King Crimson: "iMPRoVaTTaKc" (1974)

En la historia del rock progresivo han existido algunas grandes bandas que han tenido sus respectivos desarrollos improvisatorios, por ejemplo, los alemanes de Amon Düül II, Dzyan y Faust o los italianos de AreA. Pero hay una sola banda que sin importar la época, la alineación, la instrumentación, el contexto ni otros factores, han siempre decidido experimentar a lo grande en sus conciertos, a través de improvisaciones libres y únicas. Esta banda son por su supuesto los británicos de King Crimson. El álbum iMPRoVaTTaKc recoje algunas de las mejores improvisaciones en directo jamás hechas por la banda, en este ocasión vienen de la mano del quinteto setentero conformado por Bruford-Cross-Fripp-Muir-Wetton y fue apenas publicado por DGM en el año 2002, como parte de su extenso catálogo de material en vivo de King Crimson.
El concierto tiene un inicio meramente sinfónico, tranquilo, protagonizado por Cross con su violín y apenas algunos rasgeos leves de guitarra con Fripp. Pero a medida que avanza el desarrollo instrumental, la energía se intensifica y se entra en verdaderas cascadas sonoras de rock experimental dinámico y con un fuerte énfasis en guitarras raramente distorsionadas, algunas líneas de bajo potentes y bien marcadas, y no menos importante, retoman de vez en cuando el sinfonismo que dio a inicio al concierto, gracias a los melotrones y al violín. Específicamente en conciertos de este tipo, yo hablaría de King Crimson más como una banda de RIO, por el hecho de estar perteneciendo a esa contracultura del rock, inovando, experimentando y llegando a otros niveles de genialidad. Por otro lado cualquiera que escuche este concierto difícilmente los puede encasillar en otro subgénero progresivo que no sea el rock contracultural.
Si bien la estructura de los temas llega a permanecer indefinida, nunca se llega a crear un caos sónico tan desbordado, desenfrenado o tan desorganizado como hizo el King Crimson de los noventas con THRaKaTTaK, donde casi se hablaría de ruido, más que de música.
Por otro lado la rítmica no es muy constante ni consistente como en las improvisaciones que abarca el King Crimson frakctalizado (The ProjeKcts).
Entonces, entendamos a iMPRoVaTTaKc como un buen punto de partida para entender el carácter improvisatorio y completamente libre de gran parte de la música de estos británicos, y sirva además como un homenaje por sus cuarenta años de existencia.

Track List:
01. Improvattakc #1 (20:06)
Including: Daniel Dust / Clueless and Spightly Slack Parts 1&2 / The Golden Walnut
02. Improvattakc #2 (26:20)
Including: Some Pussyfooting / Is There Life Out There? / The Law Of Maximum Distress Parts 1&2 / Wilton Carpet
03. Improvattakc #3 (30:27)
Including: A Voyage To The Center Of The Cosmos / Providence / SOme More Pussyfooting / Coda

Line-up / Musicians:
-David Cross / violin, viola, mellotron
-Robert Fripp / guitar,mellotron
-Jonh Wetton / bass
-Jamie Muir / percussion & Allsort
-Bill Bruford / drums

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Jean-Philippe Goude: "Ainsi De Nous" (1994)

En algún momento publiqué a la excelentísima pero muerta banda de zeuhl Weidorje, comandada por dos muy buenos músicos ex-magmáticos: el tecladista Patrick Gauthier y el bajista Bernard Paganotti. Unido a aquel grupazo, se unió un músico con grandes ideas, con habilidad compositiva a lo máximo y una visión ecléctica de la música, no limitada ni obstaculizada por estilos fijos. Este compostitor y tecladista es Jean Phillipe Goude. Goude, a lo largo de su trayectoria musical también ha participado en grupos como Drônes y Odeurs, y tiene su propia discografía como solista. Dicha discografía en principio se inclinaba por jazz, zeuhl y algunos efectos electrónicos que al entrar conjunto con lo demás, sería toda una novedad estilística en su momento, pero erróneamente subvalorada o sin recibir la atención que se merecía.
Pero no es sino hasta discos como Ainsi De Nous que el siempre célebre tecladista le da un giro completo a su música, y empieza a hacer una especie de clásica contemporánea altamente profesional y fina. Entre pianos, vientos y cuerdas, este disco tiene una notable inspiración neoclásica que nos conducirá a través de bellas melodías y suaves texturas que son en todo momento dignas de ser escuchadas por cualquiera, aunque ya no se trate de rock, ni jazz, ni zeuhl. Se trata de una grandísima obra de arte muy emotiva y encantadora que se mueve dentro de los mejores y más intensos territorios de la música docta y neoclásica, imperdible para cualquier amante de la buena música.

1. Sic Transit Gloria Mundi
2. Spero Lucem
3. Haute Danse
4. L'echappee
5. La Lurette
6. Se Departir
7. Ainsi De Nous Melancholia
8. Pastorale
9. Ainsi De Nous Attente
10. Une Eternelle Nuit
11. Post Tenebras
12. Picarde

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Speed Limit: "Speed Limit" (1975)

