Guru Guru: "UFO" (1970)

UFO es el debút de los alemanes Guru Guru, intérpretes de un krautrock con sello distintivo, que a veces se enfoca en los riffs fuertemente distorsionados de la guitarra, siendo el instrumento más predominante a lo largo de varios de sus álbums. Es cierto que se puede citar a este disco como uno de los más extravagantes y experimentales del krautrock (para el año en que salió), pero en realidad es muy notable que también tiene acercamientos con el Hard Rock o incluso el Heavy Metal setentero, lo cual se hace posible gracias a un potente guitarreo. Mientras que las ejecuciones en los temas 1-3 van encaminadas al excelso trabajo del guitarrista, son en realidad los dos cortes restantes los que presentan mayor experimentación y rarezas sonoras, que para efectos de la vertiente krautrockera, es lo que lo hace verdaderamente valioso. El tema que da título al álbum es un buen síntoma de que este disco es krautrock, donde hacen uso de extraños efectos y distorsiones, olvidando la composición pero obteniendo mayor libertad, a través de extensos diez minutos de indefinición y sonidos impredecibles que resultan indescriptibles.
El track titulado "Der LSD / Marsch" es un poco más instrumentado, pero se mantiene en esa misma línea de libertad musical, una mezcla de rarezas sónicas al incio, que poco a poco nos adentran en pasajes instrumentales más compositivos de rock enérgico, y que darán paso a un solo de batería, seguido de marcados y bien ejecutados solos de guitarra.
UFO es un disco que seguro agradará tanto a quienes buscan experimentación, como a quienes prefieren guitarreo virtuoso con riffs enfatizafos. Se trata de un gran clásico del krautrock y un imperdible de toda la trayectoria de Guru Guru.

Tracks List
1. Stone In (5:43)
2. Girl Call (6:21)
3. Next Time See You At The Dalai Lhama (5:59)
4. Ufo (10:25)
5. Der LSD / Marsch (8:28)

Line-up
- Mani Neumeier / percussion, drums, voice, tapes
- Uli Trepte / bass, sounds
- Ax Genrich / guitars

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Ohm: "Circus Of Sound" (2008)

Finalmente, el último y bien trabajado disco de Ohm, es Circus Of Sound. Se había mencionado que con este disco, Ohm entraría en un trance metalero, pero nunca es por completo, en realidad es la energía con que interpretan la mayoría de los temas y la ejecucuión de algunos riffs, lo que lo convierte hasta cierto punto, en un disco de la vertiente moderna de fusión/metal. También es cierto que el guitarrista Chris Poland demuestra mejor en este disco que viene de la escuela del Heavy Metal, y que además sabe como establecer inteligentemente ese nexo moderno del metal y el jazz fusion, que han puesto en práctica muchas bandas de la actualidad. Como en discos pasados, el guitarreo es un elemento a favor, siempre virtuoso, siempre cambiante entre riffs potentes y otros más suaves, y con varios solos impresionantemente ejecutados. La batería en Circus Of Sound no queda completamente a cargo de Kofi Baker, sino que hay dos bateristas invitados: Joel Taylor y Frank Briggs, cada uno interpretando temas distintos, lo cual le agrega al disco cierta variedad. Se echa de menos en este disco la participación fuerte del bajo, tan sólo destacable en selectos temas como Mr. Brown (un excelente homenaje a James Brown). Sigue vigente en este álbum los jams e improvisaciones del Amino Acid Flashback, al igual que la complejidad de la estructura que siguen los temas, manteniendo la esencia y el sello característico de Ohm.

Por cierto, con este se completan los primeros 100 discos del blog, gracias por leer y por todas sus sugerencias y comentarios. Esto es sólo el principio....

Track List
1. Fun House (4:11)
2. System Of A Clown (3:26)
3. Photograph (2:38)
4. Circus Of Sound (4:20)
5. Point Omega (3:26)
6. Abracadabra (3:49)
7. The Shortest Straw (3:10)
8. The Black Hand (3:38)
9. You Don’t Know (4:28)
10. Steps From Home (3:13)
11. Mr. Brown (4:34)
12. DD214 (3:42)
13. Leap Of Faith (4:24)
14. Pan’s Plan (3:53)

Line-up
- Chris Poland (Guitarras)
- Robby Pagliari (Bajo)
- Joel Taylor (Batería en tracks 1 a 3)
- Frank Briggs (Batería en tracks 4 a 7)
- Kofi Baker (Batería en tracks 8 a 14)

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John Zorn: "Femina" (2009)

El músico vaguardista John Zorn ha lanzado 5 álbums en estudio este año, y al menos dos de ellos van completamente enfocados a la faceta compositiva y no interpretativa de Zorn. En O'o tuvimos un excelente disco de jazz instrumental, apoyado en vibráfono y órgano, de carácter agradable y melódico. Del mismo tipo se puede decir que es Femina, con la gran diferencia que este disco va encaminado a la música clásica contemporánea. El estilo puede resultar similar a la música de John Cage o Pierre Boulez, pero en realidad se trata de un álbum conceptual que homenajea a algunas mujeres en las artes, por ejemplo: Hildegard von Bingen, Louis Bourgeois, Gertrude Stein, Sylvia Plath, Meredith Monk y Yoko Ono, entre otras. El ensamble acústico que interpreta la obra de Zorn está compuesto sólo por instrumentistas femeninas, de aquí viene el otro hecho que nos explica el título del álbum, además del homenaje.
La música en sí misma, tiene un papel dual, por un lado predominan los momentos de calma a través de excelsos y refinados arreglos orquestales, con bellas melodías tanto de cuerdas como harpa o piano. Por otro lado, existe cierta experimentación sonora que imprime modernidad, con algunos momentos enérgicos que rompen con la paz y la tranquilidad pero permiten la participación de las percusiones o el manejo de electrónicos, esto último quedando a cargo de la talentosa instrumentista japonesa Ikue Mori.
Un álbum de grandísima calidad es de lo que se trata, donde nuevamente John Zorn nos demuestra que sigue sobresaliendo a nivel compositivo, y que sin importar el género o estilo que maneje, es capaz de brindar buena música. A nivel global, lo considero uno de los mejores y más elaborados lanzamientos de todo el 2009.

