Led Bib: "Sensible Shoes" (2009)

Tenía pensado dejar como cierre anual lo último de Magma, que como bien mencioné, está entre lo mejor de lo mejor del año. Sin embargo, era injusto dejar inactivo el blog hasta el 2010, así que aquí les presento otro muy buen disco de fin de década, para despedirnos definitivamente del 2009.

Tomando inspiración de gente como Ornette Coleman, John Zorn o Peter Brotzmann, Led Bib se presenta y se erige como uno de los fuertes representantes de la escena del Jazz Británico moderno, y su primer álbum, Arboretum, recibió el premio Peter Whittingham Jazz Award, además de otros reconocimientos en el mundo del Jazz. La instrumentación prefiere la esencia del Jazz de antaño, empleando dos saxofones, batería, piano, bajo acústico y bajo eléctrico. Un grupo libre de guitarra o teclado, y más cercano al Free Jazz que al estilo Fusion, tiene por consiguiente una propuesta sumamente interesante, diferente y si es posible, también algo de inovación. Sensible Shoes es el tercer álbum que ha lanzado Led Bib, y continúa con la labor de composiciones inusuales y vanguardistas, en esta ocasión incluye improvisaciones virtuosas, algunas distorsiones del bajo, múltiples usos de los saxos (melodías, improvs, ambientación), algún efecto electrónico y predominantes momentos enérgicos en todos los instrumentos. Sin embargo, puede igualmente mostrar secciones más amables, calmas o elegantes, identificables con el jazz más tradicional. Sensible Shoes, a pesar de que tener pocas partes melódicas y variadas disonancias con poca armonía, tampoco se identifica mucho con el estilo jazzístico insano y agresivo, sino que se muestra bastante más audible.

Esto ha sido todo, se espera que lo disfruten, y les deseo a todos una mejor década, llena de mejores vivencias y valiosas lecciones, pero sobre todo, que encuentren paz, armonía, bienestar y felicidad. De mi parte, espero seguir compartiendo la mejor y más rara música que encuentre, que es el alimento de este blog, junto con los comentarios y sugerencias que ustedes me dejan.

Hasta luego, y no se olviden de visitar en 2010, porque vamos a iniciar con una de las discografías que quedaron pendientes (habrá FLAC Audio) y otros discos no menos importantes del 2009.

Track List
1. Yes, Again (4:55)
2. Squirrel Carnage (7:10)
3. Early Morning (7:10)
4. Sweet Chili (5:22)
5. 2.4:1 (still equals none) (5:56)
6. Call Centre Labyrinth (7:00)
7. Water Shortage (7:11)
8. Flat Pack Fantasy (4:49)
9. Zone 4 (9:07)

Line-up
- Mark Holub / drums
- Liran Donin / Stand up bass, electric bass
- Tony McLaren / Rhodes piano
- Chris Williams / saxophone
- Pete Grogan / saxophone

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Magma: "Ëmëhntëhtt-Ré" (2009)

Cuando se habla de Magma lo mínimo que se puede esperar es un disco que tenga cierta calidad, pero Ëmëhntëhtt-Ré no se queda en lo mínimo, sino que compite con lo mejor del año y de la década que se está terminando. Es por esto que con él cerramos este ciclo, y nos despedimos de éstos 10 años de mucha buena música y grandes avances para el rock progresivo. El álbum ha estado encabezando la lista de los álbums Top 2009 de Progarchives, colocado en su merecidísimo primer lugar. Como la mayoría de la música de Magma, Ëmëhntëhtt-Ré tiene todo un trasfondo conceptual místico, simbólico y espiritual que logra cohesionar perfectamente cada track del álbum, convirtiéndose en uno de esos discos que preferentemente se deben escuchar de corrido, debido a su continuidad y su marcada unidad. Ëmëhntëhtt-Ré se coloca como el final de una de las trilogías narrativas de Magma, sucedida tras los acontecimientos mencionados en Köhntarkösz, y éste último a su vez funciona como continuación de K.A.
Christian Vander y compañía comenzaron a trabajar en las composiciones y la respectiva puesta en ejecución de Ëmëhntëhtt-Ré desde hace más de 30 años, y tras muchos cambios en la alineación, múltiples ensayos y semblanzas previamente documentadas de lo que sería éste disco, finalmente lograron terminarlo en 2009. Este hecho viene completamente ligado a que ciertas secciones del álbum sean muy similares a lo que encontramos en producciones pasadas, por ejemplo, escucharemos extractos fácilmente reconocibles de Live/Hhaï, Üdü Wüdü y Attahk, pero aquí entran en juego dichas composiciones y se fusionan de manera que existe un seguimiento y una congruencia entre éstas piezas. Gracias a que las antiguas composiciones fueron puliéndose al máximo y estableciendo conexión con otras, tanto Ëmëhntëhtt-Ré como K.A, son álbums en donde permaneció la esencia del Magma setentero, elemento que pocos o ningún otro grupo veterano del rock progresivo ha logrado: mantener su esencia, tener un poco de lo que eran antes.