Existen por lo menos tres bandas llamadas Speed Limit, la que se publica a continuación es la agrupación de origen francés surgida en los años 70's por iniciativa de algunos ex-miembros de Magma: el saxofnista Yochk'O Seffery el bajista Joel Dugrenot, reemplazado en el segundo álbum por otro excelente músico magmaiano: Jannick Top. Seffer en particular ya tenía experiencia en los asuntos jazzísticos cuando había trabajado al lado de Francois Cahen para formar ZAO, y su experiencia en aquella banda debió de ser satisfactoria para decidirse a continuar haciendo este tipo de buena música. Speed Limit se nutre del sonido de bandas como Weather Report y Return To Forever pero abarca una serie de características que le son muy propias, por ejemplo el uso de percusiones acústicas para proporcionar una rítmica fuerte y altamente disfrutable, saxofón empleado para propósitos múltiples como algunas partes melodicas y rapidas, u otras más dedicadas a la ambientación debido al intenso énfasis en algunas notas. Lo sorprente también es la armonía y el balance instrumental tan pulido: a veces se da paso a guitarra eléctrica, o a teclados muy del estilo de Chick Corea y en otros momentos al saxo inconfundible de Seffer; pero realmente nunca hay un instrumento de mayor protagnonismo, y todo va dentro de secciones por lo general suaves y agradables . Enfocados mayormente en la libre expresión y en las texturas más que en un desarrollo instrumental, esta banda incluso puede recordar al Miles Davis de Bitches Brew.
En camino les tengo el segundo y último disco de estos franceses, bastante más experimental y con ciertos giros inesperados. Por lo pronto escuchemos esta joya del Jazz Fusion de la vieja escuela que incluso los más grandes grupos del género habrían querido componer y llevar a ejecución.

Track List
Side 1
1- Sleep walker (11:12)
2- Pava (5:04)
3- Abra (2:57)
Side 2
1- Spanish Dream (9:16)
2- Ballad To Laura Antonelli (6:31)
3- Ducky (3:58)

Line-up
Jorge Jinda / drums
Jeff Seffer / wind instruments
JL Bucchi - electric piano
Gerard Curbillon / guitars
Joel "dud" Dugrenot / bass
Shiroc / percussion

Miles Davis: "Bitches Brew" (1969)

Generalmente, cuando se habla de Jazz Fusion se suele citar como buenos referentes a tres grandes bandas: Mahavishnu Orchestra, Return To Forever y Weather Report. ¿Pero que tal un supergrupo conformado por algunos integrantes de las tres bandas y todos comandados por uno de los más sobresalientes músicos del Jazz, Miles Davis? Pues Bitches Brew se trata precisamente de esto, de la creación del Jazz Rock de parte de los siempre citados progenitores del género (Chick Corea, Lenny White, John McLaughlin, Billy Cobham, Wayne Shorter, Joe Zawinul), pero estas sesiones se grabaron cuando todos ellos aún eran jóvenes y no habían fundado las bandas en las que posteriormente brillarían y serían reconocidos. Por su parte, Miles Davis ya había hecho grandes trabajos y había recorrido estilos jazzísticos como el Hard Bop y el Free Jazz, pero inconforme e insatisfecho con el curso que se le daba al jazz, decide introducir instrumentos eléctricos, improvisaciones libres con una rítmica fuerte, y un mayor énfasis en las texturas y en el groove que en el desarrollo instrumental. El resultado de estas sesiones fue todo un fenómeno, y tuvo aceptación tanto por la audiencia del rock como por los aficionados del jazz, quienes se dieron cuenta que era el inicio de algo nuevo, y que había llegado para quedarse.

Tracklist:
1. Pharaoh's Dance — 20:06
2. Bitches Brew — 26:59
3. Spanish Key — 17:32
4. John McLaughlin — 4:22
5. Miles Runs the Voodoo Down — 14:01
6. Sanctuary — 10:56

Personnel:
-Miles Davis / trumpet
-Chick Corea / electric piano
-Dave Holland / bass
-Wayne Shorter / soprano sax
-Joe Zawinul / electric piano, organ
-John McLaughlin / electric guitar
-Bennie Maupin / bass clarinet
-Lenny White / drums
-Jack DeJohnette / drums
-Harvey Brooks / bass
-Don Alias / drums
-Jim Riley / percussion
-Airto Moreira / percussion

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Koenjihyakkei: "Nivraym" (2009 Re-release)

Dentro de lo que engloba el zeuhl de la modernidad, Koenjihyakkei se considera el máximo exponente, incluso algunos los vemos como los sucesores de Magma. Koenjihyakkei es un cuarteto japonés que se dió como un proyecto muy ambicioso del baterista y compositor Tatsuya Yoshida, quien anteriormente había tocado y experimentado mucho en Ruins, sólo que en aquel grupo se iba por el camino del progresivo con hardcocre, siendo una música mucho más inquietante, estridente y desenfrenada. Koenjihyakkei no pierde del todo éstas características, pero suele heredar mucho más tanto de la tradición magmática, el rock progresivo sinfónico y algunos elementos semi-ocultos de jazz fusión. En principio, todas sus canciones son cantadas en una lengua inventada por completo por Tatsuya Yoshida, de allí viene una de las principales características que dan a entender su intención por inovar y salirse de los estándares más o menos comunes del zeuhl y del rock progresivo.
Nivraym es el tercer disco de Koenjihyakkei, lo lanzaron originalmente en 2001 y en 2009 lo regraban, ahora teniendo como invitados a un saxofonista-clarinerista, un tecladista y un vocalista. Lo impresionante de éste disco son, como la mayoría de las veces, los cambios y avances en las escalas que manejan, la buena técnica en todo instrumento, líneas de bajo dominantes durante ciertos momentos, un trabajo vocal igualmente disfrutable y hasta pulido (a veces tiende a lo operático), y por supuesto conjugan perfectamente secciones de teclado y sintetizador melódico o de coros pegadizos (esto es raro, pero algunos coros dan ganas de cantarlos sin tener idea de lo que dicen), con momentos veloces de completa locura y energía. El dinamismo es también un punto muy a favor, como ya mencionamos, lo estático jamás será una propiedad de ésta banda, les encanta divertirse con los cambios en escalas, melodías, ritmos, compaces; y por ejemplo, la incorporación del saxo para ésta regrabación la dejaron para las partes más calmas, para permitir que el cambio sea más notable y se convierta en uno de los elementos novedosos, al mismo tiempo que algunas partes del disco van quedando perfectamente jazzeadas.
Para terminar, Nivraym y su regrabación de este año es en todo sentido un excelente y profesional disco, de hecho se considera un álbum relativamente accesible, pero esto último sólo desde el punto de vista de sus demás discos.