Tracklist
1. Femina: Part 1 (11:42)
2. Femina: Part 2 (10:11)
3. Femina: Part 3 (10:15)
4. Femina: Part 4 (3:16)

Line-up
John Zorn Conductor, Producer, Arranger
Carol Emanuel / Harp
Jennifer Choi / Violin
Sylvie Courvoisier / Piano
Shayna Dunkelman / Percussion
Okkyung Lee / Cello
Ikue Mori / Electronics
Laurie Anderson / Narrator

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French TV: "You-Hoo!!! French TV Live" (1997)

Este disco de caricaturesca portada es el único oficial publicado hasta la fecha de un concierto de los estadounidenses French TV, lideriados por el bajista Mike Sary. Un puente perfecto es de lo que se trata este álbum, pues se ubica en el punto más crítico de la discografía de French TV, es decir, antes de este disco había una banda con tendencias de rock sinfónico y jazz-rockeras, pero a partir de su siguiente trabajo explorarían territorios del RIO, el canterbury y el Avant-Garde, dando un giro musical importante. Temas de rock enérgico e improvisatorio son el que da inicio al concierto y "The Tingler", con guitarra y bajo potentes. Luego pasamos a un trance cómico y humorísitico, característico de French TV, en temas como "Clanghonktweet" y su inolvidable e inconfundible melodía de teclado. En contraparte, la faceta sensible y seria de la banda se deja ver en "The Artist's House", un tema bastante calmo y bello con melodías de teclado que emulan el sonido un piano, de carácter casi melancólico. El lado más experimental del álbum lo alcanzan con la excelente versión extendida de "Hey! Real Executives..", un tema que en principio puede aparentar el rock enérgico con virtuoso guitarreo de otros temas, pero que de repente nos toma por sorpresa y se mete en una atmósfera completa de rock espacial, que tiene como protagonistas al sintetizador y la batería, una sección altamente disfrutable que mucho más adelante se regresa a la parte enérgica.
Destacables y finas ejecuciones, no menos importantes son "Friendly Enzymes" y "And The Dead Dog..", donde sólo se echa de menos la instrumentación con que cuentan las versiones de estudio, pero la vibra que transmiten y la emoción con que interpretan son las mismas, la esencia queda también intacta.
En completo, es un conciertazo que demuestra bastante bien que French TV es una banda muy multifacética que incluso puede saltarse de un estilo musical a otro, y por tanto su música está dotada de muchas variedades sonoras y rítmicas.

Track List
1. Happy Armies Fight in Their Sleep (5:45)
2. The Tingler (6:16)
3. Clanghonktweet (6:43)
4. Friendly Enzymes (7:04)
5. The Souls of the Damned Live in Failed Works (9:52)
6. The Family That Oonts Together Groonts Together (7:19)
7. And The Dead Dog Lept Up And Flew Around the Room! (7:45)
8. The Artist's House (6:12)
9. Hey! Real Executives Jump From the Fiftieth Floor! (12:34)

Line-up
- Mike Sary / bass
- John Robinson / keyboards
- Bob Douglas / drums
- Dean Zigoris / guitars, guitars synthesizers

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Ohm: "Amino Acid Flashback" (2005)

Segundo álbum de los estadounidenses intérpretes de Jazz Rock, Ohm. El cambio de baterista le vino bastante bien a esta banda, ahora con Kofi Baker reemplazando a David Eagle. Y esto es porque la participación de Baker, si bien no llega a ser completamente dominante, al menos ya se hace notable un trabajado destacado de la batería, sobre todo en temas como "Icarus Falls" y "Skint". Un guitarreo por momentos experimental y con marcadas tendencias al metal progresivo se empieza a hacer evidente, sin llegar a convertirse en ningún momento en un disco de metal/fusion. El bajo sigue aún las enseñanzas de la técnica de Jaco Pastorious, y aquí se vuelve un elemento mucho más a favor que en el primer disco, por asumir un papel menos secundario que la guitarra. De hecho, es en este disco que el trío se organiza para dar paso a desarrollos instrumentales de mayor improvisación, pero sin poner especial énfasis en ningún instrumento, sino que ahora cada uno tendría su lugar y haría su respectiva y admirable participación virtuosa. Otro giro interesante, es que los temas estarían menos dirigidos a secciones melódicas, y en cambio realzaron su componente improvisatorio con mucha energía y usando bases rítmicas por lo general complejas.

Tracklist
1. DaVinci (2:57)
2. Tara (3:58)
3. William’s Amino Acid Flashback (3:32)
4. What If… (3:47)
5. Joog in da Boot (3:13)
6. Compass of the Heart (4:04)
7. Icarus Falls (3:44)
8. Rooms of Telemetry (4:32)
9. Skint (3:16)
10. Spun (6:44)
11. Tattoo (3:32)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertino Pagliari (Bajo)
- Kofi Baker (Batería)

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Ohm: "Ohm" (2003)

Ohm es una banda estadounidense formada en el 2002 por Chris Poland (guitarrista), Robertino Pagliari (bajista) y David Eagle (baterista), este último sería reemplazado en 2005 por Kofi Baker, hijo de Ginger Baker, baterista del grupo Cream (mítica banda sesentera, en la cual participaba Eric Clapton). Chris Poland es un ex-miembro de la banda de Heavy y Thrash Metal, Megadeth, de aquí viene el hecho de que el último trabajo de Ohm tenga marcadas tendencias al metal. Pero antes de la etapa del Ohm metalero, tuvieron dos primeros discos dedicados a crear un Jazz Rock muy melódico, con ciertos momentos de improvisación, armonía perfecta entre el trío e influencias en el bajo de Jaco Pastorious. Su primer disco es el homónimo que se presenta a contiunación, se trata, principalmente, de un guitarreo espectacular, de hecho, casi todos los temas tienen al guitarrista de protagnista, tocando riffs suaves, solos moderadamente virtuosos y siempre llevados a ejecución con gran emoción. El bajista no se comforma con sólo acompañar y su interpretación en los temas "Iguana" o "Bastille Day" es bastante notable, de hecho es parte sustancial y si demuestra inspiración en la gran técnica del maestro Jaco Pastorious. La batería, al menos yo la percibo más secundaria en este disco, no es floja pero no le hayo momentos donde se destaque al 100% y sobresalga entre los otros dos instrumentos.
Un disco con un sonido fresco, melódico, enérgico y agradable es de lo que se trata el debút de Ohm, recomendado si prefieren la pureza del Jazz Rock que las mezclas modernas de este género con Metal Progresivo, lo cual si existe en el último álbum de esta banda norteamericana.