Adentrándonos en materia musical, Ëmëhntëhtt-Ré es un álbum de arreglos super-refinados, abre con una ópera suave y melódica, un introductorio no muy intenso pero emotivo que dará paso a mi canción favorita del año: "Ëmëhntëhtt-Rê II". Subdivido en al menos tres movimientos principales, éste tema comprende versiones previas de trabajos anteriores: iniciamos con la parte operática de "Ëmëhntëhtt-Rë (extrait no.2)" que se incluyó como bonus track en Üdü Wüdü, luego escuchamos una elegantísima nueva versión de "Hhaï" (Live/Hhaï), con juegos vocales de excelentes proporciones, bellas melodías de piano, dualidades de vibráfono y guitarra suave, y cambios rítmicos impredecibles pero profesionalmente medidos. Finalmente, un clásico de Magma del que incluso se han hecho covers: "Zombies (Ghost Dance)", con su característico y envolvente poder hipnótico, gracias a la comunicación en la reiteración de los sonidos del binomio guitarra-piano, los cuales llevan como soporte un bajeo poderoso, igualmente reiterativo. Algunas variaciones rítmicas permiten escuchar otros componentes, como técnicas muy habilidosas en la batería, coros más graves y algún efecto sónico complementario. Ésta última parte se hace cada vez más intensa, se acelera poco a poco y su extraño dinamismo culmina en una sección de voces que van cambiando de tono, que servirán de entrada a "Ëméhntëhtt-Ré III". Aquí la parte vocal es ligeramente más inusual o experimental, de vez en cuando usadas como instrumentos con predominantes voces femeninas, que establecen nexos comunes con el piano. Vander se presenta igualmente enérgico e igualmente preciso en la mayor parte de éste tema, el bajeo es notablemente más virtuoso y la guitarra y vibráfono pasan a un segundo plano. Existen dinamismos imposibles de ignorar, pero la rítmica sigue un curso mucho más fijo o constante, y se siguen disfrutando los detalles hiptónicos, pero se hace evidente una preferencia en la mayor parte de la canción por secciones de mucha energía en todos los instrumentos y voces, que desarrollos instrumentales calmos o melódicos. Cerca del final del tema, hay explosiones sónicas más intensas, algunos cambios fuertes y cierta atmósfera insana, similar a lo escuchado en "Ëmëhntëhtt-Ré II", pero con un final definitivamente tranquilo que nos permite descansar el oído y nos instroduce al cuarto "Ë-Ré". Ésta continuación es más melódica, agradable y accesible en todo sentido, protagonizada por suaves voces femeninas, apenas acompañadas por batería, piano y bajo.
"Funëhrarïum Kanht" es decorado con motivos oscuros, un tema calmo pero definitivamente de ultratumba con un posible significado simbólico-narrativo para el álbum conceptual en general. El piano es punsante, insistente y las voces moderadamente demoníacas, contraste con todo el resto del disco. La batería de Vander sigue siendo complementaria al igual en el E-Ré IV, y aporta un extraño ritmo muy atípico para cualquier género musical. "Sëhë" mantiene esa misma vibra y una voz masculina parece hacer algún conjuro o invocación extraña, un cierre extraño y sombrío pero seguramente necesario para un álbum tan magnífico como Ëmëhntëhtt-Ré.