Track List
1. Nivraym (5:40)
2. Becttem Pollt (5:21)
3. Lussesoggi Zomn (10:26)
4. Vissqaguell (5:31)
5. Mederro Passquirr (6:23)
6. Axall Hasck (6:34)
7. Maschtervoz (4:10)
8. Gassttrumm (9:24)
9. Vallczeremdoss (4:49)

Line-up
- Tatsuya Yoshida / drums, vocals
- Kengo Sakamoto / bass, vocals
- Jin Harada / electric guitar, acoustic guitar
- Kenichi Oguchi / keyboards
- Nami Sagara / vocals

Guests:
- Keiko Komori / soprano sax, bass clarinet
- Taku Yabuki / keyboards
- AH / vocals

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Dzyan: "Electric Silence" (1975)

El tercer y último álbum de Dzyan es Electric Silence, y va mucho más orientado al tratamiento electroacústico, lleno de varios momentos más ambientales y calmos. Las secciones improvisatorias predominan menos aquí que en su álbum anterior, y el trabajo de la guitarra se vuelve más complementario que protagónico, al tiempo que empieza a suavisarse y a perderse su tendencia jazz-fusionera. En cambio, este disco prefiere el uso de sitarra y percusión acústica poco usual, realzando así el componente étnico-electrónico que usaban anteriormente, sólo que ahora esto se vería más intensificado.
Vale la pena mencionar que Dzyan fue uno de los experimentos más raros del krautrock, y a la vez uno de los mejores antecedentes de lo que sería más tarde la famosa banda Ozric Tentacles, éstos últimos aún vigentes al día de hoy.

Track Listing
1. Back To Where We Come (8:57)
2. A Day In My Life (4:03)
3. The Road Not Taken (4:54)
4. Khali (4:55)
5. For Earthly Thinking (9:38)
6. Electric Silence (4:30)

Line-up
- Peter Giger / drums, percussion
- Reinhard Karwatky / electric & double bass, superstring, Mellotrone, synthesizer
- Eddy Marron / guitars, sitar, Zaz, tambura, mellotrone, voice

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Dzyan: "Time Machine" (1973)

Dyzan se formó en 1973 en Alemania, levantando el movimiento del krautrock que apenas era naciente a fines de la década de los sesentas y principios de los setentas. Con marcadas influencias de Amon Düül II, ésta banda se va por el lado más experimental del género. En principio, incorporan percusion acústica para fines de ritmos étnicos, que entran en buen juego con el uso de sitarra, pero todo envuelto dentro de sonoridades electróncias que realzan la parte atmosférica o ambiental. Al igual que Amon Düül II, éstos alemanes también son muy profesionales en el uso de ambientes electroacústicos, sorprendiendo tanto por su habilidad en la ejecucuión como por su propuesta siempre original. El aspecto compositivo es tan experimental al grado de darse la improvisación, a través de largos y complejos desarrollos instrumentales, donde el guitarrreo puede ser muy veloz y enérgico y voltearse hacia territorios de jazz fusion. Realmente cada tema del disco tiene algo diferente, si bien los primeros dos abarcan el aspecto electrónico e improvisatorio, el tercero nos conduce sólo por vías acústicas tanto en guitarra como en percusión, siendo de esta manera un tema bastante más suave y accesible. El cierre el álbum es con el tema que le da título, "Time machine", su dinamismo es un punto a favor, la guitarra explora virtuosismo y algunos riffs más melódicos que irán dominando la mayor parte del tema, aunque de repente hay momentos donde se aprecia mejor el trabajo de percusiones. Los efectos electrónicos aquí no se hacen muy evidentes y en cambio dan paso a un rock enérgico pero con guitarra de jazz fusion.

Track Listing
1. Kabisrain (7:59)
2. Magika (8:45)
3. Light shining out of darkness (3:13)
4. Time machine (17:47)

Line-up
- Peter Giger / drums, percussion
- Reinhard Karwatky / bass, keyboards
- Eddy Marron / guitar, sitar, saxophone

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Zu: "Carboniferous" (2009)

Tras diez años de su primer álbum, Bromio, ésta banda italiana que no ha tenido ningún cambio en su alineación, renovó completamente su propuesta, le dieron un giro completo a su música, y esto es posible gracias a su visión de inovación y al acompañamiento de King Buzzo en guitarra y de Mike Patton en las voces de algunos temas. Carboniferous es otro disco muy impactante y lleno de fuertes sonoridades, pero ahora mucho más agresivo, más tornado al rock, un rock industrial que puede incluso recordar al Nine Inch Nails de antaño. El responsable de esto es principalmente el baterista Jacopo Battaglia, que ahora también se divierte experimentando con melotrón y otros dispositivos que aportan sonoridades electrónicas y raras distorsiones. Desafortunadamente, el saxofón toma un papel bastante más secundario en éste nuevo álbum, contraste directo con trabajos previos, aunque todavía tiene algunas buenas muestras de locura. Obviamente esto hace que se pierda el jazz que venían haciendo desde antes, casi por completo. El sonido del bajo en la mayoría de los temas ya no es tan limpio como en otros, sino que generalmente las distorsiones nada disfrutables lo envuelven e impiden que sea escuchado como se debiera. Pero la batería se vuelve ahora más veloz, aporta una rítmica muy distinta y domina ciertas secciones del álbum con fuertes y certeros golpes. Uno de los temas donde escuchamos la voz de Mike Pattton, es en "Soulympics", muy buena participación, por momentos suena de ultratumba pero luego tiene sus momentos enfermizos, que entran perfectamente en juego con lo instrumental.
El resultado es un álbum completamente diferenete y mucho más extremo que otros que han hecho, menos melódico y se torna bastante más modernizado, definitivamente experimental y con pocos o nulos elementos de jazz.