Tracklist
1. Peanut Buddha (3:34)
2. Where’s My Hat? (3:12)
3. Id (3:31)
4. Love Song (4:27)
5. Came To Believe (3:08)
6. Between Us (3:59)
7. Iguana (3:15)
8. Sister Cheryl (4:36)
9. Brandenberg Gate (5:37)
10. Bastille Day (4:07)
11. Mountain (4:20)
12. Search For The Suicide King (5:49)
13. Ohmage (4:21)

Line-up
- Chris Poland (Guitarra)
- Robertion Pagliari (Bajo)
- David Eagle (Bateria)

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Astro Can Caravan: "21st Century Drifting Episode" (2004)

Hasta aquí llega la naciente discografía de Astro Can Caravan, la orquesta jazzística de origen finlandés cuyo primer disco ya he publicado. 21st Century Drifting Episode es apenas su segundo álbum de estudio y nuevamente presenta más variaciones y novedades compositivas interesantes. Como buenos músicos del Avant-Garde Jazz, no se conforman con los estilos y esquemas típicos del género, sino que se dedican a la exploración continua de sonidos y composiciones que hagan al jazz evolucionar. El primer disco ya incluía un poco de efectos raros de sintetizador, pero aquí ya lo usan con más habilidad, donde generan ciertos trances musicales de una especie de ambient/space rock, beats modernos de electrónica y ésto lo conjugan con maestría con las melodías que interpretan los metales: saxos y trompetas se pueden fundir para funcionar como si fueran uno sólo. Temas principalmente impresionantes son el primero: "Tungar Tudu", en donde de repente entra en juego una improvisación completa de la orquesta pero más tarde y de forma impredecible se regresan al ritmo y melodía principal, esto nos demuestra la perfecta organización de los músicos que involuca tener cierto nivel de perfeccionismo interpretativo. No menos importante es la energía tan extrema con que interpretan "Moon Boots", las percusiones agarran poder y golpean fuertemente y un breve pero bien ejecutado sólo de guitarra nos toma por sorpresa, para más tarde dar paso unos saxos insanos de free-jazz, increíble para ser un tema de poco menos de dos minutos. Otro de mis favoritos es "Meteor Shower Geel", ahora con protagonismo de una fina melodía de clarinete, en donde quedan muy bien plasmados los juegos y experimentos con el sintetizador.
Al escuchar estos dos primeros álbums de Astro Can Caravan, ya no debe quedarnos duda que estos finlandeses tienen demasiado talento y un futuro brillante asegurado en el mundo del jazz y la vanguardia.

Track List
1. Tungar Tudu (6:21)
2. Mad Oracle (2:56)
3. De Revolutionibus Orbium Coelestium (6:17)
4. Beef Jeans (4:27)
5. Dark Bravos (4:16)
6. Moon Boots (1:40)
7. Tapernaakkeli (4:23)
8. The Scale of Anubis (5:11)
9. Meteor Shower Geel (4:17)
10. Kohoutek (9:47)

Line-up
- Otto Eskelinen / piano, organ, accordion, synthesizer, bandoneón
- Pharaoh Pirttikangas / synthesizer, guitar
- Joonas Hytti / trumpet, euphonium
- Tuomas Eriksson / trombone
- Joakim Berghall / soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone, baritone saxophone
- Tomi Kosonen / tenor saxophone, baritone saxophone
- Veli-Pekka Parkkinen / clarinet
- Suvi Pappi / bass clarinet, flute
- Arvi Hasu / bass
- Niko Votkin / drums
- Jari-Pekka Hautalampi / drums, percussion
- Torsti Tuovinen / percussion
- Jarkko Pellikka / trumpet
- Samuli Peltoniemi / trumpet
- Artturi Taira / alto saxophone, baritone saxophone
- Tapani Varis / baritone saxophone, bass
- Henna Karhunen / oboe
- Emil Luukkonen / electric piano, synthesizer
- Pentti Dassum / guitar, mandolin
- Jape Karjalainen / percussion, bass
- Teemu Mäenpää / percussion
- Rasmus Pailos / percussion

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Igor Wakhevitch: "Docteur Faust" (1971)

Igor Wakhevitch es un compositor y músico francés cuya carrera despegó en 1970 y va mucho más allá de los límites del rock progresivo, de hecho, el estilo al que pertenece se define como música concreta, pero sobre todo, es un grandísimo exponente de todo el movimiento avant-garde. Esto significa que hace tratamientos electro-acústicos demasiado avanzados y futuristas para su época, donde tampoco está obstaculizado por el uso de elementos comunes en la música como instrumentos, voces, melodías, armonías o ritmos. Igor rompe completamente con esto y hace un parteaguas muy importante dentro y fuera de su país, pero como llega a pasar la mayoría de las veces, este señor es relativamente desconocido por la mayoría y no ha recibido la suficiente atención que merece su obra. Ahora, en términos de rock progresivo, ¿a quienes impacta la música de Igor Wakhevitch? Si bien es cierto que los músicos que voy a mencionar son de su época, lo que también lo es, es que la idea de hacer estas fusiones raras inicialmente fue de Igor. Art Zoyd lo retoma (indirectamente) a partir de álbums como Les Espaces Inquiets, donde empezaron a fusionar electrónica con RIO y su inquietante y escalofriante música de cámara.. Los alemanes de Popol Vuh tampoco se salvan, si bien es cierto que esta banda nunca tuvo un estilo tan definido, si llegaron a hacer esa mezcla de orquestaciones con el vanguardismo electrónico y algunos cantos operáticos. Finalmente, llegando a la modernidad, en Italia los músicos también talentosos de Runaway Totem, hacen uso del sintetizador con fines ambientales que aparentan ser sonidos sinfónicos, además de involucrar voces operáticas, otra mezcla que nos remite a Igor y su espectacular música concreta con rock electrónico altamente experimental.

