conceptual que conserva la esencia de los dos anteriores, aunque abandona la influencia de Heldon y se convierte en algo mucho más cercano a la música ambient de Brian Eno. En este disco el sintetizador ya es el instrumento de preferencia, y todos los demás ya quedan en segundo plano, aunque las percusiones si cobran un poco más de vitalidad, y proporcionan ritmos constantes. Y por otro lado, el clarinete y el piano agregan con elegancia, ese toque Avant-Garde que se encontraba en sus primeras grabaciones.
La experiencia al escuchar Spirale Malax también es algo relajante, aunque también se puede hablar de algunos trances de hipnósis, debido a algunas sonoridades electrónicas recurrentes.

Lard Free (1973)


I'm Around About Midnight (1975)


Spirale Malax (1977)


Unnamed (1998)

-->Notas<--

1. Créditos: Kobaïan, Progarchives.
2. La información de cada disco está en el hyperlink de su título.
3. Todos los archivos están alojados en mediafire.
4. Los links de cada disco estan en los comentarios.

Modrý Efekt & Jazzový orchestr Čs. rozhlasu: "Nová Syntéza 2" (1974)

La segunda parte de Nová Syntéza no sólo tiene una portada mucho más artística y colorida, sino que captura momentos de mucha más energía, con un enfoque más cercano al rock progresivo sinfónico que al Jazz de Big Band, y un papel bastante más secundario de la orquesta. Se añaden cantos en idioma propio, bastante destacables, y con un timbre original que no es similar a ningún otro vocalista. Las composiciones y arreglos quedan más pulidos, y notablemente más compleja la ejecución de los mismos, donde también se presta más atención a las texturas y a la armonía, además de alguna leve dósis de improvisación, un buen sólo de órgano y complementaria esencia canterburyana durante el primer tema. El guitarreo sigue siendo bastante profesional, y se descubren algunos magníficos solos, en ocasiones con reminiscencia de la faceta jazzística de Carlos Santana.
La exploración del rock sinfónico propiamente dicho de Modrý Efekt, comienza con este álbum, y posteriormente lo consolidaron, aunque sin dejar de lado completamente los tintes jazzísticos. De hecho, el estilo que manejan aquí ya es comparable con lo que hacían Yes o Genesis en aquella época.
Queda al menos otro disco escencial de la discografía de estos músicos checos, y es el segundo, Coniunctio, al lado de la agrupación Jazz Q, del cual estaremos hablando pronto.

Track List
1. Nová syntéza 2 (22:05)
2. Je třeba obout boty a pak dlouho jít / One must first put on shoes and then walk for quite a while (9:57)
3. Klístě / The tick (3:25)
4. Jedenáctého října / October 11 (7:29)

Bonus tracks on 1996 CD re-issue:
5. El Dorado (1973 Supraphon) (3:41)
6. Dívko z kamene (1973 Supraphon) (2:33)
Line-up
- Laco Deczi / trumpet
- Radim Hladík / electric guitar
- Petr Král / tenor saxophone
- Josef Kůstka / electric violin, vocals (2-4)
- Karel Růžička / organ
- Lešek Semelka / vocals (all)
- The Pavel Kühn Choir / chorus (1)
- The Czechoslovak Radio Jazz Orchestra, directed by Kamil Hála (1)

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Modrý Efekt & Jazzový orchestr Čs. rozhlasu: "Nová Syntéza" (1971)