Track List
1. Ostia (4:55)
2. Chthonian (6:48)
3. Carbon (4:24)
4. Beata Viscera (3:57)
5. Erinys (3:43)
6. Soulympics (5:05)
7. Axion (5:21)
8. Mimosa Hostilis (4:09)
9. Obsidian (6:29)
10. Orc (5:20)

Line-up
Jacopo Battaglia - Mellotron, drums, electronics
Luca T. Mai - baritone saxophone
Massimo Popillo - bass

Guests:
King Buzzo- Guitar
Mike Patton- Vocals

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Zu: "Bromio" (1999)

"Ustedes han creado música potente y expresiva que supera por mucho a la mayoría de las bandas de hoy en día". Esto fue lo que dijo el mismísimo John Zorn cuando escuchó a Zu por primera vez. Zu es un trío italiano de Roma conformado por Luca Mai en el saxofón barítono, Massimo Pupillo en el bajo y Jacapo Battaglia en la batería. No cabe duda que no son en vano las palabras de Zorn, esta banda no sólo se está ganando su lugar en el free jazz y en el RIO, sino que en su propuesta original, muy intensa y a veces hasta insana (eso se ve desde la portada del álbum), tratan de alejarse lo más posible de las tendencias musicales comúnes de su país, y realmente suenan mucho más a Zorn que a cualquier banda italiana de progresivo sinfónico. Como afortundamente este primer disco no tiene invitados guitarristas, el excelente trabajo del bajista se disfruta perfectamente, riffs poderosos y muy imponentes en ocasiones. El saxofón tiene un papel dual, a veces un poco melódico o suave, pero también tiene sus secciones interesantes de fuerte intensidad, experimentación e improvisación. La batería por lo menos en este primer disco se percibe como secundaria, sigue a los demás instrumentos, con una marcada tendencia rockera, más que jazzística.
El disco en general lo defino como un jazz moderno lleno de momentos de caos, pero con bases rítmicas que se identifican más con el RIO.

Tracks List
1. Detonatore (3:36)
2. Xenitis (3:11)
3. Testa di Cane (3:06)
4. Paonazzi (1:20)
5. Zu Circus (3:42)
6. Asmodeo (4:06)
7. Cane Maggiore (3:24)
8. Epidurale (1:51)
9. Villa Belmonte (2:54)
10. Erotomane (4:25)
11. La Grande Madre delle Bestie (5:43)

Line-up
- Jacopo Battaglia/ drums
- Massimo Pupillo / bass
- Luca T Mai / sax

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Daniel Denis: "Sirius And The Ghosts" (1991)

Daniel Denis es un músico y compositor principalmente famoso por ser el líder y casi siempre protagonista de las composiciones de Univers Zero, grupo belga que forma parte de los cinco principales fundadores del RIO, al lado de Samla Mammas Manna, Stormy Six, Henry Cow y Etron Fou Le Louban. Volviendo con Daniel Denis, si bien es cierto que su instrumento favorito son las percusiones, en éste trabajo instrumental de su proyecto en solitario lo encontramos experimentando también en los teclados. Sirius An The Ghosts es el primero de los únicos dos álbums solistas de Denis, y es un puente perfecto entre el Univers Zero de los ochentas, con el de la modernidad. Denis prefiere en éste disco la música de cámara contemporánea y extrañas sonoridades de origen electrónico, más que el rock en sí mismo, similar a muchos discos de Art Zoyd, con quienes incluso ha llegado a trabajar. Es entonces, un trabajo menos oscuro y menos estridente que el Univers Zero de antaño pero que mantiene el carácter místico, elegante, vanguardista y siempre a favor de las perfectas armonías sonoras, en este caso levemente apoyadas en teclados y de poca ritmicidad que prefiere de vez en cuando lo ambiental.

Track List
1. Beyond the Mountains (9:52)
2. A l'Ombre du Zed (8:04)
3. Eastwave (5:34)
4. Sirius (6:52)
5. Strange Twist (7:37)
6. Fête souterraine (7:35)

Line-up
- Daniel Denis /drums, percussion, keyboards
- Frederic de Roos / recorders
- Dirk Descheemaeker / soprano saxophone, clarinet, bass clarinet
- Michel Hatzigeorgiou / bass
- Jan Kuijken / acoustic and electric cellos
- Michel Hatzigeorgiou / bass
- Frederic DeRoos / recorder

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Jono El Grande: "Neo Dada" (2009)

Jon Andreas Håtun es el nombre real de Jono El Grande, guitarrista y compositor moderno de Noruega. Su música generalmente tiende a lo orquestral desde una perspectiva definitivamente avant-garde, con una propuesta bastante interesante y elegante que logra retomar a músicos también célebres como Frank Zappa, Captain Beefheart o Henry Cow.
Neo Dada es apenas el segundo trabajo de Jono El Grande, y cuenta con una instrumentación increíble y un manejo muy profesional de cada instrumento, donde predominan agradables arreglos sinfónicos que incluyen cuerdas (violines principalmente), vientos (saxofones), percusiones poco usuales en el rock como vibráfono y marimba, teclados y sintetizadores, hasta guitarra, batería y bajo. Éste disco se ubica dentro de un marco conceptual de dadaísmo (puede que también de surrealismo) como indica el nombre del mismo, demostrando que la vanguardia no sólo está en su música, sino en las ideas que la inspiran y le dan forma. Neo Dada es una buena muestra de armonías perfectamente logradas, y arreglos y composiciones que apuestan por un mero estilo de música de cámara contemporánea, donde es predominante un fuerte componente melódico a través de secciones sonoras por lo general suaves, y que permiten que disfrutemos de principio a fin la genialidad de este grandioso nuevo trabajo. En mi opinión, es uno de los diez mejores discos que han aparecido en todo lo que va del 2009.