Ya hablamos de Igor y de su papel en la música y en el rock progresivo, pero sobre Docteur Faust, su segundo álbum de estudio, es lo que apenas intentaré describir. Primero que nada, deben saber que no es música hecha para el oido flojo y común, hay que educarse en las artes de la música elevadamente experimental y rompe-estándares para poder escuchar y valorar como se debe, la obra de este genio. De hecho, la misma portada del disco nos mira y nos advierte que esto es algo difícil de digerir, y que por tanto es preferible irnos con cuidado.
El uso de discursos sampleados, percusiones tribales, riffs de guitarra distorsionados, algo de psicodelia, segmentos orquestales completamente inusuales e insanos, sumados a un fuerte componente oscuro, bizarro y excéntrico en varios momentos; conforman todo un collage sonoro único, impredecible y cambiante a lo largo de todo el álbum. Las partes vocales también van muy orientadas a la experimentación, entre discursos sampleados y voces demoníacas que parecen rezos, se intersectan perfectamente con las atmósferas instrumentales, a veces lúgubres, que se generan.
Cuando escucho este disco me suelo acordar un poco del Phallus Dei de Amon Düül II, ahora imaginen que ese disco lo eleváramos a la centésima potencia de experimentación y locura, y tenemos como resultado a Docteur Faust. Así que si les gusta la música avant-garde muy experimental, este disco es infaltable en su colección.

Track List
1. Aimantation (0:25)
2. Materia Prima (10:12)
3. Eau Ardente (4:24)
4. Tenebres (Walpurgis) (4:52)
5. Matines (3:53)
6. Licornes (2:33)
7. Sang Pourpre (3:55)

Line-up:
Igor Wakhevitch/keyboards, synthesizers

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Aranis: "Aranis" (2005)

Aranis es un septeto de Bélgica que interpreta música clásica contemporánea o música de cámara, con algunos pocos elementos folklóricos. También se les ubica dentro de la vertiente del RIO pero en realidad se trata de un caso bastante particular, ya que de rock propiamente dicho tienen muy poco, y sin embargo es un hecho que se han llegado a presentar en festivales de RIO en algunas locaciones de Europa. Pero no se espanten, muy poco tiene que ver Aranis con grupos de su país como Univers Zero y Present, o a nivel general, tampoco se relacionan mucho con Art Zoyd, Henry Cow ni ninguno de los pilares del género. Más bien, se puede decir que tiene más en común con el álbum Ainsi De Nous del tecladista Jean-Philippe Goude que ya he tenido el gusto de compartirles o con el grupo, también belga, Cro-Magnon.
El compositor es principalmente el bajista Joris Vanvinckenroye pero la ejecución de la música queda a cargo de casi puras mujeres, siendo en su totalidad, un conjunto musical dotado de conocimiento y experiencia en el arte de la música clásica, y la sensibilidad que el estilo requiere. Entonces, la música de Aranis es un estilo del RIO muy refinado con muchos arreglos de música de cámara suave y melódica, con selectos momentos enérgicos que, en gran contraste con otras bandas del género, nunca llega a ser una experiencia molesta (las bandas citadas no son audibles por el público común) ni exige tener un oído entrenado en en el género, sino que es completamente accesible, como si se tratase de cualquier obra de la música clásica tradicional. De esta manera, todo el detalle compositivo e interpretativo está dentro de un contexto de belleza musical pura, a través de temas calmos bastante agradables e inspiradores, mismos que van teniendo como protagonista a los violines. El aspecto vocal es bastante complementario tratándose de la propuesta de la banda, pero los cantos --sólo usados en dos temas-- van muy bien conjugados con el predominante componente instrumental.

Tracks Listing
1. Indrigo (6:02)
2. Jona (4:16)
3. Vuur (6:52)
4. Yosu (5:27)
5. Oyma (6:07)
6. Zilezi (15:13)
7. Questosteron (4:29)
8. Pantra (5:36)
9. Labyrinth (4:02)
10. Wespengraf (4:49)

Line-up
- Jana Arns / flute
- Liesbeth Lambrecht / violin
- Linde de Groof / violin
- Marjolein Cools / accordion
- Axelle Kennes / piano
- Stijn Denys / guitar
- Joris Vanvinckenroye / double bass

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Magma: "Concert 1971, Bruxelles - Théâtre 140" (1996)