Track List
1. Ëmëhntëhtt-Rê I (6:53)
2. Ëmëhntëhtt-Rê II (22:25)
3. Ëmëhntëhtt-Rê III (13:06)
4. Ëmëhntëhtt-Rê IV (3:54)
5. Funëhrarïum Kanht (4:19)
6. Sëhë (0:27)

Line-up
Christian Vander / drums, voices, piano, Fender Rhodes, clavinet, percussions
Stella Vander / voices, percussions
Isabelle Feuillebois / voices
Hervé Aknin / voices
Benoît Alziary / vibraphone
James Mac Gaw / guitar
Bruno Ruder / Fender Rhodes
Philippe Bussonnet / bass

with:
Emmanuel Borghi / piano
Himiko Paganotti, Antoine Paganotti, Claude Lamamy, Marcus Linon and Pierre-Michel Sivadier / voices

-->Links en comentarios, disponible también en FLAC.

John Patitucci: "Now" (1998)

Now es para mí el mejor disco solista de Patitucci. Fue también el regreso de Patitucci a las formas mas tradicionales del jazz, después de una larga etapa dedicado a la fusión. Por si fuera poco, es el disco donde descubrí a Bill Stewart, el increíble baterista que suele también tocar con John Scofield.

Nacido en Nueva York, Patitucci estudió música en la Universidad de San Francisco y luego se trasladó a Los Ángeles , donde se consolidó sun carrera y comenzó a relacionarse con los músicos de jazz más vanguardistas. "Chick Corea, Wayne Shorter… Para mí esa época fue muy importante. Conocí a mucha gente y permanecí allí durante catorce años. Con el tiempo asumí que era músico de jazz y que necesitaba volver a Nueva York".
En Now, Patitucci es acompañado nada más y nada menos que por Michael Brecker, Chris Potter, y los ya mencionados Bill Stewart y John Scofield.
"Michael es un amigo de siempre y juntos hemos colaborado en muchas cosas. En un momento me dijo que podíamos hacer un álbum entero en lugar de coincidir solamente en un tema o participar en una sesión con otros músicos, por lo que cuando me planteé Now, enseguida conté con él. Bill Stewart es un baterista que ha trabajado mucho con Michael y que es realmente bueno y versátil. A Chris le conozco hace seis años y también le aprecio mucho como músico. En cuanto a John, es uno de mis músicos favoritos; me encanta tocar con él y siempre le he admirado mucho".

"Además de intérprete, soy compositor y me gusta presentar mis piezas en mis álbumes. Cuando toco en un disco de otro toco lo de otro, pero en los míos se toca lo mío", dice John Patitucci. Los temas de Now son casi todos composiciones de Patitucci, con excepción de Search for Peace, de Mc Coy Tyner, y Giant Steps el revolucionario tema de John Coltrane que cambió para siempre la forma de componer jazz. Casualmente es en Giant Steps y en Miya, dos de los temas mas calmos del disco, donde Patitucci deja el contrabajo para volver al bajo eléctrico.

Extraído de: Bienvenidos a la Monga!

Track List
01. Now
02. Grace
03. Out of the Mouths of Babes
04. Hope
05. Labor Day
06. Espresso
07. Forgotton But Not Gone
08. Search For Peace
09. Giant Steps
10. Miya

Line-up
John Patitucci: Acoustic Bass
Michael Brecker: Saxophone
John Scofield: Guitar
Bill Stewart: Drums
Chris Potter: Saxophone

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Present: "Barbaro (ma non troppo)" (2009)

El año 2009 se está terminando y quise dejar lo mejor de lo mejor para el final, para cerrar con broche de oro este año que nos ha regalado tantísimia buena música. Uno de los discos que merecen mención especial por su extrema elaboración en ejecución, complejidad compositiva, virtuosismo y excelente instrumentación, además de una producción por demás envidiable, es lo nuevo de los músicos belgas de Present. Otra notable característica del álbum es que permite apreciar el trabajo individual pero a la vez en conjunto de cada uno de los miembros de Present, y nunca se pasa por alto la participación de guitarra, batería, bajo, chelo, saxofón, teclado o piano, existiendo además una gran congruencia y cohesión entre el aporte de cada músico.