Track List
1. Neo Dada
2. Ballet Morbido in a Dozen Tiny Movements
3. Oslo Coty Suite
4. Your Mother Eats like a Platipus
5. Big Ben Over
6. Three Variations on a Mainstream Neurosis
7. Choco King

Line-up
- Jono El Grande / guitar, vocals
- Neo Dada / vocals, kazoo, tambourine
- Mr. Æ / keyboards, synthesizers
- Clackraphoduzzamella von Galgrypotti / marimba, vibraphone, percussion
- Dr. Løk / soprano and tenor saxophone
- Ace of Bass / bass
- Terje - drums

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Henry Cow: "Legend" (1973)

Henry Cow son originarios de Cambridge, en Inglaterra, y se les considera la banda líder del Rock In Opposition, incluso son el grupo pionero por excelencia del género. Estos músicos rompieron completamente con las tendencias de su época al incorporar una gran instrumentación, que puede ser digna tanto de la música clásica como del jazz, además de una visión futurista y dentro de un contexto avant-garde del rock progresivo. Henry Cow nace con una propuesta musical rockera bastante visionaria que a veces se apoya fuertemente en metales (saxo y trompeta) y ritmos jazzísticos, un guitarreo siempre destacable gracias al célebre músico Fred Frith, de quien escucharemos algunos solos memorables en éste álbum. La música de Henry Cow también define el Rock In Opposition al incorporar un fuerte componente sinfónico en sus composiciones, y poniendo de ves en cuando énfasis en los instrumentos clásicos como violín, viola, clarinete y flauta. Entre sus influencias se suele citar a Frank Zappa, Soft Machine y no menos importante el compositor Béla Bartok, quien además impactó fuertemente a Art Zoyd y Univers Zero, otras dos grandes potencias del RIO. Al día de hoy, se editaron y publicaron recientemente dos cajas (boxets) con material inédito y algunos conciertos de éstos legendarios intérpretes, con la intención de celebrar el cuarenta aniversario de su formación. Si no es todo, al menos una parte de éste interesante material será publicado aquí, pero por lo pronto disfruten de su debút, Legend, considerada su obra más accesible.

Tracks Listing
1. Nirvana for Mice (Frith) (4:53)
2. Amygdala (Hodgkinson) (6:47)
3. Teenbeat Introduction (Cow) (4:32)
4. Teenbeat (Frith/Greaves) (6:57)
5. Nirvana Reprise (Frith) (1:11)
6. Extract from with the Yellow... (Frith) (2:26)
7. Teenbeat Reprise (Frith) (5:07)
8. Tenth Chaffinch (Cow) (6:06)
9. Nine Funerals of the Citizen King (Hodgkinson) (5:34)
10. Bellycan (Cow) (3:19)

Line-up
- John Greaves / bass, piano, vocals, Whistle
- Chris Cutler / piano, trumpet, drums, vocals, Whistle , Toy instruments
- Fred Frith / guitar, piano, violin, keyboards, viola, vocals
- Tim Hodgkinson / organ, clarinet, piano, keyboards, saxophones, vocals
- Geoff Leigh / clarinet, flute, recorder, saxophones, vocals

John Coltrane: "A Love Supreme" (1964)

John Coltrane (Hamlet, 23 de septiembre de 1926 - Nueva York, 17 de julio de 1967), apodado Trane, fue un saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007). Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos. La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme. Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Por: Wikipedia

A Love Supreme, como ya dijimos, es una de sus obras más grandes, sino es que la mejor, y pertence a la etapa en que Coltrane dio un giro a su música y la encaminó hacia al free-jazz, el cual en esos años era una tendencia fuerte, aunque apenas naciente. Hay una rítmica que permanece casi siempre impecable, muy bien armada y pulida, bellas melodías tanto del saxo del Coltrane como de piano, momentos tanto de energía como de tranquilidad, y no menos importante la incorporación de veloces solos de batería en el tema A Love Supreme, Pt. 3: Pursuance, y en el cual hasta el final se disfruta un solo de contrabajo. Es importante mencionar la trascendencia de ésta obra, a la que incluso se han hecho algunos homenajes por músicos de jazz o jazz fusion, y el impacto que tiene la música de John Conltrane dentro y fuera del jazz, a un nivel mundial.

Track List
A Love Supreme, Pt. 1: Acknowledgement
A Love Supreme, Pt. 2: Resolution
A Love Supreme, Pt. 3: Pursuance
A Love Supreme, Pt. 4: Psalm

Line-up
John Coltrane:Saxo Tenor
Mccoy Tyner:Piano
Jimmy Garrison:Contrabajo
Elvin Jones:Batería.

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Present: "Live!" (1996)

La década de los noventas no fue muy activa para Present y sin embargo representa la etapa en la que redefinen su música y la tornan más agresiva, un rock mas pesado pero que sigue manteniendo el componente oscuro y siniestro, característico de ellos. Present se me figura uno de los experimentos más interesantes y mejores de toda la esfera del Rock In Opposition, quizás no son ni tan trascendentes ni tan reconocidos como UZ, pero son verdaderos genios en la composición y también a nivel interpreativo. És por esto que valen la pena tanto sus álbums de estudio como aquellos que son en directo, como el que les traigo en ésta ocasión.
Lo que van a escuchar a continuación es el rock agresivo y veloz que mencioné anteriormente, pero con algunos momentos más calmos que dan la entrada para la parte vocal que queda a cargo de Reginald Trigaux, hijo de Roger Trigaux. 'Laundry Blues' es el tema donde el aspecto vocal llama nuestra atención, no son cantos sino algunos fragmentos hablados demoníacos acompañados por leves rasgeos de guitarra y bajo. El guitarreo de Trigaux se vuelve muy experimental al cabo de un rato, con el tono agudo característico de su forma de tocar.
'Alone' es una canción extraída de su álbum C.O.D. Performance, donde sólo participaban los Trigaux, ésta versión en vivo es interesante en tanto que incorpora, además de guitarra y voz, un leve acompañamiento del bajo y una batería que en principio se apoya en platillos. La primera parte es de carácter muy tranquilo pero inesperadamente llega un momento de rock mucho más enérgico con fuerte intensidad tanto en lo vocal como en lo instrumental, la base rítmica también da un excelente giro, además de un breve pero disfrutable solo de guitarra.
El concierto cierra perfectamente con el clásico 'Promenade au Fond d'un Canal', el cual nos permite notar un buen nivel de dinamismo, una estructura compleja, mucha energía y una excelente ejecución en todos los instrumentos; todo dentro de una envolvente e hipnotizante atmósfera de oscuridad y misticismo. Nuevamente éste tema es una variación del original de su álbum Triskaidekaphobie ya que el inicio no incluye teclas, y en otras secciones hay algunos coros suaves en ciertos momentos selectos que no eran parte de la composición original.