El día de hoy no tenía planeado publicar más, sin embargo hay varias buenas razones por las cuales debo traerles este disco en vivo. Una de ellas es que Magma está celebrando, junto con Henry Cow, King Crimson, y varios más, cuarenta años transcurridos desde que se formaran. Pero lo que realmente me mueve a publicar este disco es que, precisamente el día de hoy, 12 de noviembre, pero de hace 38 años, en 1971, fue cuando Magma diera este concierto en Bruselas, Bélgica. Es difícil de creer pero es 100% verídico, son 38 años exactitos desde aquel concierto suyo, puede que ellos ni se acuerden, pero para los más fanáticos es muy significativo por varios motivos. El primero de ellos es que es la primera publicación oficial en su discografía de un concierto tan antiguo, con la alineación del álbum 1001° Centigrades que incluye entre otros músicos, a Klaus Blasquiz, Yochk'O Seffer y Francois Cahen, ¿les suenan los nombres? El vocalista Blasquiz fue uno de los miembros de Magma que perteneció más tiempo con ellos, desde el primer álbum hasta Attahk (1978). Seffer y Cahen son los instrumentistas del proyecto post-magmático ZAO, que ya publiqué hace algún tiempo.
Regresando con el disco, otra razón que hace este concierto muy valioso, es que es la primera vez que interpretaron en vivo la canción Mekanïk Kommandöh, tema que sirvió como base para el desarrollo de la que se considerara su obra cumbre, Mekanïk Destructuïw. Kommandöh.
El único punto bajo de esta reliquia, es que la calidad de audio con que fue grabada no es muy buena, y sin embargo vale muchísimo la pena hacerse de ella por lo que contiene en sí: dos canciones del álbum Kobaïa, los tres temas completos que conforman 1001° Centigrades y la versión preliminar de Mekanïk Kommandöh, en ese orden.
Pero, más allá del valor histórico de esta antigua grabación, se trata de música realmente buena y los padres del zeuhl no nos quedan a deber nada, todos los temas, como siempre, los llevan a ejecución con maestría y fluidez, con el nivel de profesionalismo característico de ellos.
Hay mucho jazz fino, de secciones suaves y otras de mayor intensidad, esto se ve sobre todo en los tracks 3-6, que involucran desarrollos instrumentales largos y complejos que por consiguiente requieren de una habilidad compositiva de alto nivel. Cahen, Seffer y Vander se destacan muy bien en esta parte del concierto.
Los momentos dedicados a la ya entonces entrenada voz de Blasquiz son en las canciones de Kobaïa que abren el concierto, y luego más tarde en "Mekanik Kommandoh".
Entonces, no importa si no somos fans de Magma, pero si les gusta aunque sea un poquito el zeuhl, es vital escuchar y conocer esta pieza histórica de la banda que hizo nacer el estilo musical que ya muchos músicos alrededor del mundo han seguido y han ido moldeando a su gusto a través de las décadas.

Tracks Listing
1. Stoah (5:23)
2. Kobaia (7:24)
3. Aina (6:17)
4. Riah Sahiltaahk (19:09)
5. Iss Lansei Doia (11:20)
6. Ki Iahl O Liahk (9:36)
7. Sowiloi (Soi Soi) (6:58)
8. Mekanik Kommandoh (for the very first time live) (17:19)

Line-up
- Christian Vander / drums, vocals, organ, percussion
- Francis Moze / bass
- Klaus Basquiz / vocals, percussion
- Teddy Lasry / clarinet, sax, flute, vocals
- Jeff Seffer / sax, bass clarinet
- Louis Toesca / trumpet
- Francois Cahen / acoustic & electric piano

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Henry Cow: "The Road: Volumes 1-5 (40th Anniversary Box Set)" (2009)

Henry Cow celebra los cuarenta años desde su formación con dos cajas de 5 discos cada una, que incluyen material grabado en vivo de buena calidad de audio, y ayudan a entender principalmente dos aspectos: la habilidad improvisatoria e interpretativa de la banda a mayor escala y la evolución desde antes de que grabaran Legend (álbum debút) en 1971, hasta sus etapas finales en 1978.
La primera caja abarca conciertos desde el año 1971 hasta 1976, y difiere mucho un volumen del otro por ciertos cambios en la alineación (la salida de John Greaves y la entrada de Lindsay Cooper, por ejemplo), además de que no se trata de las mismas locaciones ni las mismas tendencias musicales. El Volumen 1: Beginings contiene algunos ensayos previos a Legend, con temas aún no terminados como "Tennbeat" y "Amygdala". Este primer disco del boxset tiene cierta influencia canterburyana de Soft Machine y nos muestra el interés de Fred Frith por escribir letras de canciones y además cantarlas, se trata de canciones que ya no incluyeron en sus álbums de estudio como "Rapt in a Blanket".
El Volumen 2: Early, son tomas de conciertos de origen aún desconocido, de los años 1974 y 1975. Aquí ya contaban con la presencia de Lindsay Cooper, una intérprete de oboe y fagot con un buen entrenamiento en música clásica. Lindsay le dió un buen giro a la música de Henry Cow al acercarlos más a la vanguardia contemporánea que al jazz. El voumen 2 refleja bastante bien esto e incluye algunos temas del álbum Unrest, pero con ciertas variaciones interesantes.
El Volumen 3: Hamburg, como su nombre sugiere, es un concierto en Hamburg, Alemania, del año 1976, pero además trae dos canciones extra tomadas en 1975 en las ciudades de Paris y Roma, con la colaboración de nada menos que Robert Wyatt. En estos años Henry Cow contaba con la cantante Dagmar Krausse, la cual nuevamente ayudó a reinventarlos y a incluir canciones como tal en su repertorio, además de los complejos desarrollos instrumentales que ya venían haciendo.
Finalmente, los Volúmenes 4 y 5 consisten en un concierto en Trondheim, Noruega, del año 1976. En este tour Greaves ya estaba fuera de la agrupación y Krausse estaba enferma, por lo que la banda tuvo que seguir como un cuarteto conformado por Fred Frith, Chris Cutler, Lindsay Cooper y Tim Hodgkingson. Este par de volúmenes son la más grande rareza de la primer caja, al tratarse de puras improvisaciones ejecutadas en la oscuridad (apenas se alumbraba con velas); de extrañas sonoridades y alto nivel de experimentación.
Hasta aquí llegamos con la primera caja de volúmenes por la conmemoración de los 40 años desde la formación de Henry Cow, espero que la disfruten y le encuentren los detalles musicales interesantes que tanto nos ofrece.