"Vertiges" abre el disco de manera magnífica, con riffs de guitarra desgarradores y pianos y teclados punsantes, los intérpretes aquí juegan con una armonía super pulida, pero añaden dinamismos, cambios de tiempos, cambios rítmicos, y todo dentro de una atmósfera insana de desbordes sonoros que transmiten ira y mucha energía. La parte sinfónica y calma se destaca, sobre todo porque le dan su respectivo lugar a guitarreos suaves, partes melódicas de teclado y mayor énfasis en el trabajo del chelista, convirtiéndose en toda una aventura musical gozadora para quien le escucha. El tema sigue una estructura muy impredecible pero pulidísima en todo sentido, que lo convierte en uno de los mejores temas progresivos de todo el 2009.

"A Last Drop" también tiene un inicio muy explosivo, sobre todo en el teclado, pero seguido de ésto, ya podemos disfrutar más melodías de saxofón, ritmos más constantes, bajos más potentes y baterías insistentes, gran parte de este tema se convierte en un trance de hipnósis que nos deja a la espera de algún cambio impredecible, típico del mejor RIO de antaño. Ese cambio nos agarra por ahí de los 4 minutos, el teclado agarra protagonismo, luego la batería acompaña y entonces ocurre una explosión musical veloz y agresiva que rompe con el ritmo constante, en seguida nos adentramos en territorios sinfónicos de arreglos muy bien trabajados, que dan mayor peso al chelo. A partir de aquí el tema es más dinámico pero también más calmo, de un momento a otro nos deja apreciar a plenitud otro instrumento más: la tuba, con una extraña melodía envuelta dentro de un ambiente siniestro de terror. Finalmente, la guitarra y el saxofón se fusionan e intercalan, el teclado los acompaña y nos dejan a la espera de algo más oscuro: el último tema.

"Jack The Ripper" es un cierre fantástico, no es un cover propiamente dicho, sino una nueva versión que originalmente compuso Roger Trigaux al lado de Daniel Denis para el clásico álbum Heresie (1979) de Univers Zero, que ya tuve el honor de traer a este blog.
Aquí, el piano es quien da inicio, con esa melodía sombría y mística, que poco a poco será acompañada por otros instrumentos, primero el chelo, y luego entran el teclado y el saxofón. Éste principio es definitivamente sinfónico, un rock de cámara del más elegante y refinado jamás creado. Casi llegando a los tres minutos, Trigaux imita con su guitarra de tonalidad particular la melodía del chelo pero se mantiene la calma. Después, se vienen inevitables cambios sonoros y rítmicos, y la batería también empieza a entrar en juego. Algunas melodías y ritmos fijos nos introducen a lo que más tarde será un caos, donde se llega a un rock más enérgico e intenso, pero la armonía y congruencia instrumental permanecen intactas. Más adelante, se viene una improvisación insana del chelo, acompañada por melodías repetitivas de teclado y batería agresiva, donde se alcanza la parte menos accesible y poco audible del disco. De repente, esto llega a su fin, y una breve parte rockera nos adentra a lo que será el final del tema, una atmósfera hipnótica de melodías insistentes en los teclados y distorsiones de guitarra que definitivamente se regresan a la parte experimental, en donde más adelante el chelo vuelve a improvisar. Nuevamente, esto se detendrá y una sección de corte magníficamente armónico, más consistente en su estructura y de mayor fuerza en guitarra y batería, será la culminación definitiva de este temazo, y al mismo tiempo, de éste disco de excelentes magnitudes y extremadamente ensayado.

-->Información en Progarchives.com
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Guapo: "Great Sage, Equal of Haven" (2001)