En la actualidad Present ya lanzó un nuevo álbum de estudio que además trae consigo un DVD con presentaciones en vivo, se titula Barbaro (ma non troppo) y el audio trae tres temas, uno de ellos es una nueva versión de Jack The Ripper, originalmente compuesta por Trigaux y Denis treinta años atrás para el álbum Heresie de Univers Zero, que ya he tenido el gusto de compartir.

Track List
1. Laundry Blues (11:36)
2. Contre (7:26)
3. Alone (11:30)
4. Promenade au Fond d'un Canal (22:08)

Line-up
- Roger Trigaux / guitar, keyboards, vocals
- Reginald Trigaux / guitar, keyboards, vocals
- Bruno Bernas / bass, vocals
- Dave Kerman / drums, percussion

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Egg: "The Civil Surface" (1974)

El tercer y último álbum de Egg es The Civil Surface, en el cual regresan un poco a sus raíces con fuertes tendencias a la música clásica, por ejemplo en los temas Wind Quartet I y Wind Quartet II, interpretados por un cuarteto de vientos que consiste en flauta, clarinete, cuerno francés y fagot. Otros invitados son cuatro cantantes femeninas para el preludio que antecede a "Wring Out The Ground (Loosely Now)" y el guitarrista Steve Hillage (Gong, National Health, Khan) quien participa precisamente en este tema. El resultado es otro disco con buena instrumentación, tiene temas delicadamente calmos así como otros más enérgicos, se pierde un poco el jazz que se vió en el álbum pasado, pero la propuesta sigue apostando por temas de carácter instrumental.
Realmente veo como único punto en contra de este disco, el ser menos experimental e inovador que su anterior trabajo, pero no significa de ninguna manera que sea un disco mediocre, por el contrario, mantiene la misma calidad que los dos anteriores.

Tracks Listing
Side 1
1. Germ Patrol (8:31)
2. Wind Quartet 1 (2:20)
3. Enneagram (9:07)

Side 2
4. Prelude (4:17)
5. Wring Out The Ground (Loosely Now) (8:11)
6. Nearch (3:22)
7. Wind Quartet 2 (4:48)

Line-up
- Dave Stewart / organ, piano; bass (6)
- Clive Brooks / drums
- Mont Campbell / bass, voice, French horn and piano

Guests:
- Jeremy Baines / Germophone & Bowle
- Lindsay Cooper / oboe, basson (1-6)
- Tim Hodgkinson / clarinet (1-6)
- Amanda Parsons / singing (4)
- Ann Rosenthal / singing (4)
- Barbara Gaskin / singing (4)
- Steve Hillage / guitar (5)

Wind Quartet performed By:
- Mont Campbell / French horn
- Maurice Cambridge / clarinet
- Stephen Solloway / flute
- Chris Palmer / basson

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SMV- "Live At Vitoria-Gasteiz Jazz Festival" (2009)

Stanley Clarke ha hecho de todo: desde jazz con Return To Forever, Henderson, Getz o Silver hasta rock con Keith Richards y Ronnie Wood, pasando por jazz rock con Jeff Beck y por diferentes bandas sonoras de cine, como la rapera 'Boyz ’N’ the Hood'. El ultiinstrumentista Miller, por su parte, ha producido a prácticamente todos sus ídolos del soul y el rhythm and blues, desde los Tempations a Aretha Franklin, desde Chaka Khan a Roberta Flack.
Y, por supuesto, su contribución a la última etapa de Miles Davis. Mike Stern, Chick Corea, Branford Marsalis, Dave Matthews, Bruce Hornsby, Prince o Gov’t Mule son algunos de los músicos con quienes ha tocado Victor Wooten, conocido por muchos como bajista al lado de Bela Fleck, pero con mucho más que decir.

Como han de suponer, SMV es el trío conformado por los músicos Stanley Clarke, Marcus Miller y Victor Wooten, y en ese orden conforman las siglas SMV; con la letra inicial del nombre de cada integrante. En 2008 lanzaron su álbum Thunder y en Julio de 2009 dieron un tour por algunos países de Europa para promocionar su disco; incluyendo un concierto que dieron en el Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, en España. Éste concierto es el que podrán escuchar a continuación y el resultado de la mezcla de talentos de éstos músicos es realmente asombroso, pero no se esperaba menos vininiendo de tres grandes y reconocidos exponentes del bajo eléctrico, cuya inclinación a la música Jazz y Funk es algo que han tenido en común a lo largo de sus trayectorias musicales.
El concierto ofrece algunas versiones extendidas de temas de su álbum de estudio, donde queda muy bien plasmada la habilidad de cada músico, con una técnica a veces impresionante que no se convierte en exageración (como el splaping en Shake Your Body o el solo de Wooten), bases rítmicas muy buenas y bien marcadas, pasajes generalmente calmos y cierto dinamismo que nos invita a seguir disfrutando de su buena música. Creo que no hace falta decir mucho más, pero si de verdad les agrada el jazz o el bajo es uno de sus instrumentos favoritos, no se pierdan de este genial concierto.