Volume 1: Beginnings

Track List
1. Pre-Teenbeat I (1:44)
2. Pre-Teenbeat II (1:28)
3. Rapt in a Blanket (5:06)
4. Came to See You (6:43)
5. Amygdala [pre-Legend demo] (3:35)
6. Teenbeat (10:19)
7. Citizen King (5:21)
8. Nirvana for Moles (4:09)

With the Yellow half Moon and Blue Star

9. Introduction (0:46)
10. Invocation (2:08)
11. Demi-lune jaune (2:10)
12. Three Little Steps (2:13)
13. Red Riff (1:50)
14. Chorale flautando (1:51)
15. Cycling over the cliff (4:08)
16. First Light (0:51)

Guider tells of Silent Airborne Machine

17. Olwyn Grainger (2:24)
18. Betty McGowan (6:12)
19. Lottie Hare (1:24)

Line-up
- Chris Cutler / drums, piano (start of 18)
- Fred Frith / guitar, violin, voice (3, 4)
- John Greaves / bass, piano (end of 18, 19), voice (7, 18)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax, melodica, clarinet, voice (7)
- Geoff Leigh / tenor sax, flute, voice (7, 9, 16 - not on tracks 3 & 4)

Volume 2: 1974-5

Track List
1. Introduction (1:52)
2. Ruins I (6:35)
3. Half Asleep, Half Awake (4:11)
4. Ruins II (0:59)
5. Heron Shower Over Hamburg (2:29)
6. Nix (0.06)
7. Halsteren 1 (1:08)
8. Solo 1 (1:08)
9. Solo Extension 1 (2:21)
10. Halsteren 2 (1:24)
11. Extension 1 (0:17)
12. Halsteren 3 (0:52)
13. First Suspension (4:28)
14. Extension 2 (2:58)
15. Extension 3 (1:19)
16. Solo 2 (1:20)
17. Solo Extension 2 (2:32)
18. Halsteren 4 (0:17)
19. Second Suspension (2:34)
20. Extension 4 (1:58)
21. Solo 3 (0:49)
22. Solo Extension 3 (3:17)
23. Hasteren 5 (1:21)
24-32 Living in the Heart of the Beast (13:46)

Lineup
Tracks 1-5:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, piano (1)
- John Greaves / bass, piano (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax

Tracks 7-23:
- Chris Cutler / drums, glass bowls, clatter
- Fred Frith / electric guitar, acoustic guitar, prism
- John Greaves / bass, clothes pegs
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, also sax

Tracks 24-32:
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano
- Chris Cutler / drums
- Fred Frith / guitar, viola, xylophone
- John Greaves / bass
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Guest:
Robert Wyatt / voice (28, 32)

Volume 3: Hamburg

Track List
1. Fair as the Moon (6:01)
2. Nirvana for Rabbits (4:48)
3. Ottawa Song (3:41)
4. Twilight bridge (2:04)
5. Gloria Gloom (2:17)
6. Hamburg 1 (4:15)
7. Hamburg 2 (3:27)
8. Red Noise10 (3:16)
9. Hamburg 3 (5:30)
10. Hamburg 4 (2:40)
11. Hamburg 5 (5:25)
12. Terrible as an army with Banners (3:34)
13. A Heart (9:03)
14. Little Red Riding Hood Hit the Road (5:12)
15. We Did It Again (6:31)

Line-up
- Chris Cutler / drums
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, piano (8, 9, 10, 11)
- Fred Frith / guitar, piano (1, 4, 12, 13)
- John Greaves / bass, voice (3)
- Tim Hodgkinson / organ, alto sax
- Dagmar Krause / voice

Volume 4 & 5: Trondheim

Track List
CD 1
1-10. Trondheim I (48:25)

CD 2
1-6. Trondheim II (31:54)
7. The March (6:25)

Line-up
CD 1
- Lindsay Cooper / recorder, oboe, bassoon, flute, piano (7, 8, 9), tapes, voice
- Chris Cutler / drums, flotsam, telephone mouthpieces, amplification, voice
- Fred Frith / guitar, violin, 6-string bass, xylophone, tubular bells, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, voice, tapes

CD 2
- Lindsay Cooper / oboe, bassoon, jaw harp, voice, tapes
- Chris Cutler / drums, jetsam, telephone mouthpieces, amplification, piano
- Fred Frith / guitar, 6-string bass, xylophone, tapes
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, alto sax, mbira, voice, tapes

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Heldon: "Interface" (1978)

Por ignorancia nunca antes publiqué bandas de rock progresivo electrónico, pero ya es momento de andetrarnos en esta interesante vertiente, y una de las mejores maneras de hacer esto es a través del grupo francés Heldon, uno de los grupos que hicieron nacer este género.
Como dato de interés, esta banda es lideriada por el multi-instrumentista Richard Pinhas, a veces apodado, "El Fripp Francés" (y no es en vano), pero se hace acompañar de otro gran músico: Patrick Gauthier, un intérprete principalmente de teclados y sintetizador que antes había trabajado para Magma en su álbum Üdü Wüdü, y además fue una de las principales mentes detrás del proyecto post-magmático conocido como Weidorje, que ya he tenido el honor de traer aquí.
Interface y algunos otros álbums de Heldon logran retomar muy bien el guitarreo frippiano de una forma original que también logra usar técnicas y manejos electrónicos del estilo de Tangerine Dream. Entonces, el disco abarca tanto secciones instrumentales completamente dirigidas a sonoridades de techno y ambient, como de cierto guitarreo virtuoso y altamente disfrutable, todo dentro de mezclas electrónicas experimentales que presentan variaciones entre momentos de energía y otros de tranquilidad. El tema que cierra el disco y le da título agarra mucha más fuerza en la base rítmica, y pone especial énfasis en la ejecución de los tiempos, la batería se vuelve más protagónica y se van trazando poco a poco movimientos electro-rockeros, a partir de sonoridades bien intercaladas.
No es un disco muy fácil de escuchar, pero vale la pena prestarle mucha atención y encontrar los detalles sonoros que nos tiene preparados.
Próximamente estaré publicando más de Heldon, cuyo papel en el rock progresivo y electrónica me parece hasta cierto punto, decisivo, importante y lleno de inovación.