Guapo es una banda británica que lanzó sus primeros discos a finales de la década de los noventas, comenzando como una banda de hardcore, que más adelante evolucionó y estableció conexiones con el RIO más complejo y el Zeuhl más virtuoso. Great Sage, Equal of Haven es su cuarto álbum de estudio, se trata de un disco que habla muy bien de ésta banda, posiblemente no el mejor, pero al menos se sitúa y se revela al oído como un trabajo bastante elaborado en ejecución, pulido en composición, inovador, pero sobre todo es, potente e insano. El bajo y la batería son dominantes, virtuosos y la mayoría de las veces, extremadamente poderosos. Los momentos en que el disco no presenta su carácter agresivo, los deja para secciones de corte más ambiental y calma, del tipo post-rock, o para riffs reiterativos que recordarán a Magma, con ese toque hipnótico. El uso del saxofón es bastante complementario, de hecho no se usa en todos los tracks, pero cuando lo hace, acompaña bastante bien, con algunas melodías suaves y raras, que no necesariamente agregan jazz al predominante binomio de RIO-Zeuhl.
El cierre del disco no pudiera ser mejor, con El Topo, de inicios de herencia magmática y excelentes líneas de bajo que poco a poco nos sumergen en trances instrumentales que van aumentando su intensidad hasta desplegar cambios rítmicos bien medidos, o haciendo uso de sintetizador para generar un ambiente de ultratumba, del mejor estilo del RIO o Zeuhl de antaño.
Great Sage, Equal of Haven es un disco ampliamente recomendado y hasta esencial tanto para quienes gustan de virtuosismo, como para quienes buscan experimentos musicales complejos, raros, y dignos de pertenecer al mejor Avant-Garde, RIO o Zeuhl de los últimos años.

Track List
1. Mountain Of The Five Elements (4:14)
2. Blessed Albania (2:42)
3. Zero For Conduct (3:30)
4. Five Cornered Square (3:44)
5. Ten Years Of Heisei (1:14)
6. Sakura (4:22)
7. Perfect Blue (5:07)
8. El Topo (16:01)

Line-up
- Matt Thompson / bass, guitar, electronics
- Dave Smith / drums, percussion
- Caroline Kraabel / saxophone (2, 4, 6, 7)
- John Edwards / double bass (7)
- Andy Thompson / MiniMoog

-->Links en comentarios (reparado)

AKA Moon: Akasha Vol.1 & Akasha Vol. 2

Vol. 1 (1994)

Track List
01 As Known As Venus - Part 1 [14'00"]
02 Danse Pour Un Ange [6'06"]
03 Alaknanda [9'00"]
04 Tiruvanamalaï - Part 1 [4'22"]
05 Galileo Galilei - Part 1 [4'54"]
06 Namaste [2'30"]
07 Tiruvanamalaï - Part 2 [7'08"]

Vol. 2 (1996)

Track List
1. Bagherathi (7:15)
2. First Tchaï (13:42)
3. Rebirth (Part 6) (5:48)
4. Galileo Galilei (Part 2) (3:13)
5. Tiruvanamalaï (6:12)
6. Eclipse In Mahabalipuram (5:57)
7. As Known As Venus (Part 2) (4:02)

Line-up
- Fabrizio Cassol / Alto saxophone & composer
- Michel Hatzigeogiou / bass
- Stéphane Galland / drums
- Raghunath Seth / flute
- Aneesh Pradhan / tablas
- Shankaranarayanan / Mrudangam

La filosofía y música de AKA Moon puede que tenga similitudes con el movimiento del M-Base, y de hecho, más allá de la música, ellos son verdaderos investigadores. La razón que explica esto es que en una de sus búsquedas más importantes, han ido estudiando las costumbres y cultura de la tribu de los AKA pygmies de África. Este hecho obviamente viene ligado en que en discos como los dos volúmenes de Akasha, el trío belga se permitiera experimentar con música de la India, usando percusión tribal y ciertas melodías de flauta que fácilmente se identifican con la música étnica. El primer volumen comienza como un jazz bastante suavizado protagonizado por el saxo que poco a poco va agarrando fuerza, de repente llegan algunos momentos enérgicos en la batería, o de rímticas apoyadas en percusión acústica, haciendo algunos duetos interesantes. El bajo se presenta más secundario, pero de vez en cuando se sigue notando la inspiración en Jaco Pastorious.
El segundo volumen es un poco más melódico en el saxofón y en el bajo, las percusiones siguen con el papel dual entre rítmicas fuertes y otras más calmas, pero siguen en pie las improvisaciones, la libre expresión musical y el cuidado de las texturas, donde encontramos la misma buena vibra del jazz de antaño, sólo que desde una perpectiva definitivamente vanguardista que también homenajea a la música étnica.
AKA Moon y en especial, sus discos como los Akasha, van recomendados a todo aquel que quiera escuchar un jazz moderno y experimental, donde el principal interés es llevar el género a otros territorios de la música.

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