Track List
1. Maestros De Frecuencias Bajas- Thunder (11:51)
2. Wooten Bass Solo (6:05)
3. Moongose Walk (16:03)
4. Shake Your Body - Human Nature -Tutu (21:49)
5. Milano (11:24)
6. Beat It (4:10)

Line-up
Stanley Clarke: Double bass, Freetless bass
Marcus Miller: Fender electric bass, Bass Clarinet,Sax
Victor Wooten: Electric Bass
Fede Fernandez Peña: Keyboards
Derico Watson: Drums

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Amon Düül II: "Phallus Dei" (1969)

La primera versión de AMON DÜÜL II tomó su forma a mediados de 1967 como un grupo de músicos avant garde de orientación política, cuyas directrices fueron experimentar con drogas, música y política. A este colectivo musical se unió después Chris KARRER (guitarra), quien escogió enfocarse más a la música. Se unieron a la banda John WEINZIERL (guitarra, bajo) y Peter LEOPOLD (batería), ambos provenientes de AMON DÜÜL, incluyendo luego a Renate KNAUP (vocales), Falk ROGNER (órgano, sinttetizaador) y Dave ANDERSON (bajo). Esta alineación formó el núcleo de AMON DÜÜL II durante la mayor parte de principios de los años 70.

Por: Manticornio

Bien, pues resulta que ésta extraña e interesante banda es uno de los mejores exponentes y además uno de los pioneros del krautrock, género nacido y consolidado en Alemania. Amon Düül II representa mejor que muchas bandas del rock progresivo de antaño, la idea e interés por inovar y aportarle algo nuevo a la música, obviamente estuvieron muy adelantados a su época con éste excelente debút de oscura y mística portada llamado Phallus Dei. La instrumentación es de por sí muy buena, pues emplean instruemntos clave en el rock pero agregandoles violines, percusiones extrañas en ciertos momentos y vibráfono. Pero lo bueno no termina aquí, pues el disco lo abren unos leves rasgeos de sitarra (instrumento de cuerda de la india) acompañados nada menos que de ésas percusiones que traen consigo una rítmica que poco a poco nos introduce en la oscuridad atmosférica que encontraremos a lo largo del disco. Los cantos y coros al igual que lo instrumental se ubican también dentro de un plano experimental e inusual, que dota de más originalidad el estilo de Amon Düül II. A diferencia de otros discos krautrockeros de la época, éste establece muchas más diferencias que similitudes con la psicodelia que por lo general este tipo de bandas retoman más fuertemente. De hecho, apenas una leve pizca de rock psicodélico está presente en ésta banda, si es que la hay. En cambio, va enfocado en ritmos bien marcados, sobre todo por el buen trabajo en percusiones, generalmente son extraños pasajes ambientales o atmosféricos que incorporan también una guitarra eléctrica dominante y enérgica en ciertas partes.
Todo el disco es grandioso, pero el último tema, aquel de mayor duración y que da nombre al álbum es especialmente bueno, tiene un comienzo muy insano, improvisatorio y a la vez muy sombrío o lúgubre que al cabo de un tiempo nos envuelve en un rock más pesado con estructura rítmica más definida, sobre todo en la batería ya que la guitarra en ese punto adquiere un sonido más suave pero a la vez imponente, con un solo de larga duración. El dinamismo que encontramos está bastante bien medido, no hay cambios muy bruscos pero sí unas cuantas variaciones en la intensidad y velocidad musical que llegan a sorprender y a destacar.
En conclusión, es un disco sobresaliente en todo sentido, muy elaborado, sin momentos flojos, sumamente experimental, original, inovador y avanzado para su época, además de formar parte obligatoria de las colecciones de krautrock.

Track List
1. Kanaan (3:56)
2. Den Guten, Schönen, Wahren (6:00)
3. Luzifers Ghilom (8:02)
4. Henriette Krötenschwanz (1:59)
5. Phallus Dei (20:45)

Line-up
- Peter Leopold / drums, percussion, piano
- Shrat / bongos, violin, vocals
- Renate / vocals, tambourine
- John Weinzierl / bass, guitar
- Chris Karrer / violin, guitar, sax, vocals
- Falk Rogner / organ, synth
- Dave Anderson / bass
- Dieter Serfas / drums, electric cymbals

Guests:
- Holger Trützsch / Turkish drums
- Christian Burchard / vibraphone

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Akinetón Retard- "Cadencia Urmana" (2006)

Dentro de lo que abarca el rock progresivo latinoamericano, Akinetón Retard son un exponente moderno bastante fuerte con una propuesta sumamente original que trae consigo tanto jazz como Avant Prog o RIO. Éste quinteto chileno consiste en guitarra eléctrica, batería, bajo acústico y eléctrico, y un par de saxofones de distinta naturaleza y sonoridad. En éste último álbum cuentan además con la participación de trompeta, trombone, y una interesante y complementaria incorporación de un DJ, algo que por lo menos yo jamás he visto en una banda de rock progresivo, mucho menos tratándose del estilo que maneja esta banda.
Cadencia Urmana es un disco altamente experimental que se apoya mucho en el saxofon pero sobre todo en una excelente aportacion del bajo, vale la pena prestarle atención a esto último. Su mayor influencia es seguramente John Zorn, igual de eclécticos, y con alguno que otro momento de locura y mucha energía. Pero también saben perfectamente como llevar bases rítmicas intensas que entran en cierta contraposición con la suavidad jazzística que se encuentra mejor plasmada en otros de sus temas. La batería y guitarra se destacan perfectamente en el tema "Caldopatias", muy recomendado si les agradan los temas de mayor intensidad, energía y velocidad, donde predomina el lado más rockero de Akinetón, y el saxo asume un papel más secundario. También me llamó la atención "Levitando", donde incorporan algunos sonidos de DJ y una variedad bien lograda de ritmos y melodías. Sólo queda decir que Akinetón son una banda que tiene bastante que ofrecer, muy impredecibles, talentosos y experimentales en la mayoría de sus composiciones. A la larga se estarán convirtiendo en una banda de culto dentro y fuera de su país.