Tracks List
1. Les soucoupes volantes vertes (2:28)
2. Jet Girl: in New York or Paris, equivalent / in south Bronx (9:53)
3. Bal-a-fou (7:25)
4. Le fils des soucoupes volantes vertes (1:56)
5. Interface (19:02)

Line-up
- Richard Pinhas / Moog III et B, guitar, electronics
- François Auger / drums, synthesizer, composition (4)
- Didier Batard / bass (4)
- Patrick Gauthier / Minimoog, composition (3), Moog bass

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AKA Moon: "AKA Moon" (1992)

La carrera artística del grupo belga AKA Moon se remonta a los años ochentas, cuando se llamaban NASA NA y contaban con la participación del guitarrista Pierre Van Dormeal. El guitarrista abandonó la banda al cabo de un tiempo y entonces quedó un trío conformado por Fabrizio Cassol en el alto saxo, Michel hatzigeorgiou en el bajo eléctrico y Stéphane Galland en la batería. A lo largo de su trayectoria han ido explorando Jazz Fusión, Avant-Garde Jazz e incluso algunas tendencias a la música hindú, por lo que de un álbum a otro pueden existir muchos cambios interesantes. Su debút es este disco que presento a continuación, donde el estado musical se ubica principalmente dentro de un contexto de jazz puro, de sonoridades suaves y por lo general melódico. El saxofón es el instrumento protagónico en este primer álbum, incluye selectos momentos virtuosos y define melodías muy acentudas. La batería suena por momentos técnica, no necesariamente veloz pero si es notable un manejo profesional de los platillos, el tambor y todo lo que abarca el instrumento, lo cual agrega bases rítmicas fuertes y muy consistentes pero que van experimentando ligeros cambios. El bajo es bastante secundario en este disco, Michel hatzigeorgiou se declara como un gran admirador de Jaco Pastorious, y hay gente que incluso considera que lo supera, lo cual pongo en duda ya que al menos en este disco hay escasas ocasiones donde realmente se destaque. Sin embargo, uno de estos escasos momentos de un buen bajeo es en una sección del tema "Aka Earth", donde realmente se nota el virtuosismo y hablidad del bajista.
En conclusión es un buen debút de estos belgas, que no se queda atrás desde el punto de vista de sus demás álbums, aunque tal vez si se encuentra dentro de sus trabajos menos experimentales.

Track List
1. Aka Moves (6:47)
2. Aka Moon (5:33)
3. Aka Earth (12:43)
4. Aka Truth (6:41)
5. Aka Dance (5:15)
6. Aka Bird (2:04)
7. Aka Song (8:03)

Line-up
- Fabrizio Cassol / Alto saxophone & composer
- Michel hatzigeorgiou / electric bass
- Stéphane Galland / drums

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Runaway Totem: "Andromeda" (1999)

El último álbum de Runaway Totem, Manu Menes, que acabo de publicar, nos invita a inspeccionar y escuchar la discografía de tan magnífica calidad que abarca su trayectoria musical. Es por esto que ahora nos vamos con Andromeda, su tercer álbum de estudio que es considerado su obra cumbre. El uso de sintetizadores para fines de música zeuhl o rock sinfónico nunca ha sido una característica fuerte de ninguno de los dos géneros, pero Runaway Totem no solamente lo usan con inteligencia, sino que la mayor parte de sus canciones son dotadas de ciertos ambientes oscuros pero calmos que sólo se lograrían gracias al uso de este instrumento clave en su música. Andromeda es un disco que sin hacer uso de una instrumentación clásica, logra emular perfectamente arreglos orquestrales o melodías más apegadas al rock sinfónico, pero desde una perspectiva muy moderna a la que además se agregan cantos masculinos de ópera y algunas guitarras estridentes. Todo el álbum mantiene estructuras complejas y cambiantes, y dinamismos tanto en la base rítmica como en la intensidad sonora, a través de composiciones que tienden a lo impredecible. Así es la música de estos italianos, compleja pero moderadamente melódica, intensa pero con momentos dedicados a lo atmosférico; y hay muchas más cosas que ofrecen sus álbums que no se describen tan fácilmente, y por eso vale más la pena decir simplemente que su gran talento los está colocando como una banda de culto dentro y fuera de su país, y también como un importante referente del zeuhl, sobre todo desde el punto de vista de lo moderno.

Track List
1. Kontakt (13:03)
2. Tempus Fugiens? (8:44)
3. OD .: OB .: (8:48)
4. Kadman Neso (10:39)
5. Andros Medoman (8:08)

Line-up
- Roberto Gottardi / guitars, guitar synthesizers, voice
- Renè Modena / guitars
- Germano Morghen / drums, percussion
- Roberto Veronese / piano, synthetizer, keyboards
- Dario Gelmetti / bass profundo

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Runaway Totem: "Manu Menes" (2009)

Runaway Totem se formó en Italia como un experimento interesante y sumamente original de zeuhl, rock sinfónico y ópera. Su música logra abarcar algunos pasajes magmáticos, voces del tipo AreA o Banco del Mutuo Soccorso y generan mayormente un fuerte componente atmosférico que logra retomar algo del Amon Düül II temprano. Su regreso este año ha sido con un álbum de muy buenas magnitudes que puede llegar a contrastar con trabajos anteriores, al preferir canciones de muy larga duración, donde hay lugar tanto para secciones operáticas suaves, atmósferas instrumentales oscuras (primer tema) o momentos de rock progresivo más enérgico. La introducción del disco es meramente atmosférica con tintes de música de cámara, donde exploran ambientes oscuros y sombríos, del mejor estilo de Art Zoyd. El manejo de la base rítmica, el guitarreo y los aumentos en la energía sorprenden en el segundo tema, llegando a convertirse una buena parte de él en un completo trance hipnótico que sólo bandas tan profesionales como Magma podrían lograr. El aspecto vocal es todo el tiempo un punto a favor de esta banda, y no es la excepción el álbum Manu Menes, son voces perfectamente entrenadas, tanto las femeninas como las masculinas, y de hecho dotan de completa elegancia la música de Runaway Totem. El tercer tema también tiene un desarrollo instrumental bastante elaborado y experimental, entre otras cosas incluye una gran participación de un veloz vibráfono al inicio, pasajes de tranquilidad ambientales-electrónicos, otras ocasiones prefieren el sinfonismo e incluso pueden realzar momentáneamente sus tendencias más rockeras, a través de una estructura completamente dinámica, que va alternando y dando su lugar a cada instrumento y a las voces.
Una vez más, estos italianos me sorprendieron y me dejaron completamente satisfecho con este nuevo disco, gracias a su extrema habilidad musical (sobre todo compositiva,), la buena instrumentación que brindan y a su interés por seguir inovando.