Lideriados por el excepcional guitarrista Radim Hladík, Modrý Efekt fue una de las mejores y más respetadas bandas del Jazz Fusion y del rock progresivo de Checoslovaquia (cuando existía Checoslovaquia). Su nombre original fue Blue Effect, pero vivieron un contexto histórico en que su gobierno les impidó usar nombres en inglés, y a partir del álbum Nová Syntéza (nueva síntesis), se vieron obligados a llamarse Modrý Efekt. La nueva síntesis puede entenderse como la primera, o al menos, una de las primeras interfases creadas en la historia, de rock combinado con el soporte de toda una orquesta jazzística (la orquesta de Checoslovaquia). El resultado no pudo ser más novedoso en su época, pero tampoco podría estar más subvalorado, pues son sólo las personas especializadas en temas de música, quienes ven en Nová Syntéza un álbum por completo revolucionario, que mezcla dos tradiciones y culturas distintas, que hoy en día son más bien complementarias. La música se presenta mayormente enérgica, con potentes riffs y solos de parte de Hladík, que además ofrecen cierta diversidad y nunca caen en lo repetitivo, y la aportación de la orquesta se identifica mucho con el típico sonido del Big Band de antaño, sin improvisaciones, y con preferencia por marcadas melodías. El dinamismo es uno de los puntos fuertes del disco, y la presencia de los cambios rítmicos y de tiempos habla de un trabajo altamente pulido en la labor compositiva. Las armonías siempre se presentan muy bien cuidadas, y son excelsas esas fusiones de saxos, trompetas y posiblemente, también trombones, en conjunción con enérgicas guitarras en fin.. todo con la intención de presentar una fórmula nunca antes vista en el mundo de la música.
Nová Syntéza tiene una segunda parte, una continuación de alto calibre que también vale la pena tener, bueno, la realidad es que todo lo que hizo Modry Efetkt es muy destacable, y su propuesta siempre estuvo en constante renovación y actualización. Este motivo me obliga a compartir al menos otros 2 ó 3 discos más en este blog, para el disfrute del lector con oído ambicioso.

Tracks List
1. Má hra (9:00)
2. Směr Jihovýchod (5:50)
3. Popínavý břečťan (5:55)
4. Blues Modrého efektu (8:00)
5. Nová syntéza (14:25)

Bonus tracks on 1997 CD re-issue:
6. Kingdom of life (4:00)
7. You'll stay with me (4:23)
8. Brothers song (2:20)

Line-up
- Radim Hladík / guitars
- Jiří Kozel / bass
- Vlado Čech / drums
- Vladimír Mišík / vocals
- Milos Svoboda / guitars
+ Czechoslovakian Jazz Orchestra

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Decibel **Discografía**

Antes de despegar con la discografía de Decibel, quiero disculparme por el largo período de tiempo que dejé inactivo el blog, de hecho, esta será apenas la primer entrada del 2010. Afortunadamente, la espera valdrá la pena para los oídos que buscan de música compleja, diversa, completamente vanguardista y diferente a lo que apareció en su contexto histórico. En el mundo de la música, existe más de una banda llamada Decibel, pero para efectos de este blog, sólo nos interesa aquella que apareció como todo un fenómeno, una revelación importante en México en los setentas tardíos. La alineación original consistió en un trío: el tecladista Carlos Robledo, el bajista Walter Schmidt, y el percusionista Moises Romero, más tarde reemplazado por Jaime Casteñeda. Para el primer álbum, El Poeta del Ruído, la formación se expande a sexteto, con la colaboración del tecladista Carlos Alvarado, el violinista Alejandro Sanchez (más tarde trabajó con Nazca) y el saxofonista Javier Becerra.