Tracks Listing
1. Cadencia Urmana (4:57)
2. Levitando (5:46)
3. Piel Estática (6:09)
4. Caldopatías (3:31)
5. Mujer de Otoño (3:20)
6. Ansiedade (2:40)
7. Ron Pimiento (5:27)
8. Roces Matutinos (3:21)
9. Flagelo (3:58)
10. Sei Blok (6:12)

Line-up
- Estratos Akrias / Soprano E Tenor saxophone
- Bolshek Tradib / drums
- Tanderal Anfurness / electric guitar
- Lectra Celdrëj / electric & acoustic bass
- Edén / Alto E Tenor saxophone, Dr. Sample

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Von Zamla: "Zamlaranamma " (1982)

Lars Hollmer es uno de esos brillantes genios de toda la esfera progresiva que permanece en cierto anonimato desde un punto de vista general y relativo a otros músicos y bandas que por mucho menos, han tenido más crédito. Hollmer es mayormente conocido por ser un miembro importante de una de las cinco inciales bandas del RIO, los suecos de Samla Mammas Manna. Pero además él cuenta con una discografía en solitario y otros proyectos interesantes como es Von Zamla. Ésta banda reafirma el verdadero carácter vanguardista que en SMM no estaba muy fuerte, al menos en sus primeros trabajos. Von Zamla no fue un grupo que durara mucho tiempo, tan sólo lanzaron dos álbums de estudio y uno en vivo, pero todos muy buenos, elaborados e influyentes, que incluso impactaron a músicos posteriores de la escena del Avant Prog, por ejemplo, los estadounidenses de Birdsongs Of The Mezozoic y Miriodor. Volviendo con el compositor y músico Lars Hollmer, él se encagara en éste álbum de las percusiones, teclados, glockenspiel y un manejo bastante inteligente y pulido del acordeón, el cual fue en su momento un elemento inovador para el rock progresivo en general.
Von Zamla logran converger pasajes de la música de cámara, con un leve acercamiento folklórico, además del buen uso del teclado que les da un aire electrónico, teniendo como resultado una mezcla efectiva de sonidos y diversas tendencias.
En es un disco tremendo tanto en lo compositivo como en la ejecución del mismo, además de ser ideal para escucharlo en cualquier momento debido a su gran accesibilidad.

Track List
1. Harujänta (7:49)
2. Rainbox (3:14)
3. Doppler (4:34)
4. Clandestine (5:48)
5. Temporal you are (4:32)
6. Original 13 II (4:46)
7. Ten tango (5:40)
8. Antsong (5:11)
9. Tail of antsong (2:05)

Line-up
- Denis Brely / bassoon, oboe, voice, baryton sax, Soprano flute
- Jan Garret / bass, bass pedals, guitar, percussion, vocals
- Eino Haapala / guitar, bass, cello, mandoline, percussion, vocals
- Lars Hollmer / keyboards, accordion, percussion, glockenspiel, lead vocals

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Faust: "Cést Com...Com...Compliqué" (2009)

Lo prometido es deuda y aquí tenemos lo nuevo de Faust para el disfrute de todos. Vale la pena mencionar que ésta banda es uno de los pocos importantes referentes del Krautrock que al día de hoy siguen vigentes, y en condiciones musicales bastante aceptables.
Obviamente tras unas cuatro décadas de carrera artística, cambios en la alineación, en las mezclas y arreglos que han hecho a través de los años, todo eso ha impulsado a que se reinventen y sigan en esa búsqueda por crear algo nuevo y distinto. Cést Com...Com es otra buena muestra de música experimental; esta vez creada a partir de grabaciones previas que Faust tenía al lado de la banda Nurse With Wound. Desde el primer tema éste álbum nos atrapa con una de esas yuxtaposiciones de sonidos electrónicos que hacían desde hace tiempo, toda una rareza mezclada inteligentemente. El componente nada predominante de rock psicodélico que tenían en sus primeros álbums aquí ya desaparece por completo, y presenta un estilo muy distinto, a veces enfocado en atmósferas relajadas y agradables de corte ambiental, como el excelente tema que cierra éste disco y que además da título al álbum. De repente vienen secciones más intensas, que recuerdan a esas variaciones sonoras constantes que se hacen en el post-rock, pero claro que esto va mucho más allá, sobre todo por las capas que se van sopreponiendo. Y otro aspecto que no deja de llamar nuestra atención es la parte vocal, que a diferencia de otros álbums, el idioma selecto es el francés (siendo ellos alemanes), debido al cambio de vocalista que ya habían tenido desde tiempo atrás. Es un disco tanto experimental como atmosférico que sigue dejando a Faust como uno de los mejores y más orginales grupos del krautrock.

Track List
1. Kundalini Tremolos (9:06)
2. Accroché à tes Lèvres (7:49)
3. Ce Chemin est le Bon (7:53)
4. Stimmen (2:06)
5. Petits Sons Appétissants (4:20)
6. Bonjour Gioacchino (5:07)
7. En Veux-tu des Effets, en Voilà (7:22)
8. Lass Mich (Original Version) (1:54)
9. C'est Com...Com...Compliqué (13:40)

Line-up
- Jean-Hervé Péron / Bass, vocals
- Amaury Cambuzat / Guitars, keyboards, vocals
- Werner Diermaier / Drums

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