Track List
1. Alle Sorgenti di Kronos (24:28)
2. Aevum (21:38)
Tempo Alato
Il Tempo cos'è?
3. Phi-Ur (26:20)
L'Essere e il Non Essere
La Liberazione
Abbandono in Manu

Line-up
- Cahal De Bêtêl / vocals, guitars, synthguitars, piano, keyboards, synthesizer, atmosphere noise
- Tipheret / drums, percussions, gamelan, piano, keyboards, voice
- Dauno Giuseppe Buttiglione / telluric bass
- Issirias Moira Dusatti / vocals
Guests:
- Mirco Pedrotti / vibraphone
- Anna Boschi/ flute
- Nadia Bortolamedi / clarinet

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Speed Limit: "Speed Limit II" (1976)

La corta pero excepcionalmente grandiosa discografía de Speed Limit llega a su fin con su segundo álbum, lanzado en 1976 y ahora con el excelente bajista Jannick Top, proveniente de la escuela magmática al igual que el saxofonista de la banda, Yochk'O Seffer. Es un disco completamente más inovador que el primero, en donde le dan un fuerte giro a música, explorando territorios de la música sinfónica del siglo XX y algunos cantos de ópera, además del jazz fusion que ya venían haciendo. La inteligente conjución de elementos de estas vertientes da como resultado una obra magnífica del jazz, que da lugar tanto a momentos enérgicos de rítimica constante, y otros completamente dedicados a las secciones suaves interpretadas por cuerdas o por instrumentos de viento de parte de Seffer, pero siempre manteniendo una tendencia melódica. Este segundo álbum esta al nivel de calidad de Apocalypse de Mahavishnu Orchestra, o The Polite Force de Egg (el cual ya fue publicado), siendo elementos comúnes entre estos discos setenteros, la mezcla de fusión con clásica o música de cámara, aunque obviamente cada grupo lo hizo a su modo.
Personalmente, considero a Speed Limit un grupo que si bien no es esencial en el jazz fusion, sí es por lo menos una de las mejores muestras de talento dentro del género.

Side 1
1- Time's Tune
a) Breese Borealis (6:00)
b) A Run Around The Block (3:40)
c) Jettatura (4:10)
d) Goodnight Little Bear (1:05)
2- African Dance N° 3 (4:00)

Side 2
1- Pastoral Idyl
a) Pastoral Idyl pt1 (1:55)
b) Lemon Tree (8:40)
c) Reaching the Stars (3:21)
d) To The Girl Of The Moon (1:17)
e) Pastoral Idyl pt2 (6:14)

Line-up
Jorge Jinda / drums
Jeff Seffer / wind instruments
JL Bucchi / electric piano
Gerard Curbillon / guitars
Janik Top / bass
Shiroc / percussion
+ strings section

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Astro Can Caravan: "Questral Places" (2003)

Astro Can Caravan es una banda finlandesa que se forma en 2001 por Otto Eskelinen, Pharaoh Pirttikangas, Tomi Kosonen y Tuomas Eriksson. Su estilo es un avant-garde jazz del más original y novedoso que se haya creado. Como una orquesta jazzística de más de 20 músicos, la instrumentación es increíble: variedad de saxos, algunas trompetas, un par de clarinetes, muchas percusiones, oboe, acordeón, piano, pero además instrumentos eléctricos: guitarra, bajo, órgano y sintetizador. El resultado es el jazz más experimental y menos convencional al que jamás me he enfrentado, de por sí la armonía no está nada descuidada, y por otro lado, mientras que los vientos aportan todo el componente jazzístico-melódico, el órgano nos dibuja momentáneamente algunas figuras del blues, pero lo más interesante es que esto lo intersectan con inteligencia y gran habilidad con secciones electrónicas de sintetizador y efectos en la guitarra eléctrica, pero sin hacer abuso de esto último. Otro aspecto que vale la pena mencionar son los perfectos ritmos que manejan, muy bien trabajados, y más apoyados en los saxos que en las percusiones. De repente les entra la velocidad y empiezan a tener momentos de mucha energía y de cierto desborde sonoro, manteniendo y relazando su carácter experimental.
Puedo decir sin temor a equivocarme que Astro Can Caravan es al Jazz como Alamaailman Vasarat es al RIO, la relación viene de que ambas son bandas modernas finlandesas y hacen experimentos musicales muy inusuales y propios de sí mismos. Astro Can Caravan cuentan con tan sólo dos álbums de estudio a la fecha, pero los dos son grandiosos. El primero es éste titulado, Questral Places, y el segunfo vio la luz en 2004, con algunos cambios en la alineación.

Track List
1. Helios Universal (4:19)
2. Mohenjo - Daro (5:18)
3. First Astral Movement (6:04)
4. Dumuzi (6:24)
5. Second Astral Movement (5:00)
6. Baia (5:24)
7. Third Astral Movement (4:37)
8. Nile (10:49)

Line-up
- Otto Eskelinen / piano, organ, accordion, synthesizer, bandoneón
- Pharaoh Pirttikangas / synthesizer, guitar
- Joonas Hytti / trumpet, euphonium
- Tuomas Eriksson / trombone
- Joakim Berghall / soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone, baritone saxophone
- Tomi Kosonen / tenor saxophone, baritone saxophone
- Veli-Pekka Parkkinen / clarinet
- Suvi Pappi / bass clarinet, flute
- Arvi Hasu / bass
- Niko Votkin / drums
- Jari-Pekka Hautalampi / drums, percussion
- Torsti Tuovinen / percussion
- Jarkko Pellikka / trumpet
- Samuli Peltoniemi / trumpet
- Artturi Taira / alto saxophone, baritone saxophone
- Tapani Varis / baritone saxophone, bass
- Henna Karhunen / oboe
- Emil Luukkonen / electric piano, synthesizer
- Pentti Dassum / guitar, mandolin
- Jape Karjalainen / percussion, bass
- Teemu Mäenpää / percussion
- Rasmus Pailos / percussion

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