El Poeta Del Ruido es posiblemente el disco cumbre de todo lo que abarca el rock vanguardista de México, o mejor dicho, la base principal del Avant-Progresive y RIO mexicano. Dicho álbum abarca originalmente ocho temas, pero posteriormente se reeditó con algunos bonus-tracks, formando parte del compilado Fiat Lux, que abarca los únicos tres álbums oficiales lanzados de Decibel. Esta primer obra seguramente tomó su inspiración en la música concreta de Igor Wakhevitch, pero abarcando también algo del rock de cámara de Art Zoyd y Henry Cow. Esto significa que hay una inteligente mezcla electro-acústica, de hecho, éste disco da un fuerte golpe sobre la mesa al adelantarse al tipo de estilos en que posteriormente Art Zoyd y Univers Zero se verían inmersos, en aquellas fórmulas inteligentes del binomio Chamber Rock/Electronic, aunque cada uno a su gusto.
La experimentación es máxima, sin ningún límite musical, pues se descubren tanto secciones electrónicas indefinidas, algunos trances más ambientales, o algunos arreglos muy vanguardistas de música de cámara. El resultado es definitivamente una música por momentos inquietante, escalofriante y fría, que nunca cae en convencionalismos, sino que tiene un elevado toque personal y original. Al igual que los músicos y bandas de los cuales Decibel toma sus influencias, las composiciones y la puesta en ejecución tienen cierto nivel de complejidad, y nunca se presentan como accesibles, sino que requieren de tener un oído entrenado para poder disfrutarse y entenderse. De manera que algunos de los mejores calificativos para El Poeta Del Ruido son: atípico, impredecible, ecléctico, original, bien instrumentado, libre, enérgico, calmo, oscuro y por momentos, también espacial/ambiental.

Fortuna Virilis fue lanzado 20 años después de su excelente debút, y abarca 10 temas de estudio, más 4 bonus tracks grabados en otros años, incluidos en la edición del compilado Fiat Lux.
Éste disco fue menos enfocado en tratamientos electrónicos, sampleos o efectos de sonido, sino que rompe barreras y parámetros a su manera: hay algunas interesantes muestras de free jazz con improvisación, algún trance reiterativo de música étnica y no menos importante: aquellos elementos de música concreta, que hacen única la experiencia al escuchar éste disco. Fortuna Virilis es en general menos enérgico y también deja ver un mayor interés en secciones ambientales, apoyadas sobre un soporte electrónico complmentario.

In Concert, como indica su nombre, consiste en un compilado que comprende dos registros en vivo distintos, los tracks 1-6 son tomados del concierto que dieron en el Museo X-Teresa de la Ciudad de México, en el año 2000. Los tracks restantes son bonus que aparecieron hasta el compilado Fiat Lux, y recojen temas inéditos aislados, grabados en distintas locaciones y años, a finales de los años setentas. De manera que esta publicación permite establecer de mejor manera, las diferencias y similitudes del Decibel Setentero, con su aparición a fines de los noventas.
El material que se presenta en la primera parte de In Concert prefiere realzar el aspecto sinfónico-vanguardista, con tendencias diferentes a lo que se escucha en Fortuna Virilis.
Esta parte del registro en vivo revela una faceta de música más limpia, por decirlo de alguna manera, sin esas intromisiones extrañas de la música concreta o el uso predominante de manejos electrónicos, por lo que el resultado se identifica más con una mezcla entre RIO y música de cámara, a diferencia de sus dos álbums de estudio que abarcan mucho más, pero que son bastante menos accesibles. Por otro lado, las experimentaciones no se dejan de lado, sino que permanecen vivas, y esto es sobre todo en el cierre del concierto, con el tema "Suite Safari", que conecta de manera compleja la utilización de esa interfaz electro-acústica, característica de su álbum debút, sumándose a cierta dósis de improvisación de su álbum Fortuna Virilis.
La segunda parte de In Concert no tiene una calidad de audio muy aceptable, lo cual marca cierto contraste con la primera parte del álbum, y sin embargo, valdrá la pena escucharla, para tener una idea de como pudiese ser un concierto del Decibel de los setentas.

Esperando que sea del agrado del oído más exigente y menos conformista, los dejo con esta corta pero excepcional discografía, que si bien no es escencial, si es al menos una propuesta 100% experimental y original, y de lo mejor que se ha hecho desde mi país, México.

El Poeta Del Ruido (1978)


Fortuna Virilis (1998)


In Concert (2000)

-->>Notas<<---

1. Créditos: Kobaïan, Progarchives.
2. La información de cada disco está en el hyperlink de su título.
3. Fortuna Virilis y In Concert, se encuentran también disponibles en FLAC.
4. Los links para todos los discos estan en el archivo txt, adjuntado en los comentarios.
5. Todos los archivos están alojados en mediafire.